P>Passe qualquer quantidade de tempo a trabalhar entre designers profissionais e aprenda que equiparar arte com design é uma forma segura de agitar o pote e ouvir declarações ousadas como:

• “Design não é arte. O design tem de funcionar”
• “A arte destina-se a provocar pensamentos e emoções, mas não resolve problemas”
• “Os artistas trabalham principalmente por instinto, enquanto que os designers empregam um processo metódico e orientado por dados”

Felizmente, a discussão designer vs. artista deteriora-se muitas vezes, transformando-se em discurso e delírio. As linhas são desenhadas, as bandeiras de batalha são levantadas, e o diálogo produtivo torna-se impossível.

O que se passa realmente aqui? Porque é que a arte e o design foram colocados um contra o outro, e porque é que os designers são tão inflexíveis que o design não pode ser arte? Estas questões são o ponto de partida para uma conversa ponderada entre os designers Toptal Micah Bowers e Miklos Philips.

Bowers é um designer e ilustrador de marca que acredita que a arte engloba muitas disciplinas criativas, sendo o design uma delas, e portanto o design é arte.

Philips, um designer UX e editor principal do Toptal Design Blog, toma a posição de que a arte e o design podem cruzar-se, mas são campos claramente diferentes.

Com os nossos concorrentes no ringue, está na hora de começar o debate. Senhores, toquem luvas e vão para os vossos cantos.

Is Design Art?

Micah: Design é arte. Arte é design. Sem excepções.

Sejamos claros – estou ciente de quão impopular é a minha posição, especialmente entre os meus pares de design. Estive em conversas, li livros, falei com colegas, e tive aulas determinadas a estabelecer as diferenças irreconciliáveis entre arte e design. Sempre que partilho os meus pontos de vista, a reacção é rápida e feroz, mas permaneço indiferente aos contra-argumentos (boa sorte, Miklos).

A insistência na distinção entre arte e design tem sido como uma febre constante e baixa que me tem incomodado nos últimos 15 anos – primeiro através da minha formação em design industrial, depois durante uma licenciatura em artes plásticas, e depois na minha carreira em branding e ilustração.

A minha posição é esta: O grande design é, antes de mais, arte. Em que é que esta crença está enraizada? Uma compreensão filosófica da arte.

A busca da definição de arte está impregnada de séculos de debate. O filósofo grego Platão acreditava que a arte é essencialmente um reflexo de um reflexo do que é real. Mas as suas opiniões são amplamente contestadas, e uma vez que temos de começar por algum lado, devemos visar um entendimento que reconheça a história e a diversidade do pensamento e da cultura globais.

Parafraseando a Enciclopédia de Filosofia de Stanford conduz-nos aqui:

Art existe e existiu em todas as culturas humanas conhecidas e consiste em objectos, performances, e experiências que são intencionalmente dotados pelos seus criadores com um elevado grau de interesse estético.

Em virtude desta definição, o design é inegavelmente arte. Pode ser encontrado em todas as culturas humanas. É utilizado para criar objectos, performances, e experiências. E, os designers instilam intencionalmente quantidades significativas de interesse estético no seu trabalho.

Aqui, o grito inevitável é ouvido: “Espera! Desfizeste-te com uma única palavra. Estética””

Os designers adoram fazer suposições arrebatadoras em relação à estética, por isso permitam-me construir uma salvaguarda.

Tal como a arte, o conceito de estética é um campo complicado do pensamento filosófico e não pode ser reduzido ao estereótipo do designer de que significa “fazer as coisas parecerem bonitas”.

De facto, a estética cobre muitas questões que são essenciais para a “arte vs. arte”. design” debate:

• “Será possível determinar um juízo estético a partir de um juízo prático?”
• “Qual é a base pela qual julgamos entre utilidade e beleza?”
• “E, “Como são as crenças fundamentais pelas quais fazemos juízos estéticos influenciadas pelo tempo, cultura, e experiência de vida?”

p>Aqui está o meu ponto de vista: No mundo do design contemporâneo, a arte tem sido estritamente definida e injustamente reduzida a uma patética caricatura de aguarela. Ao longo de séculos de prática artística, de investigação filosófica e de compreensão cultural, os desenhadores influíram de forma flipante o significado das suas próprias disciplinas (que variam em substância até um grau cómico). O design é arte. Arte é design. Sem excepções.

Miklos: O design precisa de cumprir uma função. Não art.

P>Primeiro de tudo, temos de separar o tipo de design de que estamos a falar. Posso ver no caso do design gráfico, ilustração, e branding talvez o design seja um pouco “arte”, mas se estamos a falar de design mais funcional – como o design de produto digital ou design industrial – precisamos de ir muito mais fundo, e torna-se claro: Design não é “arte”

Grande design é parte ciência, parte processo, e parte um conjunto prático de soluções com uma pitada de estética atirada para dentro. Indo além da superfície, um designer descobre inevitavelmente que o grande design tem mais a ver com a entrega de soluções para problemas.

Design é um processo, não art.

Como designer UX, preciso sempre de cavar mais fundo, para além da fachada a que se pode chamar um potencial “design” e olhar para o panorama geral holisticamente: o público-alvo, os cenários de caso de uso, o contexto, e o dispositivo a que se destina o design: TV para móvel, computadores de secretária para tablets, caixas multibanco, etc. E quando se trata de concepção de produtos, não esqueçamos a validação e os testes de usabilidade. Se o design fosse apenas arte, como se poderia testá-lo?

Se o design fosse puramente arte, o que dizer da heurística de usabilidade? Será que conceitos de usabilidade UX como feedback, consistência e normas, prevenção de erros, controlo do utilizador, flexibilidade e previsibilidade estão fora de questão? O design não está lá para servir as pessoas? Se quiser ser um artista, seja, mas não se chame a si próprio designer. Seja um pintor ou um escultor.

“Há beleza quando algo funciona e funciona intuitivamente”, diz Jonathan Ive.

A parte “trabalhar intuitivamente” por si só não pode ser alcançada pela “arte”; é impulsionada pela pesquisa e testes do utilizador. Um bom design é também impulsionado por dados. Além disso, num futuro próximo, a IA transformará a forma como o design é entregue. Será super-personalizado e antecipado. Será que o design como “arte” será capaz de fazer isso? Não me parece.

Não se pode dizer que desenhar uma máquina de venda de bilhetes UI é “arte”. Certamente, a estética e o design emocional entram em jogo – como outros artigos no Toptal Design Blog mencionaram antes – porque a estética desempenha um papel no design na medida em que os designs com melhor estética fazem um produto parecer “funcionar melhor”. Mas ainda assim, a função do design e o contexto de utilização precisam de ser tidos em conta.

Por exemplo, no livro seminal de Don Norman “The Design of Everyday Things”, ele fala de design e do conceito de affordances. (O conceito de affordance foi cunhado pelo psicólogo perceptual James J. Gibson no seu livro inovador The Ecological Approach to Visual Perception). Norman escreve:

Affordances fornece pistas fortes para as operações das coisas. As placas são para empurrar. Os puxadores são para virar. As placas servem para inserir as coisas. Os punhos servem para levantar. As bolas são para atirar ou saltar. Quando se aproveitam as possibilidades, o utilizador sabe o que fazer apenas por olhar: não é necessária nenhuma imagem, rótulo, ou instrução.

Assim, as possibilidades são “propriedades percebidas” de uma função em design, e precisam de ser sinalizadas ao utilizador com “significantes”, que fornecem pistas ao utilizador sobre a existência de uma possível interacção. Não sei como se poderia casar os conceitos de affordances e significantes com “arte”. São conceitos essenciais de design de interacção no domínio do IHC (interacção humano-computador). Não têm nada a ver com art.

Como designer UX, rejeito a noção. Quer dizer, consegue imaginar uma máquina de venda de bilhetes concebida ao estilo cubista por Picasso? Não dizer que não seria interessante, mas não seria muito eficaz ou funcional.

O que é um bom design?

Micah: A arte resolve problemas. “Bom design” é simplesmente um caminho para uma solução.

Uma máquina de venda de bilhetes no Cubismo de Picasso? Isso seria um bom design! Posso imaginar as mãos de um artista capaz de alavancar a dissonância estilística do Cubismo numa hierarquia visual claramente definida que encanta os utilizadores com pontos de interacção inequívocos. Finalmente, podíamos despedir-nos dos santuários de botões, pouco claros e confusos a que todos nos habituámos.

Interessantemente, tal ideia não é sem precedentes. Em vilas e cidades de todo o mundo, as instalações de arte pública têm sido utilizadas para melhorar experiências anteriormente negligenciadas ou confusas pelo design. O Caminho de Van Gogh, criado pelo artista holandês Daan Roosegaarde, é um exemplo perfeito.

Inspirado pela Noite Estrelada de Van Gogh, o caminho passa por Nuenen, NL (uma cidade onde o artista viveu na década de 1880) e é composto por milhares de pequenas rochas pintadas que captam a energia do sol durante o dia e se iluminam à noite.

Se todo este projecto fosse abrangido, seria pouco mais do que um agradável efeito de iluminação, mas o âmbito da visão artística de Roosegaarde é muito mais amplo. Van Gogh Path é uma prova de conceito dentro de um projecto maior chamado SMART HIGHWAY, um esforço ambicioso que visa reinventar a paisagem holandesa através da implementação de um sistema sustentável de estradas brilhantes e interactivas.

The takeaway? A arte e os artistas têm a capacidade de resolver problemas substanciais.

A resolução de problemas requer conhecimento, experiência, habilidade, investigação, risco, e compreensão do comportamento humano, mas infelizmente, muitos designers não reconhecem que os artistas empregam metodologia de resolução de problemas no seu trabalho – embora os artistas tenham procurado sistematicamente soluções criativas durante séculos, muito antes de a distinção de “designer” estar na moda.

P>Prova de alimentação?

Conquista, olhamos para um artista holandês, o mestre da luz e pintor da Rapariga com um Brinco de Pérola, Johannes Vermeer. Vermeer viveu durante a metade do século XVII, experimentou um modesto sucesso como pintor, e morreu sob uma montanha de dívidas. Quase dois séculos após a sua morte, porém, a obra de Vermeer foi redescoberta, e a sua posição como um dos grandes pintores de todos os tempos foi cimentada nos anais da história da arte.

Mas uma coisa estranha aconteceu. Quanto mais as pessoas estudavam Vermeer e a sua obra, mais se apercebiam que as suas pinturas e processos eram verdadeiramente diferentes dos de qualquer outro artista. Como assim?

• Vermeer não teve formação artística formal e aparentemente não se submeteu a uma aprendizagem como pintor.
• O seu corpo de trabalho é bastante pequeno, consistindo em menos de 50 pinturas totais.
• Nunca teve alunos ou aprendizes próprios.

li>No início todas as pinturas de Vermeer foram encenadas numa das duas salas da sua casa.li>Não há desenhos ou esboços preparatórios sobreviventes atribuídos a Vermeer.

• X-rays das pinturas de Vermeer não revelam nenhum desenho ou correcção de composição.

As suas pinturas contêm iluminação e distorções de perspectiva que só podem ser vistas através de lentes feitas pelo homem.

• E finalmente, Vermeer era um grande amigo de Antonie van Leeuwenhoek, um cientista holandês conhecido pelo seu trabalho pioneiro nos campos da fabricação de lentes e microscopia.

p> O que significa tudo isto? Vermeer provavelmente usou uma forma avançada, e ainda desconhecida, de câmara obscura para criar as suas obras-primas. Esta é uma teoria controversa, mas existem amplas provas de múltiplas fontes para apoiar tal afirmação.

Como é relevante para o nosso debate? Vermeer inventou um aparelho e processo que passou despercebido e sem ser detectado durante mais de 350 anos e lhe permitiu criar algumas das pinturas mais icónicas e tecnicamente requintadas do mundo, sem qualquer formação formal. Este é o auge da resolução de problemas.

Design é uma forma de arte, um método de expressão humana que segue um sistema de procedimentos altamente desenvolvidos a fim de imbuir objectos, performances, e experiências com significado. Como todas as formas de arte, o design tem o potencial de resolver problemas, mas não há garantias de que o fará.

Mais do que tudo, quero que os designers percebam que a arte não é uma subcultura asinina do design rejeita os preocupados em pintar com os dedos os seus sentimentos. De facto, uma visão baixa da arte é também uma visão baixa do design, da ciência, da história e da cultura que limita severamente o potencial criativo e o progresso interdisciplinar.

No final do dia, a arte resolve problemas. “Bom design” é simplesmente um caminho para uma solução.

Miklos: Um bom design é imparcial e entrega o que as pessoas precisam.

Notificação Eu não disse “o que as pessoas querem” como a canção dos Rolling Stones que diz: “Nem sempre se consegue o que se quer…consegue-se o que se precisa”. As pessoas nem sempre sabem o que querem, cabe aos desenhadores descobrir exactamente o que precisam.

Por falar nisso, como é que os quadros resolvem os problemas? Não consigo ver que.

O bom design é subjectivo até certo ponto, mas na minha opinião “bom design” é descoberto pelo caminho num processo de design iterativo com muita validação/teste. É “pensamento de design”. Já existe há décadas. É algo que apenas funciona, onde as coisas se juntam da forma certa, no momento certo, no momento certo.

Desenhar bem não é definitivamente apenas arte ou estética. Isto é apenas a superfície. Um bom design deve ser julgado por vários factores, tais como a base de utilizadores pretendida, o ambiente, o contexto de utilização, o meio, e o dispositivo em que deve aparecer. Por exemplo, no caso de uma máquina de venda de bilhetes, a estética pode não ter tanta importância como as pessoas precisam de fazer as coisas e as coisas só precisam de trabalhar para elas. Precisa de ser super funcional, rápido e eficiente.

O design bom na minha mente é um design que é equilibrado da forma correcta entre a estética e o design de interacção. Para continuar a utilizar o exemplo de uma máquina de venda de bilhetes, nesse cenário, o “look” é menos importante e deve tomar a parte apropriada em termos de importância na escala de equilíbrio, e a usabilidade e o design de interacção (design funcional) deve tomar a maior proporção.

Podemos também contrastar “design bom” vs. “design mau”. O mau design é um pandemónio. É desordem. Pode ser frustrante ou irritante. Abranda as pessoas e drena-as emocionalmente. Pode na realidade ser feio, ou simplesmente banal e por isso não merecer a atenção de ninguém. Para o seu público, o mau design é um impedimento em vez de um empoderamento.

Is Design Subjectivo ou Objectivo?

Miklos: É uma mistura de ambos em proporções variáveis.

Art e design são indissociavelmente combinados. Considero o design como um esforço holístico que inclui “arte”. O design é tanto subjectivo como objectivo, mas deve ser principalmente objectivo. A objectividade adequada do design é alcançada através de pesquisa de utilizadores (definição da base de utilizadores alvo, conhecer os utilizadores do produto, observar o contexto de utilização), trabalhar através das etapas essenciais de um processo de design centrado no utilizador (UCD) e testes de utilização.

Um design pode surgir da mente de um designer brilhante, mas a sua utilização prática ainda precisa de ser validada. Se o design fosse apenas subjectivo, não haveria necessidade de testes de usabilidade (o que muito provavelmente iria perturbar o designer, pois este descobriria que o design não funciona). O desenho viria de uma pessoa que, para mim, é uma ideia ridícula e retrógrada. Os desenhadores que são 100% subjectivos são arrogantes.

No entanto, uma pequena percentagem da subjectividade entra em jogo – a estética desempenha um papel, e é talvez aqui que o design emocional acontece. Este é o passo onde a sensibilidade, “arte”, e subjectividade do designer é trazida para o primeiro plano. Grandes designers “vestem-se” ou “colocam uma fachada” no design funcional subjacente para criar algo que funcione a todos os níveis emocionais – verbal, comportamental e reflexivo – para entregar um produto com UX.

p>alguns designers acreditam que um bom design deve ser objectivo. Eu não acredito nisso. Há um toque de génio nos desenhos de Starck ou Jonathan Ive. Eles trazem uma pitada de subjectividade aos seus desenhos que tem a ver com o gosto. Um dos maiores insultos de Steve Jobs foi acusar alguém de não ter gosto.

Micah: Arte e todas as suas disciplinas (design incluído) combinam objectividade e subjectividade.

Não sei bem como aconteceu, Miklos, mas parece que encontramos algum tipo de terreno comum, e estou agradavelmente surpreendido.

Art e todas as suas disciplinas, incluindo o design, requerem uma mistura de objectividade e subjectividade. Naturalmente, haverá designers que viram os olhos e declaram: “A arte é puramente subjectiva”. Pode significar coisas diferentes para pessoas diferentes”. O contraponto óbvio? “O mesmo com o design!”

Mas vamos olhar mais de perto.

Quando os designers afirmam que a arte tem de ser subjectiva, estão tipicamente a referir-se à forma como as pessoas julgam o resultado dos esforços de um artista. Esta forma de pensar sobre a arte coloca uma ênfase suprema nos resultados. Por outras palavras, a arte é igual a objectos, performances e experiências. A arte é uma pintura. A arte é uma dança. A arte é um espectáculo leve.

Visto desta forma, a arte é subjectiva. Penso que o gótico americano é assustador, mas acha-se inspirador. Penso que uma Cadeira Eames tem classe, mas acha-se que é kitschy. Acho que a interface WhatsApp é confusa, mas nunca se viu nada mais elegante. A arte é um resultado, os resultados são abertos à interpretação, e todos têm razão!

Felizmente, a definição de arte que eu propus no início deste debate é mais matizada, por isso vamos refrescar as nossas memórias:

Art existe e existiu em todas as culturas humanas conhecidas e consiste em objectos, performances e experiências que são intencionalmente dotados pelos seus criadores com um elevado grau de interesse estético.

Notificar as palavras em negrito. Os artistas “dotam intencionalmente” o seu trabalho de significado a um elevado grau. Por outras palavras, eles melhoram conscientemente ou enriquecem propositadamente. Há intenção casada com a acção.

Entendida mais completamente, a arte não é um resultado. A arte é um processo, e o processo da arte está a transbordar de objectividade.

Não concorda? Considere os séculos de práticas repetitivas, ferramentas padronizadas, reacções químicas, e descobertas científicas devidas à arte. Na medida em que podem existir realidades independentes da mente (a definição de objectividade), a arte é objectiva porque é dependente do processo.

Se um artista cerâmico disparar um prato sem o deixar secar primeiro, este explodirá.

Se um pianista colocar os dedos nas teclas correctas, tocará o acorde pretendido.

Se um web designer seleccionar Dingbats para texto corporal, grandes partes do site do seu cliente serão ilegíveis.

O grande takeaway, Miklos, é que eu concordo sobretudo consigo. A arte, e portanto o design, é um saco misto de objectividade e subjectividade salpicado de ambiguidade suficiente para manter este debate “Arte vs. Design” aceso durante anos.

Conclusion

Não é de todo claro que estas palavras-‘O que é arte?-expressa qualquer coisa como uma única pergunta, à qual são dadas respostas concorrentes, ou se os filósofos que propõem respostas estão mesmo empenhados no mesmo debate… A grande variedade de definições propostas deveria dar-nos uma pausa. – Kendall Walton

No seu nível mais fundamental, tanto a arte como o design procuram comunicar algo, e quaisquer que sejam as diferenças, ou se classificadas como arte fina, comercial, ou aplicada – no seu melhor, ambas as formas suscitam uma resposta emocional.

Tem-se argumentado que a diferença entre arte fina e arte aplicada é o contexto e tem mais a ver com juízos de valor feitos sobre a obra em si do que qualquer distinção indiscutível entre as duas disciplinas. Além disso, comparar “arte” e “design” é, embora um esforço sublime, talvez quixotesco, pois nenhuma das duas pode ser definida absolutamente porque estão sempre a mudar – os limites estão constantemente a ser empurrados e espera-se que continuem a sê-lo no futuro. Este debate, afinal, é intemporal.

Como decidimos o que é arte e o que é design, e porque é que a relação entre os dois está tão fracturada? É a diferença entre o que é funcional (design) e o que é não funcional (arte) que cria a dissensão? É uma mesa de café Noguchi ou uma cadeira Rennie Mackintosh meramente um objecto funcional, ou é a arte que por acaso tem uma função?

Artista, artista e designer Charles Rennie Mackintosh foi um dos primeiros proponentes da arquitectura integrada da arte. Ele acreditava na integração pura da forma e da função e procurou ao longo da sua carreira apresentar a teoria de “a sala como uma obra de arte”

p>Frank Lloyd Wright acreditava tão fortemente na unidade de forma e função que mudou o axioma frequentemente mal compreendido, “forma segue função” cunhado pelo seu mentor Louis Sullivan para ler, “forma e função são uma só”. O seu plano para o Guggenheim “…era fazer do edifício e das pinturas uma bela sinfonia como nunca existiu no mundo da Arte””

Em conclusão, não é arte versus design, mas a unidade dos dois que está no cerne de qualquer design superior. Por outras palavras, um bom design incorpora art.