Die Textur bezieht sich auf die taktilen Eigenschaften der physischen Oberfläche des Objekts. Mit anderen Worten, wie fühlt sich die Oberfläche des Werks an, wenn man es berührt?

Textur in der dreidimensionalen Kunst

Textur ist eines der grundlegendsten Elemente der dreidimensionalen Kunst. Es ist ein Element, das von Bildhauern sorgfältig berücksichtigt werden muss. Die Textur hängt mit dem verwendeten Material zusammen – zum Beispiel Marmor, Holz, Ton, Bronze, Messing, Eisen, Stahl oder Gips – sowie mit dem Prozess: Gießen, Schnitzen, Konstruieren oder Schweißen. Neben dem Material und dem Verfahren bietet die abschließende Oberflächenbehandlung noch weitere Möglichkeiten der Strukturierung. Dazu gehören unter anderem das Patinieren (chemische Veränderung der Metalloberfläche), das Bemalen, Beizen, Bleichen, Lackieren, Polieren, Wachsen, Schleifen, Schwabbeln, Anbrennen, das Abklopfen der Oberfläche mit verschiedenen Werkzeugen, um Texturen zu erzeugen, und das Glätten von rauen Strukturen und Schweißnähten mit einer Schleifmaschine.

Porträtköpfe von Benin-Königen

Kopf eines Oba, 16. Jahrhundert (ca. 1550)
Nigeria; Edo-Völker, Hof von Benin
Messing H. 9 1/4 in. (23,5 cm)
Metropolitan Museum of Art The Michael C. Rockefeller Memorial Collection, Nachlass von Nelson A. Rockefeller, 1979 (1979.206.86)

Quelle: Kopf eines Oba (1979.206.86) | Heilbrunner Zeitleiste der Kunstgeschichte | The Metropolitan Museum of Art

Diese Skulptur ist ein Beispiel für Metallguss. Eine Form wird geknickt und geschmolzenes Metall hineingegossen, das man abkühlen lässt, bevor man es entfernt. Die meisten Strukturelemente müssen in der Form geformt werden, bevor das Metall gegossen wird. Vergleichen Sie die dekorativen Strukturelemente dieses Porträtkopfes mit der glatten Oberfläche der Haut der Person.

Diese Porträtköpfe repräsentieren die lange Linie einer Herrscherdynastie im Benin des 14. Jahrhunderts, im heutigen Nigeria. Obwohl die Köpfe einzelne Herrscher ehren sollen, sind sie stark stilisiert, d.h. sie betonen eher die Insignien, die das Königtum symbolisieren, als markante Merkmale.

Machtfiguren

Machtfigur (Nkisi Nkondi) Kongo (Untergruppe Solongo oder Woyo) spätes 19.frühes 20. Jahrhundert

Holz, Eisen, Glas, Fasern, Pigment, Knochen 24 x 6 1/2 x 8 1/2 in. (61,5 x 17,0 x 21,5 cm)

Mögliche Herstellungsorte: Kongo Central Province, Demokratische Republik Kongo, Cabinda Province, Angola, Zaire Province, Angola

Brooklyn Museum Arts of Africa Gift of Arturo and Paul Peralta-Ramos

Diese Figuren wurden von den Bewohnern des Königreichs Kongo geschaffen, das die Jahre von ca. 1400 bis 1914 umfasste. Das Kongo-Königreich befand sich in West-Zentralafrika in dem Gebiet, das heute das nördliche Angola, Cabinda, die Republik Kongo und die Demokratische Republik Kongo (Kongo-Kinshasa) umfasst.

Eine nkisi nkondi, oder Machtfigur, wurde aus Holz geschnitzt. Sie enthielt einen Hohlraum zur Aufnahme von Gegenständen, die in der Magie und Medizin verwendet wurden. Nachdem sie erschaffen und mit übernatürlichen Zutaten gefüllt war, wurde sie angehaucht, um sie zu beleben, und dann mit einem Spiegel versiegelt. Nägel und Klingen wurden hinzugefügt, um das Böse zu zerstören. Die Verwendung von Textur geht hier über Ästhetik hinaus. Die texturalen Elemente des nkisi nkondi enthalten Macht und werden verwendet, um andere zu schützen. Die Textur soll abweisend sein und Angst hervorrufen.

Deborah Butterfield: Portraits von Pferden

Deborah Butterfield Woodrow 1988
Bronze 99 x 105 x 74 Zoll.
Minneapolis Sculpture Garden Geschenk von Harriet und Edson W. Spencer, 1988

Deborah Butterfield Aluminum Horse #5 1982

Stahl und geschmolzenes Aluminium
Ankauf durch das San Diego Museum of Art Museum 1990:7 © San Diego Museum of Art

Deborah Butterfield kennt Pferde. Sie züchtet sie, auf einer Ranch. Sie ist auch eine Bildhauerin. Ihre Pferdeskulpturen sind lebensgroß und bestehen aus unterschiedlichen Materialien. Bei diesen beiden Beispielen ist eine aus Aluminium und die andere aus Bronzeabgüssen von Ästen und Holzstücken. Jede Skulptur repräsentiert und ist ein Porträt eines individuellen Pferdes, das sie aufgezogen hat.

Jackie Winsor: Industrieelemente

Jacki Winsor Paul Walter’s Piece, 1975
Kupfer, kreosotiertes Holz insgesamt 24 x 32 x 32 in
Minneapolis Sculpture garden Geschenk von Paul F. Walter, 2000

Jackie Winsor ist dafür bekannt, dass sie industrielle Materialien verwendet, um Skulpturen für die bildende Kunst herzustellen. Oftmals findet während der Entstehung ein Prozess statt, der im fertigen Stück sichtbar wird. Einige zeitgenössische Bildhauer haben sich dafür entschieden, in ihren Werken nicht mehr nur traditionelle Materialien wie Bronze, Marmor und Holz zu verwenden, sondern auch gewöhnliche Bau- oder Industriematerialien. Wie beeinflusst die Wahl nicht-traditioneller Materialien die Reaktion des Betrachters und wirkt sich auf die Bedeutung des Werks aus? Vergleichen Sie die Texturen in dieser Skulptur mit der folgenden hochpolierten Bronzeskulptur.

Henry Moore: Abstrahierte Figuren mit flüssiger Oberfläche

Henry Moore Reclining Mother and Child, 1960-1961
Bronze 90 x 35 1/2 x 52 in.
Minneapolis Sculpture garden Gift of the T. B. Walker Foundation, 1963

Henry Moore ist bekannt für seine großen, abstrakten, figurativen Arbeiten. Diese Skulptur stellt eine Mutter mit Kind dar. Wie spiegeln die Kurven der Form, ihre fließenden Linien und die glatte polierte Oberfläche die Kurven, Linien, Haut und Muskeln des menschlichen Körpers wider? Beachten Sie, wie das „Kind“ von der „Mutter“ in den Arm genommen wird. Beachten Sie auch die Bereiche mit hohem Glanz an verschiedenen Teilen der Skulptur. Dies sind Stellen, an denen Menschen die Skulptur berührt und gerieben haben. Die Öle der menschlichen Haut interagieren mit der Bronze.

Magdalena Abakanowicz: Hochtexturierte abstrahierte Figuren

Magdalena Abakanowicz Sagacious Head 6 und Sagacious Head 7, 1989-1990
Bronze Nr. 6: 98 1/2 x 187 x 108 1/4 Zoll. Nr. 7: 101 x 202 3/4 x 100 1/2 Zoll
Minneapolis Sculpture Garden Gekauft mit Mitteln der Frederick R. Weisman Collection of Art, 1992

Magdalena Abakanowicz‘ skulpturales Werk besteht oft aus Gruppen abstrakter figurativer Formen, die sich ähneln und manchmal genau gleich sind. Dieses Skulpturenpaar ist riesig und erinnert an gigantische, mammutähnliche Kreaturen. Die „Haut“ ist grob strukturiert und erinnert an die Haut von Elefanten.

Haim Steinbach: Assemblage von Industriearmaturen

Haim Steinbach Beep, honk, toot, #2
Verchromtes Schichtholzregal mit verchromten Teekesseln und verchromten Mülleimern, 1989
Museum of Contemporary Art San Diego Museum purchase, International and Contemporary Collectors Fund
2004.9.a-j
© Museum of Contemporary Art San Diego

Anstatt eine Skulptur zu konstruieren, zu gießen oder zu schnitzen, hat Steinbach bei dieser Arbeit einfach Gegenstände gesammelt und auf einem Regal angeordnet. Diese Art von Arbeit lenkt die Aufmerksamkeit auf die Beziehungen zwischen den Objekten und die kontextuellen Elemente des Ortes, an dem sie platziert sind. Diese Arbeit verwendet auch Wiederholungen oder Vervielfältigungen von bestimmten Objekten, was eine weitere Bedeutungsebene hinzufügt. Beachten Sie den hellen Glanz der Textur des Chroms.

Meret Oppenheim: visuelles Wortspiel

Meret Oppenheim Objekt Paris, 1936.

Pelzüberzogene Tasse, Untertasse und Löffel, Tasse 10,9 cm (4 3/8″) im Durchmesser; Untertasse 23,7 cm (9 3/8″) im Durchmesser; Löffel 20,2 cm (8″) lang, Gesamthöhe 7,3 cm (2 7/8″).

Museum of Modern Art Ankauf. © 2011 Artists Rights Society (ARS), New York / Pro Litteris, Zürich

Aus dem Text des Galerie-Etiketts für die Museum of Modern Art-Ausstellung The Erotic Object: Surrealist Sculpture from the Collection (24. Juni 2009 – 4. Januar 2010): „Dieses surrealistische Objekt wurde durch ein Gespräch zwischen Oppenheim und den Künstlern Pablo Picasso und Dora Maar in einem Pariser Cafe inspiriert. Als Picasso Oppenheims pelzbesetztes Armband bewunderte, bemerkte er, dass man alles mit Pelz bedecken könne, woraufhin sie antwortete: „Sogar diese Tasse und Untertasse.“ Als sie bald darauf von André Breton, dem Anführer des Surrealismus, gebeten wurde, an der ersten surrealistischen Ausstellung teilzunehmen, die den Objekten gewidmet war, kaufte Oppenheim in einem Kaufhaus eine Teetasse, eine Untertasse und einen Löffel und überzog sie mit dem Fell einer chinesischen Gazelle. Auf diese Weise verwandelte sie vornehme Gegenstände, die traditionell mit weiblichem Anstand assoziiert wurden, in sinnliches, sexuell anzügliches Geschirr.“ Quelle http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=80997

Die surrealistische Bewegung umfasste neben der Malerei auch die Skulptur. Der Begriff Surrealismus ist eine verkürzte Version von Superrealismus. Surrealisten bieten dem Betrachter das Unerwartete. Indem sie Objekte und Bilder erschaffen, die das darstellen, was real zu sein scheint, aber niemals sein könnte, machen sie uns darauf aufmerksam, wie wir die Realität, in der wir uns befinden, sehen.

Textur in zweidimensionaler Kunst

Beide, zwei- und dreidimensionale Kunst kann eine tatsächliche Textur haben.

Vincent Van Gogh, Textur als Ausdruck

Vincent Van Gogh Olivenbäume 1889
Oil on canvas 29 x 36 1/2 in. (73,66 x 92,71 cm) (Leinwand)
Minneapolis Institute of Arts The William Hood Dunwoody Fund

Vincent va Gogh verwendete sehr dicke und ausdrucksstarke Pinselstriche, die in seinen Gemälden ein fließendes, strukturiertes Muster erzeugen. Stellen Sie sich dieses Gemälde ohne Textur vor. Die Pinselstriche machen das Bild interessant, aber sie verleihen ihm auch Energie. Es ist, als ob sie uns einen Einblick in den Geist des Künstlers und die schnelle Bewegung seiner Gedanken und Gefühle geben.

Robert Rauschenberg: Combines

Robert Rauschenberg Bett 1955

Öl und Bleistift auf Kissen, Steppdecke und Laken auf Holzträger, 6′ 3 1/4″ x 31 1/2″ x 8″ (191.1 x 80 x 20,3 cm).

Museum of Modern Art Geschenk von Leo Castelli zu Ehren von Alfred H. Barr, Jr. © 2011 Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg Canyon, 1959
Combine painting: Öl, Bleistift, Papier, Stoff, Metall, Karton, bedrucktes Papier, gedruckte Reproduktionen, Fotografie, Holz, Farbtube und Spiegel auf Leinwand, mit Öl auf Weißkopfseeadler, Schnur und Kissen; 86 3/4 x 70 x 24 in.
Sonnabend Collection, New York Art © /Licensed by VAGA, New York, NY

Robert Rauschenberg begann als Abstrakter Expresionist, eine Bewegung, die eher die formalen Elemente als das Sujet betonte, die Bewegung (Ausdruck) des Künstlers im Stil und das Experimentieren mit den Eigenschaften der Farbe. Rauschenberg interessierte sich dafür, über die texturalen Eigenschaften der Farbe selbst hinauszugehen und dreidimensionale Objekte mit ihrer eigenen Textur einzubeziehen. Es war auch eine Kombination von zweidimensionaler und dreidimensionaler Kunst innerhalb desselben Werkes. Er nannte diese Arbeiten „Combines“.

Combines überbrückten die Kluft zwischen der Sichtweise des abstrakten Expressionismus auf den Künstler als isolierten Visionär und der realen, banalen Welt. Rauschenberg sagte über seine Arbeit: „Die Malerei bezieht sich sowohl auf die Kunst als auch auf das Leben…. (Ich versuche, in dieser Lücke zwischen den beiden zu agieren.)“, zitiert im Text des Galerie-Etiketts zu Rauschenbergs Bett im Museum of Modern Art, New York. Quelle: http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=78712

Anselm Kiefer: Mischtechnik als Erinnerung und Symbol des Metaphysischen

Anselm Kiefer Die Namen 1983

Öl, Schellack, Emulsion und Faser auf Leinwand
Träger: 4205 x 2805 x 60 mm

Aus der Ausstellung Anselm Kiefer at Baltic 8. Oktober 2010-Januar 16, 2011
Baltic Centre for Contemporary Art, Gateshead Quays, Gateshead, Vereinigtes Königreich

Gemeinsam mit den National Galleries of Scotland durch The d’Offay Donation mit Unterstützung des National Heritage Memorial Fund und des Art Fund 2008 erworben.Baltic Centre for Contemporary Art Gateshead Quays

Anselm Kiefer, Zim Zum, 1990

Acryl, Emulsion, Buntstift, Schellack, Asche und Leinwand auf Blei,

National Gallery of Art, Washington, D. C.

Quelle: Art Tatttler International: A Visual Arts SurveyInitiative, Herausgeber und Verleger, Mike Miller Beratender Herausgeber, Peregrine Honig,Beratender Herausgeber, David Ford Künstler: Wort & Werk http://arttattler.com/archivekiefer.html

Kunst, die berührt werden soll

Bestimmte Kunstwerke wurden geschaffen, um berührt zu werden. Einige Künstler machen ihre Kunst absichtlich berührbar, damit der Betrachter sie besser erleben kann. Dazu gehören einige dreidimensionale Arbeiten und Künstlerbücher. Künstler, die es zulassen, dass ihre Werke berührt werden können, sind sich bewusst, dass ihre Werke durch menschliche Berührungen, durch Öle in der Haut, beeinträchtigt werden, aber sie akzeptieren dies, damit sie ein umfassenderes Erlebnis bieten können.

Es gibt auch die Befürchtung, dass Menschen mit Sehbehinderungen visuelle Kunst nur eingeschränkt oder gar nicht erleben können. Es gibt Organisationen, die daran arbeiten, sehbehinderten Menschen die Möglichkeit zu geben, visuelle Kunst zu genießen, durch Werke, die berührt werden können, und durch adaptive Hilfsmittel für Werke, die nicht berührt werden können, um ein Gefühl für die Form der Kunst zu vermitteln. Eine solche Organisation ist Blindart. Auf ihrer Website beschreiben sie sich selbst als „eine gemeinnützige Organisation mit Sitz in Großbritannien, deren Ziel es ist, die Teilnahme und Interaktion von Sehbehinderten in der sehenden Domäne der visuellen Kunst zu fördern. BlindArt fördert Künstler, sowohl sehende als auch sehbehinderte, um ihre Arbeit durch Wettbewerbe, Ausstellungen, Messen, Shows und private Aufträge zu präsentieren“. Link zu deren Webseite: http://www.blindart.net/home

Öffentliche Denkmäler werden häufig berührt, und diese Berührung ist ein wichtiger Teil der Erfahrung, sie zu besuchen. Es ist, als ob wir durch das Berühren der Gedenkstätte irgendwie diejenigen berühren können, die gegangen sind.

Das Vietnam Veteran’s Memorial: eine heilende Reise

Ein Besucher berührt einen Namen auf der Mauer am Vietnam Veterans‘ Memorial. Fotografiert von en:Benutzer:Skyring 26. Januar 2005 2005-08-09 (erste Version); 2005-08-10 (letzte Version) Übertragen von en.wikipedia; auf Commons übertragen von Benutzer:Estoymuybueno Ursprünglicher Uploader war Skyring auf en.wikipedia GFDL-WITH-DISCLAIMERS; Freigegeben unter der GNU Free Documentation License

Das Vietnam Veteran’s Memorial in Washington D.C. wurde von Maya Lin entworfen, um eine emotionale, kathartische Erfahrung zu sein, die eine Heilung ermöglichen sollte. Sie machte das Denkmal bewusst zu einer begehbaren Wand mit den Namen der Verstorbenen. Es ist als eine Reise konzipiert, durch die sich der Besucher bewegt, und nicht als ein großes Denkmal, das nur aus der Ferne erlebt werden kann. Es ist eine zutiefst bewegende und tiefgreifende Erfahrung sowohl für diejenigen, die einen geliebten Menschen im Krieg verloren haben, als auch für diejenigen, die es nicht waren, denn die Art der Gestaltung wirkt wie ein Mahnmal für jeden, der jemals jemanden verloren hat. Die Menschen machen Abdrücke des Namens ihrer Angehörigen, um sie mit nach Hause zu nehmen. Sie hinterlassen auch Gegenstände an der Mauer, so sehr, dass ein Museum eingerichtet wurde, um die vielen an der Mauer hinterlassenen Gegenstände zu beherbergen.