Die einfache Definition des elisabethanischen Theaters und Dramas ist, dass es sich um Drama handelt, das während der Herrschaft von Elisabeth I. geschrieben wurde, aber das ist absurd vereinfachend: Das elisabethanische Drama ist viel mehr als das.

Königin Elisabeth I. von England und Irland regierte von 1558 bis 1603, zu einer Zeit, als die Europäer begannen, aus den kulturellen Zwängen auszubrechen, die ihnen die mittelalterliche Kirche auferlegt hatte. Große Denker in ganz Europa lenkten mutig ihren Blick weg vom Antlitz Gottes und richteten ihn auf den Geist, die Form und die Ideen des Menschen in einer großen humanistischen Bewegung. Anstatt die flachen, zweidimensionalen Annahmen über das Leben, Gott, den Planeten und das Universum selbst, mit denen die Kirche hausieren ging, einfach zu akzeptieren, stellten sie diese Annahmen in Frage. Dies führte zu einem Aufblühen neuer Sichtweisen in jedem Bereich menschlichen Strebens – Kunst, Musik, Architektur, Religion, Wissenschaft, Philosophie, Theater und Literatur. Künstler, Komponisten, Wissenschaftler und Schriftsteller blickten über die Dunkelheit von vierzehn Jahrhunderten zurück und ließen sich von den humanistischen Qualitäten der griechisch-römischen Kultur inspirieren.

Ein elisabethanisches Theater – Heimat des elisabethanischen Dramas

Die Renaissance blühte in ganz Europa, hatte aber in den verschiedenen europäischen Kulturen unterschiedliche Schwerpunkte – in Deutschland waren es zum Beispiel Religion und Philosophie, in Italien Kunst, Architektur und Skulptur. Und in England war es das elisabethanische Theaterdrama. Das ganze Mittelalter hindurch war das englische Drama religiös und didaktisch ausgerichtet gewesen. Als Elisabeth auf den Thron kam, waren die meisten Stücke, die dem Publikum angeboten wurden, Miracle Plays, die in kruden Dialogen Geschichten aus der Bibel und dem Leben der Heiligen darstellten, und die Moralities, die mit den Mitteln der allegorischen Handlung Lehren für die Führung des Lebens erteilten. Es waren in erster Linie Dramen über Gott, nicht über Menschen.

Bis zum Ende von Elisabeths Herrschaft gab es in London über zwanzig Theater, die alle mehrere Stücke pro Woche aufführten – Stücke, die weltlicher Natur waren und von Menschen handelten. Das stellte eine komplette Revolution im Theater dar und macht das elisabethanische Theater unverwechselbar. Was sich damals änderte, war, dass das Theater ein Ort wurde, an den die Menschen gingen, um nicht dramatisierte Vorträge über gutes Benehmen zu sehen, sondern eine Reflexion ihres eigenen Geistes und ihrer alltäglichen Interessen. Sie wollten lachen und weinen – sie wollten bewegt werden, nicht durch göttliche Reflexion, sondern durch menschliche Wesen, die gute und schlechte Dinge taten, genau wie sie selbst – lieben und morden, stehlen, betrügen, aufopferungsvoll handeln, in Schwierigkeiten geraten und sich nobel verhalten: kurz gesagt, menschlich sein wie sie selbst.

Diese neue elisabethanische Theaterszene zog Schriftsteller von großem Format an, die sich selbst einfach als Handwerker betrachteten – so wie es Böttcher oder Stellmacher taten, und nicht als „große Schriftsteller“, wie wir heute von ihnen denken. Aber auch so sind die meisten der Theaterautoren des elisabethanischen Englands in den vier Jahrhunderten seit dieser Zeit nicht erreicht worden. Es gab eine Menge Geld zu verdienen, um diesen riesigen neuen Appetit auf Theaterstücke zu nähren, und gute Dramatiker, die ihre Karten gut ausspielten und gute Kontakte knüpften – wie Shakespeare es tat – wurden reich.

Wenn wir also aus dem einundzwanzigsten Jahrhundert auf das elisabethanische Drama zurückblicken, was sehen wir dann? Wir sehen, zum ersten Mal, Bühnendarstellungen der menschlichen Erfahrung. Wir sehen Taten von großem Edelmut durch fehlerhafte Helden – ein großes Thema der griechischen Tragödie – perfektioniert von Shakespeare in Stücken wie Hamlet, Macbeth, König Lear usw. Wir sehen Menschen in ihrer gemeinsten Form; wir sehen psychologische Studien des menschlichen Charakters, wie den psychopathischen Jago in Othello; wir sehen die Erforschung der tiefsten menschlichen Gefühle, wie die Liebe in Romeo und Julia und Antonius und Kleopatra. Obwohl den meisten Stücken der elisabethanischen Periode eine christliche Grundannahme zugrunde liegt, sind sie aufgrund der Kultur der Zeit, in der sie geschrieben wurden, im Wesentlichen humanistisch – im Einklang mit dem Geist der Renaissance dieser Zeit.

Im elisabethanischen Drama, weil es um Menschen und nicht um Gott geht, sehen wir eine Menge Humor. Wiederum nach dem Vorbild der griechischen Komödien wird der Humor von Shakespeare und Ben Jonson mit ihren einprägsamen komischen Charakteren und ihrem satirischen Blick auf die eigene Zeit sowie den heiteren Gesellschaftskomödien perfektioniert. In Shakespeares Stücken gibt es Humor sogar in den düstersten Stücken, wie die häufigen „Lach“-Zeilen in Hamlet. Shakespeare hat mehr oder weniger eine Form des Dramas erfunden, die alle Gattungen vermischt, so dass seine Tragödien komische Elemente, seine Komödien tragische Elemente und seine Historien beides enthalten. In Shakespeares Fall gab ihm der Wind der Renaissance die Freiheit, alle Aspekte des menschlichen Wesens in seinen Stücken zu reflektieren, und er schrieb Stücke, die nicht nur vierhundert Jahre überdauert haben, sondern die in dieser Zeit nur sehr selten (wenn überhaupt) übertroffen wurden.

Gegen Ende der Regierungszeit Elisabeths entwickelten Dramatiker neue Themen und Techniken, die zum unverwechselbaren jakobinischen Theater mit seinen krustigeren, gewalttätigeren Stücken führten, die sich auf die Fähigkeit des Menschen zum Egoismus konzentrierten, dramatisiert in eingehenden Darstellungen von Ehrgeiz und dessen Auswirkungen.