Vielleicht ist die größte musikalische Entwicklung der Barockzeit die Schaffung einer neuen Gattung von Vokalmusik: die Oper. Wie bei den meisten Gattungen dieser Epoche durchläuft auch die Oper eine bedeutende stilistische Entwicklung von ihren Ursprüngen in den frühen 1600er Jahren bis zur Opera seria von Händel in den 1730er Jahren. Bitte achten Sie besonders auf die folgenden Begriffe (wenn Sie mehr darüber erfahren möchten, folgen Sie den Links): Libretto, Rezitativ (beide Formen: secco und accompagnato) und Arie.

Einführung

Oper (englischer Plural: operas; italienischer Plural: opere) ist eine Kunstform, in der Sänger und Musiker ein dramatisches Werk aufführen, das einen Text (Libretto genannt) und eine musikalische Partitur kombiniert, normalerweise in einem theatralischen Rahmen. Die Oper beinhaltet viele Elemente des Sprechtheaters, wie z. B. Schauspiel, Bühnenbild und Kostüme, und beinhaltet manchmal auch Tanz. Die Aufführung findet typischerweise in einem Opernhaus statt, begleitet von einem Orchester oder einem kleineren Musikensemble.

Abbildung 1. Das Palais Garnier der Pariser Opéra, eines der berühmtesten Opernhäuser der Welt

Die Oper ist Teil der westlichen klassischen Musiktradition. Sie begann in Italien am Ende des 16. Jahrhunderts (mit Jacopo Peris verlorener Dafne, die 1598 in Florenz produziert wurde) und verbreitete sich bald im restlichen Europa: Schütz in Deutschland, Lully in Frankreich und Purcell in England trugen alle dazu bei, ihre nationalen Traditionen im siebzehnten Jahrhundert zu etablieren. Im achtzehnten Jahrhundert dominierte die italienische Oper weiterhin den größten Teil Europas (außer Frankreich) und zog ausländische Komponisten wie Händel an. Die Opera seria war die prestigeträchtigste Form der italienischen Oper, bis Gluck in den 1760er Jahren mit seinen „Reform“-Opern gegen ihre Künstlichkeit aufbegehrte. Heute ist die bekannteste Figur der Oper des späten 18. Jahrhunderts Mozart, der mit der Opera seria begann, aber am berühmtesten für seine italienischen komischen Opern ist, vor allem Die Hochzeit des Figaro (Le Nozze Di Figaro), Don Giovanni und Così fan tutte, sowie Die Zauberflöte, ein Meilenstein in der deutschen Tradition.

Operterminologie

Der Text einer Oper wird als Libretto (wörtlich „kleines Buch“) bezeichnet. Einige Komponisten, vor allem Richard Wagner, haben ihre eigenen Libretti geschrieben; andere haben eng mit ihren Librettisten zusammengearbeitet, z.B. Mozart mit Lorenzo Da Ponte. Die traditionelle Oper, die oft als „Nummernoper“ bezeichnet wird, besteht aus zwei Gesangsarten: dem Rezitativ, den die Handlung vorantreibenden Passagen, die in einem Stil gesungen werden, der die Beugungen der Sprache imitieren und betonen soll, und der Arie (eine „Air“ oder ein formeller Gesang), in der die Charaktere ihre Gefühle in einem strukturierteren melodischen Stil ausdrücken. Duette, Trios und andere Ensembles kommen oft vor, und Chöre werden verwendet, um die Handlung zu kommentieren. In einigen Formen der Oper, wie Singspiel, opéra comique, Operette und Semi-Oper, wird das Rezitativ meist durch einen gesprochenen Dialog ersetzt. Melodische oder semi-melodische Passagen, die inmitten oder anstelle des Rezitativs auftreten, werden auch als Arioso bezeichnet. Im Barock und in der Klassik konnte das Rezitativ in zwei Grundformen auftreten: als secco (trockenes) Rezitativ, das in einem freien, von der Betonung der Worte diktierten Rhythmus gesungen und nur vom Continuo begleitet wurde, das in der Regel ein Cembalo und ein Cello war, oder als accompagnato (auch strumentato genannt), bei dem das Orchester die Begleitung übernahm. Im 19. Jahrhundert gewann das Accompagnato die Oberhand, das Orchester spielte eine viel größere Rolle, und Richard Wagner revolutionierte die Oper, indem er auf der Suche nach dem, was er als „endlose Melodie“ bezeichnete, fast alle Unterscheidungen zwischen Arie und Rezitativ aufhob. Spätere Komponisten folgten dem Beispiel Wagners, obwohl einige, wie Strawinsky in seinem The Rake’s Progress, sich dem Trend widersetzten. Die Terminologie der verschiedenen Arten von Opernstimmen wird im Folgenden detailliert beschrieben.

Ursprünge

Das italienische Wort Oper bedeutet „Arbeit“, sowohl im Sinne der geleisteten Arbeit als auch des produzierten Ergebnisses. Das italienische Wort leitet sich vom lateinischen opera ab, einem Singular des Substantivs „Arbeit“ und auch dem Plural des Substantivs opus. Laut dem Oxford English Dictionary wurde das italienische Wort erstmals 1639 im Sinne von „Komposition, in der Poesie, Tanz und Musik kombiniert werden“ verwendet; die erste aufgezeichnete englische Verwendung in diesem Sinne stammt aus dem Jahr 1648.

Dafne von Jacopo Peri war die früheste Komposition, die als Oper im heutigen Sinne gilt. Sie wurde um 1597 geschrieben, größtenteils unter der Inspiration eines elitären Kreises von gebildeten Florentiner Humanisten, die sich als „Camerata de‘ Bardi“ zusammenfanden. Bezeichnenderweise war Dafne ein Versuch, das klassische griechische Drama wiederzubeleben, Teil der breiteren Wiederbelebung der Antike, die für die Renaissance charakteristisch war. Die Mitglieder der Camerata waren der Ansicht, dass die „Chor“-Teile der griechischen Dramen ursprünglich gesungen wurden, möglicherweise sogar der gesamte Text aller Rollen; die Oper war also als eine Möglichkeit gedacht, diese Situation „wiederherzustellen“. Dafne ist leider verschollen. Ein späteres Werk von Peri, Euridice, aus dem Jahr 1600, ist die erste Opernpartitur, die bis heute erhalten geblieben ist. Die Ehre, die erste Oper zu sein, die noch regelmäßig aufgeführt wird, gebührt jedoch Claudio Monteverdis L’Orfeo, komponiert für den Hof von Mantua im Jahr 1607. Der Mantuaer Hof der Gonzagas, Arbeitgeber Monteverdis, spielte eine bedeutende Rolle bei der Entstehung der Oper, indem er nicht nur Hofsänger des Concerto delle donne (bis 1598) beschäftigte, sondern auch eine der ersten eigentlichen „Opernsängerinnen“: Madama Europa.

Das Barockzeitalter

Abbildung 2. Teatro Argentina (Panini, 1747, Musée du Louvre)

Die Oper blieb nicht lange auf das Hofpublikum beschränkt. 1637 entstand in Venedig die Idee einer „Saison“ (Karneval) mit öffentlich besuchten Opern, die durch den Verkauf von Eintrittskarten unterstützt wurde. Monteverdi war von Mantua in die Stadt gezogen und komponierte seine letzten Opern, Il ritorno d’Ulisse in patria und L’incoronazione di Poppea, für das venezianische Theater in den 1640er Jahren. Sein wichtigster Nachfolger Francesco Cavalli trug dazu bei, die Oper in ganz Italien zu verbreiten.

In diesen frühen Barockopern wurde die breite Komödie mit tragischen Elementen in einer Mischung vermischt, die einige gebildete Sensibilitäten verärgerte und die erste der vielen Reformbewegungen der Oper auslöste, die von der Arkadischen Akademie gefördert wurde, die mit dem Dichter Metastasio in Verbindung gebracht wurde, dessen Libretti dazu beitrugen, das Genre der Opera seria herauszukristallisieren, die bis zum Ende des 18. Jahrhunderts die führende Form der italienischen Oper wurde. Nachdem sich das Metastasio-Ideal durchgesetzt hatte, war die Komödie in der Barockoper der so genannten Opera buffa vorbehalten. Bevor solche Elemente aus der Opera seria verdrängt wurden, enthielten viele Libretti eine sich separat entfaltende komische Handlung als eine Art „Oper in der Oper“. Ein Grund dafür war der Versuch, Angehörige der wachsenden Kaufmannsschicht, die nun wohlhabend, aber noch nicht so kultiviert wie der Adel war, in die öffentlichen Opernhäuser zu locken. Diese separaten Handlungen wurden fast sofort in einer sich separat entwickelnden Tradition wiederbelebt, die sich teilweise von der Commedia dell’arte ableitete, einer seit langem blühenden improvisatorischen Bühnentradition Italiens.

Wie einst die Intermezzi zwischen den Akten von Bühnenstücken aufgeführt wurden, so wurden auch die Opern der neuen komischen Gattung der „Intermezzi“, die sich in den 1710er und 20er Jahren vor allem in Neapel entwickelten, zunächst in den Pausen der Opera seria aufgeführt. Sie wurden jedoch so populär, dass sie bald als eigenständige Produktionen angeboten wurden.

Die Opera seria war gehoben im Ton und hoch stilisiert in der Form und bestand in der Regel aus Secco-Rezitativen, die von langen Da-Capo-Arien unterbrochen wurden. Diese boten eine große Gelegenheit für virtuosen Gesang und während des goldenen Zeitalters der Opera seria wurde der Sänger wirklich zum Star. Die Rolle des Helden wurde in der Regel für die Kastratenstimme geschrieben; Kastraten wie Farinelli und Senesino sowie Sopranistinnen wie Faustina Bordoni waren in ganz Europa sehr gefragt, denn die Opera seria beherrschte die Bühne in allen Ländern außer Frankreich. In der Tat war Farinelli einer der berühmtesten Sänger des achtzehnten Jahrhunderts. Die italienische Oper setzte den barocken Standard. Italienische Libretti waren die Norm, selbst wenn ein deutscher Komponist wie Handelfund selbst solche Werke wie Rinaldo und Giulio Cesare für das Londoner Publikum komponierte. Italienische Libretti blieben auch in der klassischen Periode dominant, zum Beispiel in den Opern von Mozart, der gegen Ende des Jahrhunderts in Wien schrieb. Zu den führenden italienischstämmigen Komponisten der Opera seria gehören Alessandro Scarlatti, Vivaldi und Porpora.