Textura real refere-se às qualidades tácteis da superfície física do objecto. Por outras palavras, como se sente a superfície da obra quando lhe toca?
Textura na arte tridimensional
Textura é um dos elementos mais fundamentais da arte tridimensional. É um elemento que precisa de ser cuidadosamente considerado pelos escultores. A textura está relacionada com o material utilizado – mármore, madeira, argila, bronze, latão, ferro, aço, ou gesso, por exemplo – bem como o processo: fundição, entalhe, construção, ou soldadura. Para além do material e do processo, o tratamento final da superfície oferece ainda mais possibilidades de texturas. Estas incluem patinação (alterando quimicamente a superfície do metal), pintura, coloração, branqueamento, envernizamento, polimento, enceramento, lixagem, polimento, queimadura, bater o sufrace com várias ferramentas para adicionar textura, e utilizar um triturador para alisar texturas rugosas e costuras de soldadura, entre outras coisas.
Cabeças de retrato da realeza de Benin
Cabeça de um Oba, século XVI (ca. 1550)
Nigéria; povos Edo, corte de Benin
Brass H. 9 1/4 in. (23,5 cm)
Museu de Arte Metropolitan The Michael C. Rockefeller Memorial Collection, Bequest of Nelson A. Rockefeller, 1979 (1979.206.86)
Fonte: Rauschenberg’s Bed: Chefe de uma Oba (1979.206.86)| Heilbrunn Timeline of Art History | The Metropolitan Museum of Art
Esta escultura é um exemplo de fundição de metais. Um molde é cravado e o metal fundido é vertido nele, e deixa-se arrefecer antes de o remover. A maioria dos elementos texturizados deve ser moldada no molde antes de se verter o metal. Compare os elementos de textura decorativos desta cabeça de retrato com a superfície lisa da pele do sujeito.
Estas cabeças de retrato representam a longa linha de uma dinastia dominante no Benim do século XIV, na Nigéria actual. Cada cabeça comemora um oba diferente, ou rei. Embora as cabeças se destinem a honrar líderes individuais, são altamente estilizadas, ou seja, enfatizam a regalia que simboliza a realeza em vez de características distintivas.
figuras de poder
Power Figure (Nkisi Nkondi) Kongo (Solongo ou subgrupo Woyo) late 19th-início do século XX
Madeira, ferro, vidro, fibra, pigmento, osso 24 x 6 1/2 x 8 1/2 in. (61,5 x 17,0 x 21,5 cm)
Lugares possíveis feitos: Província Central do Kongo, República Democrática do Congo, Província de Cabinda, Angola, Província do Zaire, Angola
Brooklyn Museum Arts of Africa Gift of Arturo and Paul Peralta-Ramos
Estas figuras foram criadas pelo povo do Reino do Kongo, que se estendeu pelos anos de aproximadamente 1400 até 1914. O reino do Kongo estava localizado na África Central ocidental na área que agora inclui o norte de Angola, Cabinda, a República do Congo, e a República Democrática do Congo (Congo-Kinshasa).
A nkisi nkondi, ou figura de poder foi esculpida em madeira. Continha uma cavidade para guardar artigos utilizados em magia e medicina. Após ter sido criada e preenchida com ingredientes sobrenaturais, foi respirada para a animar e depois selada com um espelho. Pregos e lâminas foram adicionados para destruir o mal. O uso de textura aqui vai para além da estética. Os elementos textuais do nkisi nkondi contêm poder e são utilizados para proteger os outros. A textura destina-se a ser proibida e a evocar o medo.
Deborah Butterfield: retratos de cavalos
Deborah Butterfield Woodrow 1988
br>bronze 99 x 105 x 74 in.
Minneapolis Sculpture Garden Gift of Harriet and Edson W. Spencer, 1988
Deborah Butterfield Aluminum Horse #5 1982
Steel e alumínio fundido
San Diego Museum of Art Museum compra 1990:7 © San Diego Museum of Art
Deborah Butterfield conhece os cavalos. Ela cria-os, num rancho. Ela é também escultora. Estas esculturas de cavalos são em tamanho real, e são feitas de diferentes materiais. Nestes dois exemplos, um é feito de alumínio, e o outro de bronze fundido de ramos e pedaços de madeira. Cada escultura representa e é um retrato de um cavalo individual, um que ela criou.
Jackie Winsor: elementos industriais
Jacki Winsor Paul Walter’s Piece, 1975
copper, creosoted wood overall 24 x 32 x 32 in
Minneapolis Sculpture Garden Gift of Paul F. Walter, 2000
Jackie Winsor é conhecido por utilizar materiais industriais para fazer esculturas de arte fina. Muitas vezes há um processo que tem lugar durante a sua criação que se torna evidente na peça acabada. Alguns escultores contemporâneos optaram por ir além dos materiais tradicionais como o bronze, mármore e madeira no seu trabalho, para utilizar materiais de construção comuns ou materiais industriais para criar o seu trabalho. Como é que a escolha de materiais não tradicionais influencia a resposta do espectador e afecta o significado da obra? Compare as texturas desta escultura com a seguinte escultura de bronze altamente polida.
Henry Moore: figuras abstraídas com uma superfície fluida
Henry Moore Reclining Mother and Child, 1960-1961
bronze 90 x 35 1/2 x 52 in.
Minneapolis Sculpture Garden Gift of the T. B. Walker Foundation, 1963
Henry Moore é conhecido pelo seu grande e abstracto trabalho figurativo. Esta escultura representa uma mãe e uma criança. Como é que as curvas da forma, as suas linhas fluidas e o acabamento liso e polido espelham as curvas, linhas, pele e músculos do corpo humano? Repare como a “criança” é embalada pela “mãe”. Notar também áreas de alto brilho em várias partes da escultura. Estas são áreas onde as pessoas tocaram e esfregaram a escultura. Os óleos da pele humana interagem com o bronze.
Magdalena Abakanowicz: figuras abstraídas altamente texturadas
Magdalena Abakanowicz Sagacious Head 6 e Sagacious Head 7, 1989-1990
br>bronze No. 6: 98 1/2 x 187 x 108 1/4 in. Nº 7: 101 x 202 3/4 x 100 1/2 in.
Minneapolis Sculpture Garden Comprado com fundos fornecidos pela Colecção de Arte Frederick R. Weisman, 1992
Magdalena Abakanowicz’ obra escultórica consiste frequentemente em grupos de formas figurativas abstractas que se assemelham umas às outras e por vezes são exactamente iguais. Este par de esculturas é enorme e sugestivo de criaturas gigantescas semelhantes a mamutes. A “pele” tem uma textura aproximada, e lembra a pele de elefantes.
Haim Steinbach: assemblage of industrial fixtures
Haim Steinbach Beep, buzine, toot, #2
Prateleira de madeira laminada cromada com chaleiras e latas de lixo cromadas, 1989
Museum of Contemporary Art San Diego Museum purchase, International and Contemporary Collectors Fund
2004.9.a-j
© Museu de Arte Contemporânea de San Diego
Neste trabalho, em vez de construir, fundir ou esculpir uma escultura, Steinbach simplesmente recolheu e arranjou itens numa prateleira. Este tipo de trabalho chama a atenção para as relações entre os objectos e os elementos contextuais de onde estes são colocados. Este trabalho também utiliza repetição, ou múltiplos de objectos específicos, o que acrescenta outra camada de significado. Observe o brilho brilhante da textura do cromado.
Meret Oppenheim: visual pun
Meret Oppenheim Object Paris, 1936.
Copo coberto de peles, pires, e colher, copo 4 3/8″ (10,9 cm) de diâmetro; pires 9 3/8″ (23,7 cm) de diâmetro; colher 8″ (20,2 cm) de comprimento, altura total 2 7/8″ (7,3 cm).
Museu da Compra de Arte Moderna. © 2011 Artists Rights Society (ARS), New York / Pro Litteris, Zurique
Do texto da etiqueta da galeria para a exposição do Museu de Arte Moderna The Erotic Object: Escultura Surrealista da Colecção (24 de Junho de 2009- 4 de Janeiro de 2010): “Este objecto surrealista foi inspirado por uma conversa entre Oppenheim e os artistas Pablo Picasso e Dora Maar num café de Paris. Admirando a pulseira coberta de pele de Oppenheim, Picasso observou que se podia cobrir qualquer coisa com pele, ao que ela respondeu: “Mesmo esta chávena e este pires”. Pouco depois, quando André Breton, líder do Surrealismo, pediu para participar na primeira exposição Surrealista dedicada aos objectos, Oppenheim comprou uma chávena de chá, um pires e uma colher numa loja e cobriu-os com o pêlo de uma gazela chinesa. Ao fazê-lo, ela transformou objectos gentis tradicionalmente associados ao decoro feminino em louça de mesa sensual e sexualmente perfurante”. fonte http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=80997
O movimento surrealista incluiu tanto a escultura como a pintura. O termo Surrealismo é uma versão abreviada de super-realismo. Os surrealistas oferecem aos espectadores o inesperado. Ao criar objectos e imagens que representam o que parece ser real mas nunca poderia ser, chamam a nossa atenção para a forma como vemos a realidade em que nos encontramos.
Textura em arte bidimensional
A arte bidimensional e tridimensional pode ter textura real.
Vincent Van Gogh, textura como expressão
Vincent Van Gogh Olive Trees 1889
Oil on canvas 29 x 36 1/2 in. (73,66 x 92,71 cm) (lona)
Minneapolis Institute of Arts The William Hood Dunwoody Fund
Vincent va Gogh utilizou pinceladas muito espessas e expressivas que criam um padrão texturizado fluente nas suas pinturas. Imagine esta pintura sem textura. As pinceladas acrescentam interesse à pintura, mas também acrescentam energia. É como se nos dessem um vislumbre da mente do artista e do movimento rápido dos seus pensamentos e sentimentos.
Robert Rauschenberg: Combines
Robert Rauschenberg Bed 1955
Oil e lápis na almofada, colcha, e folha sobre suportes de madeira, 6′ 3 1/4″ x 31 1/2″ x 8″ (191.1 x 80 x 20,3 cm).
Museum of Modern Art Gift of Leo Castelli em honra de Alfred H. Barr, Jr. © 2011 Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg Canyon, 1959
Pintura de uma linha de pintura: óleo, lápis, papel, tecido, metal, caixa de cartão, papel impresso, reproduções impressas, fotografia, madeira, tubo de tinta, e espelho sobre tela, com óleo sobre águia calva, fio e almofada; 86 3/4 x 70 x 24 in.
Sonnabend Collection, New York Art © /Licensed by VAGA, New York, NY
Robert Rauschenberg começou como um Expresionista Abstracto, um movimento que enfatizava elementos formais em vez de temas, evidência do movimento do artista (expressão) em estilo ts, e experimentação com as qualidades da tinta. Rauschenberg interessou-se em ir além das qualidades textuais da própria pintura e incorporar objectos tridimensionais com a sua própria textura. Era também uma combinação de arte bidimensional e tridimensional dentro da mesma obra. Ele chamou a estas obras “combines”.
Combines colmatou a lacuna entre a visão do expressionismo abstracto do artista como um visonário isolado e o mundo real e banal. Rauschenberg disse sobre a sua obra: “A pintura diz respeito tanto à arte como à vida…. (tento actuar nesse fosso entre os dois.)” como citado no texto da etiqueta da galeria que acompanha a Cama de Rauschenberg no Museu de Arte Moderna, Nova Iorque. Source: http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=78712
Anselm Kiefer: meio misto como memória e símbolo do metafísico
div id=”7430504509″>Anselm Kiefer The Names 1983
Oil, shellac, emulsão e fibra sobre tela
support: 4205 x 2805 x 60 mm
Da exposição Anselm Kiefer no Báltico 8 de Outubro de 2010- 16 de Janeiro de 2011
Centro Bíblico de Arte Contemporânea, Gateshead Quays, Gateshead, Reino Unido
Aquisado em conjunto com as Galerias Nacionais da Escócia através do The d’Offay Donation com a assistência do National Heritage Memorial Fund e do Art Fund 2008.Baltic Centre for Contemporary Art Gateshead Quays
Anselm Kiefer, Zim Zum, 1990
acrílica, emulsão, lápis de cera, giz de cera, cinza e tela sobre chumbo,
Galeria Nacional de Arte, Washington, D. C.
source: Arte Tatttler Internacional: A Visual Arts SurveyInitiative, Editor e Editora, Mike Miller Consulting Editor, Peregrine Honig,Consulting Editor, David Ford Artists: Palavras & Trabalho http://arttattler.com/archivekiefer.html
Arte que deve ser tocada
Determinadas obras de arte foram feitas para serem tocadas. Alguns artistas tornam propositadamente a sua arte tocável para que o espectador a possa experimentar mais plenamente. Isto inclui algumas obras tridimensionais, e livros dos artistas. Os artistas que permitem que o seu trabalho seja tocado compreendem que o seu trabalho será afectado pelo toque humano, através de óleos na pele, mas aceitam-no para que possam proporcionar uma experiência mais completa.
É também preocupante que as pessoas com deficiências visuais sejam limitadas ou incapazes de experimentar a arte visual. Alguns artistas criam arte que se destina a ser tocada em vez de vista. Existem organizações que trabalham para proporcionar oportunidades às pessoas com deficiências visuais de apreciarem a arte visual, através de obras que podem ser tocadas e através de ajudas adaptativas para obras que não podem ser tocadas, para proporcionar uma sensação da forma da arte. Uma dessas organizações é a Blindart. Descrevem-se no seu website como ” uma organização de caridade com sede no Reino Unido, cujo objectivo é encorajar a participação e interacção dos deficientes visuais no domínio das artes visuais.BlindArt promove artistas; tanto deficientes visuais como amblíopes, para mostrar o seu trabalho através de concursos, exposições, feiras, espectáculos e comissões privadas”. Link para a sua websdite: http://www.blindart.net/home
br>Memoriais públicos são frequentemente tocados, e esse toque é uma parte importante da experiência de os visitar. É como se ao tocarmos no memorial pudéssemos de alguma forma tocar aqueles que foram.
The Vietnam Veteran’s Memorial: a healing journey
Um visitante que toque num nome no The Wall at the Vietnam Veterans’ Memorial. Fotografado por pt:User:Skyring 26 de Janeiro de 2005-08-09 (primeira versão); 2005-08-10 (última versão) Transferido de en.wikipedia; transferido para Commons por User:Estoymuybueno O uploader original foi Skyring em pt.wikipedia GFDL-WITH-DISCLAIMERS; Lançado sob a GNU Free Documentation License
p>The Vietnam Veteran’s Memorial in Washington D.C. foi concebido por Maya Lin para ser uma experiência emocional, catártica que permitisse a cura. Ela fez propositadamente do memorial um muro acessível de nomes dos defuntos. Foi concebido como uma viagem que o visitante percorre em vez de um grande monumento que só pode ser experienciado à distância. É uma experiência profundamente comovente e profunda tanto para aqueles que perderam um ente querido na guerra como para aqueles que não perderam, porque a natureza do desenho funciona como um memorial para todos aqueles que alguma vez perderam alguém. As pessoas fazem esfregões do nome do seu ente querido para levarem para casa com eles. Também deixam objectos no local, de tal forma que foi criado um museu para albergar os muitos objectos deixados no Muro.