La texture réelle fait référence aux qualités tactiles de la surface physique de l’objet. En d’autres termes, quelle est la sensation de la surface de l’œuvre lorsque vous la touchez ?

La texture dans l’art tridimensionnel

La texture est l’un des éléments les plus fondamentaux de l’art tridimensionnel. C’est un élément qui doit être soigneusement considéré par les sculpteurs. La texture est liée au matériau utilisé – marbre, bois, argile, bronze, laiton, fer, acier ou plâtre, par exemple – ainsi qu’au processus : moulage, sculpture, construction ou soudage. Outre le matériau et le procédé, le traitement final de la surface offre encore plus de possibilités de textures. Il s’agit notamment de la patine (modification chimique de la surface du métal), de la peinture, de la coloration, du blanchiment, du vernissage, du polissage, de la cire, du ponçage, du polissage, du roussissement, du tapotement du sufrace avec divers outils pour ajouter de la texture, et de l’utilisation d’une meuleuse pour lisser les textures rugueuses et les joints de soudure, entre autres.

Têtes de portrait de la royauté béninoise

Tête d’un Oba, 16e siècle (vers. 1550)
Nigéria ; peuples d’Edo, cour du Bénin
Laiton H. 9 1/4 in. (23,5 cm)
Metropolitan Museum of Art The Michael C. Rockefeller Memorial Collection, Bequest of Nelson A. Rockefeller, 1979 (1979.206.86)

Source : Tête d’un Oba (1979.206.86) | Timeline Heilbrunn de l’histoire de l’art | The Metropolitan Museum of Art

Cette sculpture est un exemple de coulée de métal. Un moule est creusé et le métal en fusion y est versé, puis on le laisse refroidir avant de le retirer. La plupart des éléments texturaux doivent être façonnés dans le moule avant de couler le métal. Comparez les éléments texturaux décoratifs de cette tête de portrait avec la surface lisse de la peau du sujet.

Ces têtes de portrait représentent la longue lignée d’une dynastie régnante au Bénin du 14e siècle, dans l’actuel Nigeria. Chaque tête commémore un oba différent, ou roi.Bien que les têtes soient destinées à honorer des dirigeants individuels, elles sont très stylisées, c’est-à-dire qu’elles mettent l’accent sur les regalia qui symbolisent la royauté plutôt que sur des traits distinctifs.

Personnages de pouvoir

Figure de pouvoir (Nkisi Nkondi) Kongo (sous-groupe Solongo ou Woyo) fin 19e-.début du 20e siècle

Bois, fer, verre, fibre, pigment, os 24 x 6 1/2 x 8 1/2 in. (61,5 x 17,0 x 21,5 cm)

Lieux possibles de fabrication : Province centrale de Kongo, République démocratique du Congo, province de Cabinda, Angola, province du Zaïre, Angola

Brooklyn Museum Arts of Africa Don d’Arturo et Paul Peralta-Ramos

Ces figurines ont été créées par les habitants du royaume de Kongo, qui s’étendait sur les années allant d’environ 1400 à 1914. Le royaume Kongo était situé en Afrique centrale occidentale, dans la région qui comprend aujourd’hui le nord de l’Angola, le Cabinda, la République du Congo et la République démocratique du Congo (Congo-Kinshasa).

Un nkisi nkondi, ou figure de pouvoir, était sculpté dans le bois. Il contenait une cavité pour contenir des objets utilisés en magie et en médecine. Après avoir été créée et remplie d’ingrédients surnaturels, on lui soufflait dessus pour l’animer, puis on la scellait avec un miroir. Des clous et des lames ont été ajoutés pour détruire le mal. L’utilisation de la texture ici va au-delà de l’esthétique. Les éléments texturaux du nkisi nkondi contiennent un pouvoir et sont utilisés pour protéger les autres. La texture se veut rédhibitoire et évoque la peur.

Deborah Butterfield : portraits de chevaux

Deborah Butterfield Woodrow 1988
bronze 99 x 105 x 74 in.
Minneapolis Sculpture Garden Don de Harriet et Edson W. Spencer, 1988

Deborah Butterfield Aluminum Horse #5 1982

Steel et aluminium fondu
Achat du musée d’art de San Diego 1990 :7 © San Diego Museum of Art

Deborah Butterfield connaît les chevaux. Elle les élève, dans un ranch. Elle est également sculpteur. Ces sculptures de chevaux sont grandeur nature, et sont faites de différents matériaux. Dans ces deux exemples, l’un est fait d’aluminium, et l’autre de moulages en bronze de branches et de morceaux de bois. Chaque sculpture représente et est le portrait d’un cheval individuel, un cheval qu’elle a élevé.

Jackie Winsor : éléments industriels

Jacki Winsor Paul Walter’s Piece, 1975
cuivre, bois créosoté ensemble 24 x 32 x 32 in
Minneapolis Sculpture garden Don de Paul F. Walter, 2000

Jackie Winsor est connue pour utiliser des matériaux industriels pour réaliser des sculptures d’art. Il y a souvent un processus qui se déroule pendant sa création et qui devient évident dans la pièce finie. Certains sculpteurs contemporains ont choisi d’aller au-delà des matériaux traditionnels tels que le bronze, le marbre et le bois dans leurs œuvres, pour utiliser des matériaux de construction ordinaires ou industriels pour créer leurs œuvres. Comment le choix de matériaux non traditionnels influence-t-il la réaction du spectateur et la signification de l’œuvre ? Comparez les textures de cette sculpture avec la sculpture en bronze hautement polie suivante.

Henry Moore : Figures abstraites à la surface fluide

Henry Moore Reclining Mother and Child, 1960-1961
bronze 90 x 35 1/2 x 52 in.
Minneapolis Sculpture garden Don de la T. B. Walker Foundation, 1963

Henry Moore est connu pour ses grandes œuvres figuratives abstraites. Cette sculpture représente une mère et son enfant. Comment les courbes de la forme, ses lignes fluides et la finition polie et lisse reflètent-elles les courbes, les lignes, la peau et les muscles du corps humain ? Remarquez comment l' »enfant » est bercé par la « mère ». Remarquez également les zones très brillantes sur diverses parties de la sculpture. Ce sont des zones où des personnes ont touché et frotté la sculpture. Les huiles de la peau humaine interagissent avec le bronze.

Magdalena Abakanowicz : Figures abstraites très texturées

Magdalena Abakanowicz Tête sagace 6 et Tête sagace 7, 1989-1990
bronze No. 6 : 98 1/2 x 187 x 108 1/4 in. N° 7 : 101 x 202 3/4 x 100 1/2 in.
Minneapolis Sculpture Garden Acheté avec des fonds fournis par la Frederick R. Weisman Collection of Art, 1992

L’œuvre sculpturale de Magdalena Abakanowicz consiste souvent en des groupes de formes figuratives abstraites qui se ressemblent et sont parfois exactement identiques. Cette paire de sculptures est énorme et évoque des créatures géantes ressemblant à des mammouths. La « peau » est grossièrement texturée et rappelle la peau des éléphants.

Haim Steinbach : assemblage de luminaires industriels

Haim Steinbach Beep, honk, toot, #2
Étagère en bois stratifié chromé avec bouilloires à thé chromées et poubelles chromées, 1989
Museum of Contemporary Art San Diego Achat du musée, International and Contemporary Collectors Fund
2004.9.a-j
© Museum of Contemporary Art San Diego

Dans cette œuvre, au lieu de construire, mouler ou sculpter une sculpture, Steinbach a simplement collecté et disposé des objets sur une étagère. Ce type d’œuvre attire l’attention sur les relations entre les objets et les éléments contextuels de l’endroit où ils sont placés. Ce travail utilise également la répétition, ou des multiples d’objets spécifiques, ce qui ajoute une autre couche de signification. Remarquez le brillant de la texture du chrome.

Meret Oppenheim : jeu de mots visuel

Meret Oppenheim Objet Paris, 1936.

Tasse, soucoupe et cuillère recouvertes de fourrure, tasse 10,9 cm (4 3/8″) de diamètre ; soucoupe 23,7 cm (9 3/8″) de diamètre ; cuillère 20,2 cm (8″) de long, hauteur totale 7,3 cm (2 7/8″).

Musée d’art moderne Achat. © 2011 Artists Rights Society (ARS), New York / Pro Litteris, Zurich

D’après le texte de l’étiquette de la galerie pour l’exposition du Musée d’art moderne L’objet érotique : Sculpture surréaliste de la collection (24 juin 2009 – 4 janvier 2010) : « Cet objet surréaliste a été inspiré par une conversation entre Oppenheim et les artistes Pablo Picasso et Dora Maar dans un café parisien. Admirant le bracelet recouvert de fourrure d’Oppenheim, Picasso fit remarquer qu’on pouvait tout recouvrir de fourrure, ce à quoi elle répondit : « Même cette tasse et cette soucoupe ». Peu après, lorsqu’André Breton, le chef de file du surréalisme, lui demande de participer à la première exposition surréaliste consacrée aux objets, Oppenheim achète une tasse à thé, une soucoupe et une cuillère dans un grand magasin et les recouvre de la fourrure d’une gazelle chinoise. Ce faisant, elle a transformé des objets de bon goût traditionnellement associés au décorum féminin en vaisselle sensuelle et à connotation sexuelle. » source http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=80997

Le mouvement surréaliste comprenait aussi bien la sculpture que la peinture. Le terme surréalisme est une version abrégée de super-réalisme. Les surréalistes offrent aux spectateurs l’inattendu. En créant des objets et des images qui représentent ce qui semble être réel mais ne pourrait jamais l’être, ils attirent notre attention sur la façon dont nous percevons la réalité dans laquelle nous nous trouvons.

La texture dans l’art bidimensionnel

L’art bidimensionnel et tridimensionnel peut avoir une texture réelle.

Vincent Van Gogh, la texture comme expression

Vincent Van Gogh Les oliviers 1889
Huile sur toile 29 x 36 1/2 po. (73,66 x 92,71 cm) (toile)
Minneapolis Institute of Arts The William Hood Dunwoody Fund

Vincent va Gogh a utilisé des coups de pinceau très épais et expressifs qui créent un motif texturé fluide dans ses peintures. Imaginez cette peinture sans texture. Les coups de pinceau ajoutent de l’intérêt à la peinture, mais aussi de l’énergie. C’est comme s’ils nous donnaient un aperçu de l’esprit de l’artiste et du mouvement rapide de ses pensées et de ses sentiments.

Robert Rauschenberg : Combines

Robert Rauschenberg Lit 1955

Huile et crayon sur oreiller, couette, et drap sur supports en bois, 6′ 3 1/4″ x 31 1/2″ x 8″ (191.1 x 80 x 20,3 cm).

Musée d’art moderne Don de Leo Castelli en l’honneur d’Alfred H. Barr, Jr. © 2011 Robert Rauschenberg

Robert Rauschenberg Canyon, 1959
Peinture combinée : huile, crayon, papier, tissu, métal, boîte en carton, papier imprimé, reproductions imprimées, photographie, bois, tube de peinture et miroir sur toile, avec huile sur aigle à tête blanche, ficelle et oreiller ; 86 3/4 x 70 x 24 po.
Collection Sonnabend, New York Art © /Licensed by VAGA, New York, NY

Robert Rauschenberg a commencé en tant qu’expresionniste abstrait, un mouvement qui mettait l’accent sur les éléments formels plutôt que sur le sujet, la preuve du mouvement (expression) de l’artiste dans le style ts, et l’expérimentation avec les qualités de la peinture. Rauschenberg s’est intéressé à aller au-delà des qualités texturales de la peinture elle-même et à incorporer des objets tridimensionnels avec leur propre texture. Il s’agissait également d’une combinaison d’art bidimensionnel et tridimensionnel au sein d’une même œuvre. Il appelait ces œuvres « combinaisons ».

Les combinaisons comblaient le fossé entre la vision de l’expressionnisme abstrait de l’artiste comme un visonnaire isolé et le monde réel et banal. Rauschenberg disait à propos de son travail : « La peinture se rapporte à la fois à l’art et à la vie….. (J’essaie d’agir dans cet écart entre les deux.) », comme le cite le texte de l’étiquette de la galerie accompagnant le lit de Rauschenberg au Museum of Modern Art, à New York. Source : http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=78712

Anselm Kiefer : techniques mixtes comme mémoire et symbole de la métaphysique

Anselm Kiefer The Names 1983

Huile, gomme-laque, émulsion et fibre sur toile
support : 4205 x 2805 x 60 mm

Partie de l’exposition Anselm Kiefer au Baltic 8 octobre 2010-16 janvier 2011
Centre baltique d’art contemporain, Gateshead Quays, Gateshead, Royaume-Uni

Acquis conjointement avec les National Galleries of Scotland par The d’Offay Donation avec l’aide du National Heritage Memorial Fund et de l’Art Fund 2008.Baltic Centre for Contemporary Art Gateshead Quays

Anselm Kiefer, Zim Zum, 1990

acrylique, émulsion, crayon, gomme-laque, cendres et toile sur plomb,

National Gallery of Art, Washington, D. C.

source : Art Tatttler International : A Visual Arts SurveyInitiative, rédacteur en chef et éditeur, Mike Miller Rédacteur en chef consultant, Peregrine Honig,Rédacteur en chef consultant, David Ford Artistes : Mots & Œuvre http://arttattler.com/archivekiefer.html

L’art qui est fait pour être touché

Certaines œuvres d’art ont été faites pour être touchées. Certains artistes rendent délibérément leur art touchable afin que le spectateur puisse en faire une expérience plus complète. Cela inclut certaines œuvres tridimensionnelles et les livres d’artistes. Les artistes qui permettent à leurs œuvres d’être touchées comprennent que leur œuvre sera affectée par le toucher humain, par les huiles de la peau, mais ils l’acceptent afin de pouvoir offrir une expérience plus complète.

On craint également que les personnes souffrant de déficiences visuelles soient limitées ou incapables de faire l’expérience de l’art visuel. Certains artistes créent des œuvres destinées à être touchées plutôt que vues.Il existe des organisations qui s’efforcent de donner aux personnes malvoyantes la possibilité d’apprécier l’art visuel, par le biais d’œuvres que l’on peut toucher et d’aides adaptatives pour les œuvres que l’on ne peut pas toucher, afin de donner une idée de la forme de l’art. L’une de ces organisations est Blindart. Elle se décrit sur son site Web comme « une organisation caritative basée au Royaume-Uni dont l’objectif est d’encourager la participation et l’interaction des malvoyants dans le domaine des arts visuels. BlindArt encourage les artistes, qu’ils soient voyants ou malvoyants, à présenter leur travail par le biais de concours, d’expositions, de foires, de salons et de commandes privées ». Lien vers leur site internet : http://www.blindart.net/home

Les monuments commémoratifs publics sont fréquemment touchés, et ce toucher est une partie importante de l’expérience de leur visite. C’est comme si, en touchant le mémorial, nous pouvions en quelque sorte toucher ceux qui sont partis.

Le Mémorial des anciens combattants du Vietnam : un voyage de guérison

Un visiteur touche un nom sur le mur du Mémorial des anciens combattants du Vietnam. Photographié par fr:User:Skyring 26 janvier 2005 2005-08-09 (première version) ; 2005-08-10 (dernière version) Transféré de fr.wikipedia ; transféré sur Commons par User:Estoymuybueno L’uploader original était Skyring à fr.wikipedia GFDL-WITH-DISCLAIMERS ; Diffusé sous la licence de documentation libre GNU

Le mémorial des vétérans du Vietnam à Washington D.C. a été conçu par Maya Lin pour être une expérience émotionnelle et cathartique qui permettrait la guérison. Elle a délibérément fait du mémorial un mur accessible de noms de défunts. Il est conçu comme un voyage que le visiteur parcourt plutôt que comme un grand monument qui ne peut être vu que de loin. Il s’agit d’une expérience profondément émouvante, tant pour ceux qui ont perdu un être cher pendant la guerre que pour ceux qui n’en ont pas perdu, car la nature de la conception agit comme un mémorial pour tous ceux qui ont perdu quelqu’un. Les gens font des frottages du nom de l’être cher pour l’emporter chez eux. Ils laissent également des objets sur le site, à tel point qu’un musée a été créé pour accueillir les nombreux objets laissés sur le Mur.