Passez un peu de temps à travailler parmi des designers professionnels et vous apprendrez qu’assimiler l’art au design est un moyen infaillible de remuer le couteau dans la plaie et d’entendre des déclarations audacieuses comme :

• « Le design n’est pas de l’art. Le design doit fonctionner. »
• « L’art est censé provoquer la pensée et les émotions, mais il ne résout pas les problèmes. »
• « Les artistes travaillent principalement à l’instinct, alors que les designers emploient un processus méthodique, basé sur des données. »

Malheureusement, la discussion designer vs artiste se détériore souvent en divagations. Les lignes sont tracées, les drapeaux de combat sont levés, et le dialogue productif devient impossible.

Que se passe-t-il vraiment ici ? Pourquoi a-t-on opposé l’art et le design, et pourquoi les designers sont-ils si catégoriques sur le fait que le design ne peut pas être de l’art ? Ces questions sont le point de départ d’une conversation réfléchie entre les designers de Toptal Micah Bowers et Miklos Philips.

Bowers est un designer de marque et un illustrateur qui pense que l’art englobe de nombreuses disciplines créatives, le design en étant une, et donc que le design est de l’art.

Philips, un designer UX et rédacteur en chef du Toptal Design Blog, adopte la position selon laquelle l’art et le design peuvent se croiser, mais ce sont des domaines distincts.

Avec nos concurrents sur le ring, il est temps que le débat commence. Messieurs, touchez des gants et allez dans vos coins.

Est-ce que le design est de l’art ?

Micah : Le design est de l’art. L’art est du design. Pas d’exceptions.

Disons-le clairement : je suis consciente de l’impopularité de ma position, surtout parmi mes pairs en design. J’ai assisté à des conférences, lu des livres, parlé avec des collègues et suivi des cours déterminés à établir les différences irréconciliables entre l’art et le design. Chaque fois que je partage mon point de vue, le retour de bâton est rapide et féroce, mais je reste insensible aux contre-arguments (bonne chance, Miklos).

L’insistance sur une distinction entre l’art et le design a été comme une fièvre constante et de faible intensité qui m’a dérangé au cours des 15 dernières années – d’abord pendant ma formation en design industriel, puis pendant un diplôme d’études supérieures en beaux-arts, et ensuite dans ma carrière en branding et illustration.

Ma position est la suivante : Le grand design est d’abord et avant tout un art. Sur quoi cette conviction est-elle ancrée ? Une compréhension philosophique de l’art.

La quête pour définir l’art est imprégnée de siècles de débats. Le philosophe grec Platon pensait que l’art est essentiellement un reflet de ce qui est réel. Mais son point de vue est largement contesté, et puisqu’il faut bien commencer quelque part, nous devons viser une compréhension qui reconnaît l’histoire et la diversité de la pensée et de la culture mondiales.

Paraphraser la Stanford Encyclopedia of Philosophy nous conduit ici :

L’art existe et a existé dans toutes les cultures humaines connues et consiste en des objets, des performances et des expériences qui sont intentionnellement dotés par leurs fabricants d’un haut degré d’intérêt esthétique.

En vertu de cette définition, le design est indéniablement un art. On le retrouve dans toutes les cultures humaines. Il est utilisé pour créer des objets, des performances et des expériences. Et, les designers instillent intentionnellement des quantités significatives d’intérêt esthétique dans leur travail.

Ici, on entend l’inévitable cri :  » Attendez ! Vous vous êtes défait d’un seul mot. Esthétique ! »

Les designers adorent faire des hypothèses à l’emporte-pièce en matière d’esthétique, alors permettez-moi de construire un garde-fou.

Comme l’art, le concept d’esthétique est un domaine compliqué de la pensée philosophique et ne peut être réduit au stéréotype du designer selon lequel il s’agit de « rendre les choses jolies. »

En fait, l’esthétique couvre de nombreuses questions essentielles au débat « art vs. Design » :

• « Est-il possible de déterminer un jugement esthétique à partir d’un jugement pratique ? »
• « Sur quelle base jugeons-nous entre utilité et beauté ? »
• Et, « Comment les croyances fondatrices par lesquelles nous portons des jugements esthétiques sont-elles influencées par le temps, la culture et l’expérience de vie ? »

Voici où je veux en venir : dans le monde du design contemporain, l’art a été étroitement défini et injustement réduit à une caricature pathétique et aquarellée. Les designers ont gonflé avec désinvolture l’importance de leurs propres disciplines (dont la substance varie à un degré comique) par rapport à des siècles de pratique artistique, de recherche philosophique et de compréhension culturelle. Le design est un art. L’art est le design. Pas d’exceptions.

Miklos : Le design doit remplir une fonction. Pas l’art.

Tout d’abord, nous devons séparer de quel type de design nous parlons. Je peux voir dans le cas du design graphique, de l’illustration et du branding que le design est peut-être un peu de l' » art « , mais si nous parlons d’un design plus fonctionnel – comme le design de produit numérique ou le design industriel – nous devons aller beaucoup plus loin, et cela devient clair : le design n’est pas de l' » art « .

Le grand design est en partie une science, en partie un processus, et en partie un ensemble de solutions pratiques avec un soupçon d’esthétique jeté dedans. En allant au-delà de la surface, un designer découvre inévitablement que le grand design consiste davantage à fournir des solutions aux problèmes.

Le design est un processus, pas un art.

En tant que designer UX, je dois toujours creuser plus profondément, au-delà de la façade que l’on pourrait appeler un  » design  » potentiel, et regarder la situation dans son ensemble de manière holistique : le public cible, les scénarios de cas d’utilisation, le contexte et l’appareil auquel le design est destiné : De la télévision au mobile, des ordinateurs de bureau aux tablettes, aux guichets automatiques, etc. Et lorsqu’il s’agit de conception de produits, n’oublions pas la validation et les tests d’utilisabilité. Si le design n’était qu’un art, comment pourriez-vous le tester ?

Si le design était purement artistique, qu’en est-il des heuristiques d’utilisabilité ? Des concepts d’utilisabilité UX tels que le retour d’information, la cohérence et les normes, la prévention des erreurs, le contrôle de l’utilisateur, la flexibilité et la prévisibilité sont-ils jetés par la fenêtre ? Le design n’est-il pas là pour servir les gens ? Si vous voulez être un artiste, soyez-le, mais ne vous faites pas appeler designer. Soyez un peintre ou un sculpteur.

« Il y a de la beauté quand quelque chose fonctionne et que cela fonctionne intuitivement », dit Jonathan Ive.

La partie « fonctionnement intuitif » seule ne peut pas être réalisée par « l’art » ; elle est pilotée par la recherche et les tests sur les utilisateurs. Un bon design est également axé sur les données. Qui plus est, dans un avenir proche, l’IA va transformer la manière dont le design est délivré. Elle sera super-personnalisée et anticipatrice. Le design en tant qu' »art » sera-t-il capable de faire cela ? Je ne le pense pas.

On ne peut pas dire que la conception de l’interface utilisateur d’un distributeur de billets est un « art ». Certes, l’esthétique et le design émotionnel entrent en jeu – comme d’autres articles du Toptal Design Blog l’ont déjà mentionné – parce que l’esthétique joue un rôle dans le design dans la mesure où des designs plus esthétiques donnent l’impression qu’un produit « fonctionne mieux. » Mais il faut tout de même tenir compte de la fonction du design et du contexte d’utilisation.

Par exemple, dans le livre fondateur de Don Norman « The Design of Everyday Things », il parle du design et du concept d’affordances. (Le concept d’affordance a été inventé par le psychologue de la perception James J. Gibson dans son livre révolutionnaire The Ecological Approach to Visual Perception). Norman écrit :

Les affordances fournissent des indices forts sur le fonctionnement des choses. Les plaques sont destinées à être poussées. Les boutons servent à tourner. Les fentes servent à insérer des objets. Les poignées servent à soulever. Les balles servent à lancer ou à faire rebondir. Lorsque les affordances sont exploitées, l’utilisateur sait ce qu’il doit faire juste en regardant : aucune image, étiquette ou instruction n’est nécessaire.

Donc, les affordances sont des  » propriétés perçues  » d’une fonction dans le design, et elles doivent être signalées à l’utilisateur par des  » signifiants « , qui lui fournissent des indices de l’existence d’une interaction possible. Je ne sais pas comment on pourrait marier les concepts d’affordances et de signifiants avec l' »art ». Ce sont des concepts de conception d’interaction essentiels dans le domaine de l’IHM (interaction homme-machine). Ils n’ont rien à voir avec l’art.

En tant que designer UX, je rejette cette notion. Je veux dire, pouvez-vous imaginer un distributeur automatique de billets conçu dans le style cubiste par Picasso ? Je ne dis pas que ce ne serait pas intéressant, mais ce ne serait pas très efficace ou fonctionnel.

Qu’est-ce qu’un bon design ?

Micah : L’art résout les problèmes. « Un bon design » est simplement un chemin vers une solution.

Un distributeur automatique de billets dans le cubisme de Picasso ? Maintenant, ce serait un bon design ! Je peux imaginer les mains d’un artiste capable de tirer parti de la dissonance stylistique du cubisme dans une hiérarchie visuelle clairement définie qui ravit les utilisateurs avec des points d’interaction non ambigus. Enfin, nous pourrions dire adieu aux sanctuaires de boutons fades et déroutants auxquels nous nous sommes tous habitués.

Intéressant, une telle idée n’est pas sans précédent. Dans les villes du monde entier, des installations d’art public ont été utilisées pour améliorer des expériences auparavant négligées ou embrouillées par le design. Le chemin Van Gogh, créé par l’artiste néerlandais Daan Roosegaarde, en est un parfait exemple.

Inspiré par la Nuit étoilée de Van Gogh, le chemin traverse Nuenen, aux Pays-Bas (une ville où l’artiste a vécu dans les années 1880) et est composé de milliers de petits rochers peints qui captent l’énergie du soleil pendant la journée et s’illuminent la nuit.

Si c’était tout ce que le projet englobait, il ne serait guère plus qu’un bel effet d’éclairage, mais la portée de la vision artistique de Roosegaarde est bien plus large. Van Gogh Path est une preuve de concept dans le cadre d’un projet plus vaste appelé SMART HIGHWAY, un effort ambitieux visant à réinventer le paysage néerlandais en mettant en œuvre un système durable de routes lumineuses et interactives.

La leçon à retenir ? L’art et les artistes ont la capacité de résoudre des problèmes substantiels.

La résolution de problèmes nécessite des connaissances, de l’expérience, des compétences, des recherches, des risques et une compréhension du comportement humain, mais malheureusement, de nombreux concepteurs ne reconnaissent pas que les artistes emploient une méthodologie de résolution de problèmes dans leur travail – même si les artistes recherchent systématiquement des solutions créatives depuis des siècles, bien avant que la distinction de « designer » ne soit à la mode.

Vous en avez la preuve ?

De nouveau, nous nous tournons vers un artiste néerlandais, le maître de la lumière et peintre de la Fille à la boucle d’oreille de perle, Johannes Vermeer. Vermeer a vécu au milieu du XVIIe siècle, a connu un succès modeste en tant que peintre et est mort sous une montagne de dettes. Près de deux siècles après sa mort, cependant, l’œuvre de Vermeer a été redécouverte, et son rang comme l’un des grands peintres de tous les temps a été cimenté dans les annales de l’histoire de l’art.

Mais une chose étrange s’est produite. Plus les gens étudiaient Vermeer et son œuvre, plus ils réalisaient que ses peintures et son processus ne ressemblaient vraiment à ceux d’aucun autre artiste. Comment cela ?

• Vermeer n’avait pas de formation artistique formelle et n’a apparemment pas suivi d’apprentissage en tant que peintre.
• Son corpus d’œuvres est assez petit, composé de moins de 50 peintures au total.
• Il n’a jamais eu d’élèves ou d’apprentis à lui.
• Presque tous les tableaux de Vermeer étaient mis en scène dans une des deux pièces de sa maison.
• Il n’existe aucun dessin préparatoire ou croquis attribué à Vermeer.
• Les radiographies des peintures de Vermeer ne révèlent aucun sous-dessin ou correction de composition.
• Ses peintures contiennent des distorsions d’éclairage et de perspective qui ne peuvent être vues qu’à travers des lentilles artificielles.
• Et enfin, Vermeer était un ami proche d’Antonie van Leeuwenhoek, un scientifique néerlandais connu pour ses travaux précurseurs dans les domaines de la fabrication de lentilles et de la microscopie.

Que signifie tout cela ? Vermeer a probablement utilisé une forme avancée, et encore inconnue, de camera obscura pour créer ses chefs-d’œuvre. Il s’agit d’une théorie controversée, mais il existe de nombreuses preuves provenant de sources multiples pour soutenir une telle affirmation.

En quoi cela est-il pertinent pour notre débat ? Vermeer a inventé un appareil et un processus qui sont passés inaperçus et non reproduits pendant plus de 350 ans et qui lui ont permis de créer certaines des peintures les plus emblématiques et techniquement exquises du monde sans aucune formation formelle. C’est le summum de la résolution de problèmes.

Le design est une forme d’art, une méthode d’expression humaine qui suit un système de procédures hautement développées afin d’imprégner les objets, les performances et les expériences de signification. Comme toutes les formes d’art, le design a le potentiel de résoudre des problèmes, mais il n’y a aucune garantie qu’il le fasse.

Par-dessus tout, je veux que les designers réalisent que l’art n’est pas une sous-culture asine de rejetés du design préoccupés par la peinture à doigt de leurs sentiments. En fait, une vision basse de l’art est aussi une vision basse du design, de la science, de l’histoire et de la culture qui limite sévèrement le potentiel créatif et le progrès interdisciplinaire.

En fin de compte, l’art résout les problèmes. « Le bon design » est simplement un chemin vers une solution.

Miklos : Un bon design est impartial et fournit ce dont les gens ont besoin.

Notez que je n’ai pas dit  » ce que les gens veulent  » comme la chanson des Rolling Stones qui dit :  » Vous ne pouvez pas toujours obtenir ce que vous voulez… vous obtenez ce dont vous avez besoin.  » Les gens ne savent pas toujours ce qu’ils veulent, c’est aux concepteurs de déterminer exactement ce dont ils ont besoin.

Au fait, comment les peintures résolvent-elles les problèmes ? Je ne vois pas cela.

Le bon design est subjectif dans une certaine mesure, mais à mon avis, le « bon design » est déterminé en cours de route dans un processus de conception itératif avec beaucoup de validation/test. C’est le « design thinking ». Il existe depuis des décennies. C’est quelque chose qui fonctionne tout simplement, où les choses s’assemblent de la bonne manière, au bon moment, au bon moment.

Le bon design n’est définitivement pas une question d’art ou d’esthétique uniquement. Ce n’est que la surface. Un bon design doit être jugé en fonction de plusieurs facteurs tels que la base d’utilisateurs prévue, l’environnement, le contexte d’utilisation, le support et le dispositif sur lequel il doit apparaître. Par exemple, dans le cas d’un distributeur automatique de billets, l’esthétique n’a peut-être pas autant d’importance : les gens ont besoin de faire des choses et les choses doivent simplement fonctionner pour eux. Il faut que ce soit super fonctionnel, rapide et efficace.

Un bon design dans mon esprit est un design qui est équilibré de la bonne façon entre l’esthétique et le design d’interaction. Pour continuer à utiliser l’exemple d’un distributeur automatique de billets, dans ce scénario, le « look » est moins important et devrait prendre la part appropriée en termes d’importance sur l’échelle d’équilibre, et l’utilisabilité et le design d’interaction (design fonctionnel) devraient prendre la plus grande proportion.

On pourrait aussi opposer « bon design » à « mauvais design ». Le mauvais design, c’est le pandémonium. C’est un désordre. Il peut être frustrant ou agaçant. Il ralentit les gens et les draine émotionnellement. Il peut être laid, ou simplement banal, et donc ne pas mériter l’attention de quiconque. Pour votre public, un mauvais design est un obstacle au lieu d’être un atout.

Le design est-il subjectif ou objectif ?

Miklos : C’est un mélange des deux dans des proportions variables.

L’art et le design sont inextricablement combinés. Je considère le design comme une entreprise holistique qui inclut « l’art ». Le design est à la fois subjectif et objectif, mais il devrait être principalement objectif. L’objectivité adéquate du design est obtenue par la recherche sur les utilisateurs (définir la base d’utilisateurs cible, apprendre à connaître les utilisateurs du produit, observer le contexte d’utilisation), le travail à travers les étapes essentielles d’un processus de conception centrée sur l’utilisateur (UCD) et les tests utilisateurs.

Un design peut jaillir de l’esprit d’un brillant designer, mais son utilisation pratique doit encore être validée. Si la conception n’était que subjective, il n’y aurait pas besoin de tests d’utilisabilité (ce qui contrarierait très probablement le concepteur car il constaterait que la conception ne fonctionne pas). La conception viendrait d’une seule personne, ce qui, pour moi, est une idée ridicule et rétrograde. Les concepteurs qui sont 100 % subjectifs sont arrogants.

Cependant, un petit pourcentage de subjectivité entre en jeu – l’esthétique joue un rôle, et c’est peut-être là que le design émotionnel se produit. C’est l’étape où la sensibilité,  » l’art  » et la subjectivité du designer sont mis en avant. Les grands designers « habillent » ou « mettent une façade » sur le design fonctionnel sous-jacent pour créer quelque chose qui fonctionne à tous les niveaux émotionnels – viscéral, comportemental et réflexif – pour livrer un produit avec une UX incroyable.

Certains designers pensent qu’un bon design doit être objectif. Je ne le crois pas. Il y a une touche de génie dans les designs de Starck ou de Jonathan Ive. Ils apportent une pincée de subjectivité à leurs designs qui a à voir avec le goût. L’une des plus grandes insultes de Steve Jobs était d’accuser quelqu’un de ne pas avoir de goût.

Micah : L’art et toutes ses disciplines (design inclus) combinent objectivité et subjectivité.

Je ne sais pas trop comment c’est arrivé, Miklos, mais il semble que nous ayons trouvé une sorte de terrain d’entente, et je suis agréablement surpris.

L’art et toutes ses disciplines, y compris le design, nécessitent un mélange d’objectivité et de subjectivité. Bien sûr, il y aura des designers qui rouleront les yeux et déclareront : « L’art est purement subjectif. Il peut signifier différentes choses pour différentes personnes. » Le contrepoint évident ? « Même chose pour le design ! »

Mais regardons de plus près.

Lorsque les designers affirment que l’art doit être subjectif, ils font généralement référence à la façon dont les gens jugent le résultat des efforts d’un artiste. Cette manière de penser l’art met un accent suprême sur les résultats. En d’autres termes, l’art est synonyme d’objets, de performances et d’expériences. L’art est une peinture. L’art est une danse. L’art est un spectacle de lumière.

Vu sous cet angle, l’art est subjectif. Je pense que le gothique américain est effrayant, mais vous le trouvez inspirant. Je pense qu’une chaise Eames a de la classe, mais vous la trouvez kitsch. Je pense que l’interface WhatsApp est déroutante, mais vous n’avez jamais rien vu de plus élégant. L’art est un résultat, les résultats sont ouverts à l’interprétation, et tout le monde a raison !

Heureusement, la définition de l’art que je proposais au début de ce débat est plus nuancée, alors rafraîchissons-nous la mémoire :

L’art existe et a existé dans toutes les cultures humaines connues et consiste en des objets, des performances et des expériences qui sont intentionnellement dotés par leurs créateurs d’un haut degré d’intérêt esthétique.

Notez les mots en gras. Les artistes  » dotent intentionnellement  » leur œuvre d’un haut degré de signification. En d’autres termes, ils améliorent consciemment ou enrichissent volontairement. Il y a une intention mariée à l’action.

Envisagé de manière plus complète, l’art n’est pas un résultat. L’art est un processus, et le processus de l’art déborde d’objectivité.

Vous n’êtes pas d’accord ? Considérez les siècles de pratiques répétables, d’outils standardisés, de réactions chimiques et de découvertes scientifiques que l’on doit à l’art. Dans la mesure où il peut exister des réalités indépendantes de l’esprit (la définition de l’objectivité), l’art est objectif parce qu’il dépend du processus.

Si un artiste céramiste cuit un plat sans le laisser sécher au préalable, il explosera.

Si une pianiste place ses doigts sur les bonnes touches, elle jouera l’accord prévu.

Si un concepteur web choisit des Dingbats pour le corps du texte, de grandes parties du site de son client seront illisibles.

La grande leçon à retenir, Miklos, est que je suis en grande partie d’accord avec vous. L’art, et par conséquent le design, est un sac mixte d’objectivité et de subjectivité saupoudré de suffisamment d’ambiguïté pour que ce débat Art vs Design fasse rage pendant des années.

Conclusion

Il n’est pas du tout clair que ces mots –  » Qu’est-ce que l’art ?’-expriment quoi que ce soit qui ressemble à une question unique, à laquelle des réponses concurrentes sont données, ou si les philosophes proposant des réponses sont même engagés dans le même débat… La simple variété des définitions proposées devrait nous faire réfléchir. – Kendall Walton

À leur niveau le plus fondamental, l’art et le design cherchent tous deux à communiquer quelque chose, et quelles que soient les différences, ou qu’ils soient classés dans la catégorie des beaux-arts, des arts commerciaux ou des arts appliqués – à leur meilleur, les deux formes suscitent une réponse émotionnelle.

Il a été avancé que la différence entre les beaux-arts et les arts appliqués est contextuelle et a plus à voir avec les jugements de valeur portés sur l’œuvre elle-même qu’avec toute distinction indiscutable entre les deux disciplines. En outre, comparer l' »art » et le « design » est, bien qu’il s’agisse d’une entreprise noble, peut-être même une entreprise chimérique, car ni l’un ni l’autre ne peut être défini de manière absolue parce qu’ils sont en constante évolution – les frontières sont constamment repoussées et, espérons-le, continueront de l’être à l’avenir. Ce débat, après tout, est intemporel.

Comment décidons-nous de ce qui est de l’art et de ce qui est du design, et pourquoi la relation entre les deux est-elle si fracturée ? Est-ce la différence entre ce qui est fonctionnel (design) et ce qui est non fonctionnel (art) qui crée la dissension ? Une table basse Noguchi ou une chaise Rennie Mackintosh est-elle simplement un objet fonctionnel, ou est-ce de l’art qui se trouve avoir une fonction ?

L’architecte, artiste et designer glasovien Charles Rennie Mackintosh a été l’un des premiers partisans de l’intégration art-architecture. Il croyait en l’intégration pure et simple de la forme et de la fonction et a cherché tout au long de sa carrière à mettre en avant la théorie de « la pièce comme œuvre d’art ».

Frank Lloyd Wright croyait tellement à l’unité de la forme et de la fonction qu’il a modifié l’axiome souvent incompris, « la forme suit la fonction » inventé par son mentor Louis Sullivan pour lire « la forme et la fonction ne font qu’un ». Son plan pour le Guggenheim « …était de faire du bâtiment et des peintures une belle symphonie telle qu’il n’en a jamais existé dans le monde de l’Art auparavant. »

En conclusion, ce n’est pas l’art contre le design, mais l’unité des deux qui est au cœur de tout design supérieur. En d’autres termes, un bon design intègre l’art.