En 1980, un groupe de rock appelé The Police enregistre une chanson sur une infection qui fait rage et la distanciation sociale qu’elle nécessite. « Don’t Stand So Close to Me » raconte l’histoire d’une adolescente qui a un coup de cœur pour son professeur. Mais au lieu de donner des conseils appropriés, une personne en autorité offre un discours joyeux pour tenter d’escamoter un problème grave.

Cela vous dit quelque chose ?

Dans toute chanson bien conçue, les paroles ne racontent qu’une partie de l’histoire.  » Don’t Stand So Close to Me  » est une chanson bien construite. Nous pouvons attribuer les façons uniques dont elle nous parle aux méthodes musicales peu orthodoxes de Sting. Je veux en examiner (brièvement) quatre dans ce billet.

la forme (comment cette structure couplet-refrain diffère de toutes les autres)

l’harmonie (comment l’ambiguïté et la clarté créent de multiples niveaux de signification)

le rythme (que Sting n’utilise qu’un seul motif rythmique pour toute la mélodie, et pourquoi c’est une bonne chose)

la mélodie (comment le choix des figures mélodiques )

Une note biographique. Il peut être utile de savoir que Sting a enseigné l’anglais au lycée avant de rejoindre The Police. Il explique :  » Je voulais écrire une chanson sur la sexualité en classe. J’avais fait des stages d’enseignement dans des lycées et j’étais passé par le fait que des filles de 15 ans me plaisaient – et que je leur plaisais vraiment ! Comment j’ai fait pour ne pas les toucher, je ne sais pas ». Comme j’espère le montrer, cette chanson parle de bien plus d’amour interdit.

« Don’t Stand So Close to Me » de The Police

la forme

Dans une chanson typique, le couplet raconte une histoire, décrit une situation ou présente un dilemme. Le refrain apporte une réponse émotionnelle aux questions soulevées par le couplet. La structure de la chanson est donc un exercice de juxtaposition, qui consiste à réunir ce que nous savons avec ce que nous voulons.

« Don’t Stand So Close to Me » rompt avec ce modèle. Le refrain refuse de reconnaître la gravité d’une élève rongée par la tentation. Au lieu de cela, son professeur s’inquiète des apparences. Je ne peux pas penser à une autre chanson avec un tel degré de déconnexion entre le couplet et le refrain, surtout quand on prend en compte les éléments musicaux.

L’harmonie

Trois aspects de l’harmonie entrent en jeu : le rythme harmonique, les progressions d’accords et un changement de tonalité.

Rythme harmonique. Sting ingénie le rythme et le placement des changements d’accords pour faire onduler le couplet avec une urgence ardente. D’abord, il exécute des changements d’accords modérément rapides au sommet d’une ligne de basse essentiellement statique. Puis il élimine la plupart des temps faibles. Sans un noyau gravitationnel pour chaque mesure, la turbulence peut (et c’est le cas) s’accumuler rapidement. Enfin, il place un accord dissonant au milieu de chaque mesure (F/Eb ; F/G). Si dissonant peut signifier  » dur « , il peut également signifier  » malaise « , ce qui décrit ces accords et le sentiment de risque séduisant qu’ils créent.

La progression des accords. Cette progression d’accords est intentionnellement agitée. Dans une progression  » équilibrée « , le premier accord semble stable. En fait, de nombreux musiciens l’appellent « home base ». L’accord final peut soit retourner à la maison, soit jouer un accord qui mène à la maison. Mais ici, le couplet de la progression des accords résiste à la stabilité harmonique du début à la fin.

Ce n’est pas le cas du refrain (ci-dessous). Sa progression est parfaitement équilibrée. Mais cette soudaine embardée dans l’équilibre semble bizarre. En un instant, on passe de quelque chose de sensuel et tempétueux à quelque chose de lumineux et ensoleillé, superficiel, totalement déconnecté. Sting crée ce contraste en jouant les deux accords les plus fondamentaux de la musique (I et V) sur un rythme digne d’une chanson enfantine joyeuse. Sur cette toile de fond dysfonctionnelle, le professeur tente de détourner l’attention d’une situation explosive en répétant une rengaine inepte.

Le changement de clé. Pour établir une distinction encore plus nette entre le couplet et le refrain, Sting change de tonalité. Très peu de chansons placent le couplet dans une tonalité et le refrain dans une autre. Mais Sting va plus loin en choisissant deux tonalités fortement contrastées. (Certains diraient même que ses tonalités s’entrechoquent !) Et sans aucune tentative pour rendre la modulation douce…

Pourquoi une telle déconnexion entre les tonalités ? En partie pour que le professeur puisse se placer sur un autre plan que son élève. Il prend ses distances pour maintenir sa réputation. C’est vrai, mais il y a aussi quelque chose de plus intriguant à l’œuvre.

La première fois que nous entendons le refrain, nous entendons un professeur qui fait taire le béguin inapproprié d’un élève. Tout ce que nous savons dès le premier couplet, c’est ce que ressent l’élève. Ce n’est que plus tard dans la chanson que nous réalisons que le professeur cache quelque chose. Il désire une fille mineure, mais ne peut pas l’admettre – non seulement à l’école, mais aussi à lui-même. La clé non apparentée lui permet de prendre une certaine distance émotionnelle. Mais cette distance – cette auto-illusion – lui ouvre la voie pour profiter de sa jeune élève.

Le rythme

Savamment ou non, Sting adapte un dispositif des 13e-15e siècles appelé « isorythme ». L’isorythme est un mot grec qui signifie « le même rythme », c’est-à-dire un schéma rythmique. Aujourd’hui, des milliards de chansons utilisent un motif rythmique répétitif dans l’accompagnement (par exemple, la ligne de basse, le motif de grattage ou le battement de tambour). Pratiquement aucune mélodie « récente » (postérieure à la Renaissance) n’utilise le même schéma rythmique tout du long. Je n’en vois que deux :  » Twinkle, Twinkle  » et  » America the Beautiful  »

J’ai noté le couplet sur le refrain pour montrer qu’ils correspondent parfaitement, à une note près. L’audio joue les deux sections ensemble. C’est un peu un accident de train, mais essayez d’entendre au-delà de ça ?

Pourquoi utiliser un seul rythme pour deux mélodies ?

Il y a une raison pratique. Comme nous l’avons vu, le contraste entre le couplet et le refrain de cette chanson est extrême. Sting utilise-t-il un seul rythme pour établir un lien entre les deux sections ? Peut-être. Mais encore une fois, je pense qu’il y a quelque chose de plus intriguant à l’œuvre.

Et si la synchronisation du rythme mélodique était une façon discrète de jouer sur le désir de connexion de l’élève ? Les paroles disent :  » Reste à l’écart, je suis trop vieux pour toi « , tandis que le rythme suggère :  » Seuls nous deux comprenons ce qui rend notre connexion si spéciale. « 

La mélodie

Le couplet et le refrain partagent non seulement le même rythme mélodique, mais ils ont aussi le même contour. On pourrait simplement dire qu’il s’agit d’une variation, ce qui arrive tout le temps en musique. Les musiciens changent souvent les choses pour le plaisir. Pourtant, dans des cas comme celui-ci, les effets précis que recherche Sting sont le résultat d’ajustements soigneusement calibrés.

Commençons par le refrain (sur la ligne inférieure ci-dessous). La mélodie utilise les deux figures mélodiques les plus basiques de la musique et les présente dans leur version la plus simple. Nous entendons un arpège sur l’accord de tonique et une gamme de 3 notes sur Do-Re-Mi. Utilisez une formule similaire si jamais vous avez besoin d’une recette pour une mélodie qui « sourit ».

Voici maintenant le couplet (sur la ligne supérieure ci-dessus). Les trois notes de la première figure (Sib-A-Fa) ne forment pas un accord ou une gamme. Et elles ne correspondent pas à l’harmonie prévalente (seule la 5ème est une tonalité d’accord). La première figure (Sib-A-F) a une forme asymétrique : un pas plus un saut. « Asymétrique » n’est en aucun cas une critique. Ici, elle crée une intrigue et ajoute un sentiment de nostalgie. En revanche, les figures du choeur sont « trop » symétriques. (Deux sauts pour l’arpège et deux pas pour la gamme de 3 notes.) Pas de déséquilibre, pas de tension ; tout est hunky-dory.

La mélodie du couplet est irrégulière, impulsive, pleine de désir refoulé. Le refrain confisque cette mélodie, puis balaie musicalement à l’air libre tous les morceaux scandaleux.

Toute personne qui prête attention aux paroles de cette chanson en saisit le sens évident. Mais ce n’est que lorsqu’on se demande comment le refrain s’intègre que l’on commence à réaliser que la chanson ne  » parle  » pas d’une liaison illicite. Elle parle de la facilité et du danger de se tromper soi-même. Notre souci des apparences. Notre malaise face aux problèmes des autres. De notre empressement à gommer les boutons et les perversions. Et que les positions d’autorité offrent un pouvoir unique de nier la réalité.

C’est ce dernier point qui sonne particulièrement vrai en ce moment où notre président ne veut pas nous donner d’informations précises sur le coronavirus. En reconnaissant cela, nous pouvons voir comment il exemplifie également tous les défauts que j’ai énumérés dans le paragraphe précédent.

Mais à moins que Sting ne soit aussi bon prophète qu’auteur-compositeur, ce n’est pas une chanson dirigée contre une seule personne. N’est-il pas intéressant que l’accroche de la chanson, le passage que nous aimons le plus chanter, interpelle chacun d’entre nous au plus profond de lui-même ?

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