L’art du portrait et le narcissisme de Schiele

Schiele était obsédé par son propre visage (doubles et triples autoportraits) et surtout par son corps, comme il l’était par ceux de ses modèles, souvent très jeunes. Le traitement est vif, nerveux, avec des couleurs stridentes (Nu masculin assis, plume et gouache, 1910, Vienne, collection particulière ; Homme nu aux jambes écartées, 1914, crayon et gouache, Albertina). L’accent est mis sur les organes génitaux, les visages cadavériques, les doigts écartés et tendus, les poses d’amants soudés dans le spasme final (Autoportrait aux doigts écartés, 1911, Historisches Museum der Stadt, Vienne ; Deux amants, 1913, collection particulière).

La peinture de Schiele était intensément unique et individuelle. Elle se concentre sur des sujets physiquement intenses, principalement des portraits (dont de nombreux autoportraits vers la fin de sa vie). Ses personnages semblent isolés, leurs corps se contorsionnent, leurs visages sont décharnés, perdus dans leurs pensées. En contorsionnant ses sujets et en utilisant des techniques de raccourcissement, il élimine souvent leurs membres, ce qui renforce le sentiment de déconcertement. Les femmes sont ouvertement physiques et conflictuelles, ouvrant leurs jambes pour l’artiste et le spectateur. Même aujourd’hui, son travail peut paraître assez choquant – et encore moins il y a 100 ans !

De manière plus authentique que chez Edvard Munch (1863-1944), l’amour et la mort sont liés dans le monde de Schiele. Certaines poses compliquées sont empruntées à des sculpteurs comme Georges Minne (1866-1941) et Auguste Rodin (1840-1917), et certains thèmes à Munch (1863-1944) (Mère morte I, 1910, Vienne, collection particulière) et à Van Gogh (1853-90) (Tournesols ; La chambre de l’artiste à Neulengbach, 1911, Historisches Museum der Stadt, Vienne), mais la composition bidimensionnelle et la touche, à la fois frêle et tendue, sont d’une efficacité énorme.

Imprisonnement

Comme c’est le cas, le caractère intransigeant de sa peinture à l’huile lui attire une opposition féroce et vaut à l’artiste trois semaines de prison (avril-mai 1912), qui le marquent profondément (Autoportrait en prisonnier, crayon et aquarelle, 1912, Albertina). Son art est cependant reconnu par d’autres artistes ainsi que par des personnes issues des milieux progressistes. Parmi ses autres tableaux de portraits, citons Femme enceinte et mort (1910, Galerie Narodni, Prague) ; Autoportrait au vase noir (1911, Historiches Museum der Stadt, Vienne) ; Agonie (1912, Pinakothek, Munich) ; Mort et fille (1915, Osterreichisches Galerie, Vienne) ; et Femme assise aux jambes relevées (1917, Galerie Narodni, Prague).

Peintures de paysage

Certaines peintures de paysage de Schiele révèlent la même tension que ses nus (Arbre d’automne, 1909, Hessisches Landesmuseum, Darmstadt). D’autres, d’un réalisme plus tranquille (Quatre arbres, 1917, Osterreichische Galerie) rappellent ceux de Ferdinand Hodler (1853-1918). Un assez grand nombre d’entre elles, inspirées par la vieille ville de Krumau, ont une composition géométrique et une coloration qui anticipent le lyrisme de Paul Klee (18791940) (Fenêtres, 1914, Osterreichische Galerie, Vienne ; Paysage à Krumau, 1916, Galerie d’art moderne, Linz).

Dernières années : Mariage, succès commercial

En 1915, Schiele se marie et il commence à peindre des portraits sensibles de sa nouvelle femme, qui montrent une approche plus naturaliste. Ce style trouve davantage de faveur et, au cours des années suivantes, il reçoit un nombre croissant de commandes de portraits. En 1918, il commence à connaître un succès commercial jusque-là insaisissable. Il est invité à participer à la 49e exposition de la Sécession, qui se tient à Vienne, et connaît un succès triomphal. Malheureusement, sa chance a tourné plus tôt qu’il ne l’aurait souhaité. Plus tard cette année-là, lui et sa femme enceinte attrapent la grippe espagnole et meurent à trois jours d’intervalle (comme 20 millions d’autres Européens qui ont péri dans l’épidémie de grippe). Ses derniers portraits expressionnistes sont proches de Klimt par leur sens du plus grand volume et leur souci d’une réalité moins malmenée (Portrait d’Albert Paris Von Gutersloh, 1918, Minneapolis Institute of Arts ; La Famille, 1918, Osterreichische Galerie, Vienne).

Réputation en tant qu’artiste

Un représentant majeur de l’expressionnisme autrichien, avec Klimt et Oskar Kokoschka (1886-1980) (dont les  » portraits psychologiques « , peints en même temps que les siens, témoignent d’une cruauté moins probe), Schiele dépasse l’érotisme de Die Brucke par son refus implacable des concessions, et son appréciation lucide des autres et de lui-même.

Rangé parmi les meilleurs portraitistes du XXe siècle, l’art de Schiele est intemporellement contemporain. Bien qu’il n’ait vécu que 28 ans, il a été immensément prolifique et a peint plus de 300 tableaux et des milliers d’œuvres sur papier. Les éléments mêmes qui ont rendu son art impopulaire à ses débuts – les corps laids et déformés, l’angoisse personnelle et l’érotisme non dissimulé – sont précisément les qualités qui ont assuré la pérennité de son art. Il considérait la figure ou l’esprit humain comme un animal plutôt que comme un humain moral, et insistait sur la liberté absolue de l’individualité créative et de l’autodétermination.

Pour mesurer sa stature d’artiste moderne de premier plan, l’une de ses œuvres les moins importantes, Wilted Sunflowers, a atteint 10,7 millions de dollars chez Christie’s en 2006. Voir aussi : Les peintures les plus chères : Top 20.

Collections

Aujourd’hui considéré comme l’un des plus grands peintres du XXe siècle du genre figuratif, les peintures et dessins uniques de Schiele sont accrochés dans les meilleurs musées d’art du monde entier. Figure clé du mouvement expressionniste autrichien, il est particulièrement bien représenté à Vienne, notamment à l’Osterreichische Galerie et à l’Albertina, à Vienne.

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