Bien avant la parole, les premiers humains chantaient (en utilisant leurs cordes vocales pour créer des tonalités musicales) et dans cette mesure, la voix humaine était le premier instrument de musique. Comme le langage n’avait pas encore évolué, on suppose que la voix humaine était utilisée pour recréer les sons entendus dans la nature. Ce qui est certain, c’est que le chant est une activité humaine universelle, que l’on retrouve dans toutes les cultures et dans tous les lieux, aussi éloignés soient-ils. Avec l’évolution du langage au fil des millénaires, les « chanteurs » ont commencé à utiliser des mots pour raconter des histoires musicales, initialement interprétées sans accompagnement instrumental (a capella). Avec l’évolution des instruments de musique, la voix et la musique instrumentale ont été combinées.

Le consensus général est que la première utilisation organisée de la voix était de chanter et de psalmodier dans le cadre de cérémonies et de rituels religieux, mais qu’avec le temps, le chant est devenu une forme de divertissement. De manière informelle, la « musique folklorique » était transmise oralement entre les habitants d’une région, mais avec le temps, un processus plus formel a évolué, les paroles et la musique d’une chanson étant mises par écrit et « publiées ». C’est bien sûr l’industrie du disque et la radio au début du 20e siècle qui ont propulsé la chanson dans un méga business mondial.

Howard Stone

Au cœur de la musique vocale se trouve l’utilisation de la voix humaine pour délivrer les paroles, les mots qui racontent l’histoire, mais ce n’est pas toujours le cas car il existe de nombreuses techniques vocales utilisées pour créer des sons, mais pas des mots, qui ne sont donc pas vraiment des paroles – on pense notamment au fredonnement, au sifflement et au yodel et, très récemment, au beatboxing. En outre, il existe de nombreuses chansons dont les paroles ne sont pas des mots reconnaissables. Les musicologues parlent de « vocables non-lexicaux » et de nombreuses chansons ont été écrites avec de telles « paroles ». Qu’il s’agisse du « fa-la-la, la-la, la-la-la » de « Deck The Halls » ou du « nah, nah, nah, nah, nah, nah, nah, hey Jude », le parolier a écrit le texte de ce qui doit être chanté.

Que se passe-t-il lorsque le chanteur décide de s’éloigner des paroles du compositeur ? Dans le jazz, il existe une longue tradition qui consiste à faire exactement cela. Connu sous le nom de « scatting », le vocaliste improvise en chantant des syllabes absurdes créant sa propre mélodie et son propre rythme, un peu comme le fait un soliste instrumental. Mais dans ce cas, la voix est l’instrument de musique. Le scatting peut prendre la forme d’une imitation du son d’autres instruments ou le scatter peut s’harmoniser avec son propre instrument, comme un guitariste ou un bassiste qui scatte en même temps que son propre solo.

L’origine du scatting s’est perdue dans l’histoire, bien que Louis « Satchmo » Armstrong ait longtemps été crédité d’avoir été l’inventeur de la technique. Selon l’histoire, Satchmo et ses Hot Five participaient à une séance d’enregistrement à Chicago le 26 février 1926, lorsque son pupitre s’est renversé « éparpillant » la musique et les paroles de la chanson qu’il chantait, « The Heebie Jeebies ». Au lieu d’arrêter l’enregistrement, Satchmo a chanté un passage improvisé de syllabes absurdes, comparable à un « riff » qu’il aurait pu jouer sur sa trompette, et la légende suggère que c’est ainsi qu’est né le chant scat. (Écoutez sur YouTube : Heebie Jeebies-Louis Armstong and his Hot Five). En fait, les historiens du jazz peuvent citer des exemples antérieurs de scat et ce qui explique probablement le mieux l’origine du scat est le vieil adage de la Nouvelle-Orléans : « Si tu ne peux pas le chanter, tu ne peux pas le jouer ». Donc, même si Satchmo n’a pas inventé le scat, il l’a rendu extrêmement populaire et depuis, des légions de chanteurs de jazz ont adopté cette technique et l’ont amenée dans des endroits nouveaux et passionnants.

Comme les foodies qui ont leurs plats préférés, chaque fan de jazz a ses solos de scat préférés. Je pourrais énumérer des dizaines de mes préférés, mais il faut tenir compte de l’espace et de la patience du lecteur, alors je vais me concentrer sur deux d’entre eux. Ella Fitzgerald, « The First Lady of Song », est considérée comme l’une des plus grandes chanteuses de jazz de tous les temps et comme un maître du scat. L’interprétation d’Ella de « How High the Moon », enregistrée en direct à Berlin en 1960, est l’un des exemples définitifs de l’art du scat et certains diraient même le plus grand solo de scat jamais réalisé. Au cours de son interprétation de près de sept minutes de ce standard, elle cite spontanément les mélodies de plus d’une douzaine d’airs, avec humour et maîtrise technique de sa voix, en combinant différentes syllabes absurdes pour imiter les sons de divers instruments, tandis qu’elle tisse avec art des phrases de scat et des paroles d’une manière qui fait parfaitement sens pour l’auditeur (Écoutez sur YouTube : Ella Fitzgerald How High The Moon Live in Berlin 1960).

L’incarnation de la combinaison du scat et de l’humour est la performance de « Mumbles » par le légendaire NEA Jazz Master, joueur de bugle et chanteur Clark Terry. En marmonnant les mots, Clark semble « parler en langue » en utilisant un vocabulaire qui donne l’impression qu’il chante dans un dialecte d’une langue scandinave oubliée depuis longtemps. L’inflexion de sa voix, le ton rythmé de la conversation et le mélange d’un mot reconnaissable occasionnel font croire à l’auditeur qu’il est sur le point de briser le code d’une langue oscillante presque compréhensible. « Mumbles » est l’exemple parfait de la façon dont les mots et la musique peuvent interagir pour élever l’écoute à un niveau de pur plaisir (Écoutez sur YouTube : Clark Terry fait « Mumbles » sur Legends of Jazz).

Satchmo, Ella et Clark ne sont plus parmi nous, mais l’art du scatting est très vivant aujourd’hui. Il a été adopté par de jeunes chanteurs de jazz qui ajoutent désormais leur créativité à cette technique vocale unique, dont Veronica Swift, 24 ans, qui scatte comme une professionnelle chevronnée, tout en combinant une justesse et un phrasé parfaits à ses interprétations du Great American Songbook et des classiques du bebop. Veronica reconnaît être inspirée par les grands chanteurs qui l’ont précédée, mais elle est claire sur son approche lorsqu’elle chante :  » J’essaie non pas d’imiter, mais d’émuler. « 

Vail Jazz a le plaisir de présenter Veronica Swift et le Emmet Cohen Trio en concert à 18 h.m. le 16 août dans le Jazz Tent à Lionshead.

Howard Stone est le fondateur et le directeur artistique de la Vail Jazz Foundation, qui produit le festival annuel de jazz de Vail. Célébrant sa 24e année, le Vail Jazz Festival est une célébration du jazz qui dure tout l’été.