Peut-être que le plus grand développement musical de la période baroque est la création d’un nouveau genre de musique vocale : l’opéra. Comme pour la plupart des genres de cette époque, l’opéra subit une évolution stylistique importante depuis ses origines au début des années 1600 jusqu’à l’opera seria de Haendel dans les années 1730. Veuillez porter une attention particulière aux termes suivants (si vous souhaitez en savoir plus, suivez les liens) : livret, récitatif (les deux formes : secco et accompagnato) et aria.

Introduction

L’opéra (pluriel anglais : operas ; pluriel italien : opere) est une forme d’art dans laquelle des chanteurs et des musiciens interprètent une œuvre dramatique combinant un texte (appelé livret) et une partition musicale, généralement dans un cadre théâtral. L’opéra intègre de nombreux éléments du théâtre parlé, tels que le jeu des acteurs, les décors et les costumes, et inclut parfois la danse. La représentation est généralement donnée dans une salle d’opéra, accompagnée par un orchestre ou un ensemble musical plus petit.

Figure 1. Le Palais Garnier de l’Opéra de Paris, l’un des opéras les plus célèbres au monde

L’opéra fait partie de la tradition musicale classique occidentale. Elle a débuté en Italie à la fin du XVIe siècle (avec la Dafne perdue de Jacopo Peri, produite à Florence en 1598) et s’est rapidement répandue dans le reste de l’Europe : Schütz en Allemagne, Lully en France et Purcell en Angleterre ont tous contribué à établir leurs traditions nationales au XVIIe siècle. Au XVIIIe siècle, l’opéra italien a continué à dominer la plupart des pays européens (à l’exception de la France), attirant des compositeurs étrangers tels que Haendel. L’opera seria était la forme la plus prestigieuse de l’opéra italien, jusqu’à ce que Gluck réagisse contre son artificialité avec ses opéras « de réforme » dans les années 1760. Aujourd’hui, la figure la plus célèbre de l’opéra de la fin du XVIIIe siècle est Mozart, qui a commencé par l’opera seria mais est surtout connu pour ses opéras comiques italiens, notamment Les Noces de Figaro (Le Nozze Di Figaro), Don Giovanni et Così fan tutte, ainsi que La Flûte enchantée (Die Zauberflöte), un jalon de la tradition allemande.

Terminologie de l’opéra

Les paroles d’un opéra sont connues sous le nom de livret (littéralement « petit livre »). Certains compositeurs, notamment Richard Wagner, ont écrit leurs propres livrets ; d’autres ont travaillé en étroite collaboration avec leurs librettistes, par exemple Mozart avec Lorenzo Da Ponte. L’opéra traditionnel, souvent appelé « opéra à numéros », se compose de deux modes de chant : le récitatif, les passages qui mènent l’intrigue, chantés dans un style conçu pour imiter et mettre en valeur les inflexions de la parole, et l’aria (un « air » ou chant formel) dans lequel les personnages expriment leurs émotions dans un style mélodique plus structuré. Les duos, trios et autres ensembles sont souvent présents, et les chœurs sont utilisés pour commenter l’action. Dans certaines formes d’opéra, comme le Singspiel, l’opéra comique, l’opérette et le semi-opéra, le récitatif est généralement remplacé par un dialogue parlé. Les passages mélodiques ou semi-mélodiques qui se produisent au milieu ou à la place du récitatif sont également appelés arioso. Pendant les périodes baroque et classique, le récitatif pouvait se présenter sous deux formes de base : le récitatif secco (sec), chanté avec un rythme libre dicté par l’accent des mots, accompagné uniquement par le continuo, qui était généralement un clavecin et un violoncelle ; ou l’accompagnato (également appelé strumentato) dans lequel l’orchestre fournissait l’accompagnement. Au XIXe siècle, l’accompagnato a pris le dessus, l’orchestre a joué un rôle beaucoup plus important, et Richard Wagner a révolutionné l’opéra en abolissant presque toute distinction entre l’aria et le récitatif dans sa quête de ce qu’il appelait « la mélodie sans fin ». Les compositeurs qui ont suivi ont eu tendance à suivre l’exemple de Wagner, bien que certains, comme Stravinsky dans son The Rake’s Progress, se soient écartés de cette tendance. La terminologie des différents types de voix lyriques est décrite en détail ci-dessous.

Origines

Le mot italien opera signifie « travail », à la fois dans le sens du travail effectué et du résultat produit. Le mot italien dérive du latin opera, un substantif singulier signifiant  » travail  » et également le pluriel du substantif opus. Selon l’Oxford English Dictionary, le mot italien a été utilisé pour la première fois dans le sens de  » composition dans laquelle la poésie, la danse et la musique sont combinées  » en 1639 ; le premier usage anglais enregistré dans ce sens date de 1648.

Dafne de Jacopo Peri est la première composition considérée comme un opéra, au sens où on l’entend aujourd’hui. Elle fut écrite vers 1597, en grande partie sous l’inspiration d’un cercle d’élite d’humanistes florentins lettrés qui se réunissaient sous le nom de « Camerata de’ Bardi. » De manière significative, Dafne était une tentative de faire revivre le drame grec classique, dans le cadre d’une renaissance plus large de l’antiquité caractéristique de la Renaissance. Les membres de la Camerata considéraient que les parties « chorales » des drames grecs étaient chantées à l’origine, et peut-être même le texte entier de tous les rôles ; l’opéra était donc conçu comme un moyen de « rétablir » cette situation. Dafne est malheureusement perdue. Une œuvre ultérieure de Peri, Euridice, datant de 1600, est la première partition d’opéra à avoir survécu jusqu’à nos jours. L’honneur d’être le premier opéra encore régulièrement joué revient toutefois à L’Orfeo de Claudio Monteverdi, composé pour la cour de Mantoue en 1607. La cour de Mantoue des Gonzague, employeurs de Monteverdi, a joué un rôle important dans l’origine de l’opéra en employant non seulement des chanteurs de cour du concerto delle donne (jusqu’en 1598), mais aussi l’un des premiers véritables « chanteurs d’opéra » : Madama Europa.

L’ère baroque

Figure 2. Teatro Argentina (Panini, 1747, Musée du Louvre)

L’opéra ne resta pas longtemps confiné aux audiences de la cour. En 1637, l’idée d’une  » saison  » (Carnaval) d’opéras assistés publiquement et soutenus par la vente de billets émergea à Venise. Monteverdi avait quitté Mantoue pour s’installer dans cette ville et avait composé ses derniers opéras, Il ritorno d’Ulisse in patria et L’incoronazione di Poppea, pour le théâtre vénitien dans les années 1640. Son plus important disciple, Francesco Cavalli, a contribué à la diffusion de l’opéra dans toute l’Italie.

Dans ces premiers opéras baroques, une large comédie se mêlait à des éléments tragiques dans un mélange qui a heurté certaines sensibilités éduquées, déclenchant le premier des nombreux mouvements de réforme de l’opéra, parrainé par l’Académie arcadienne, qui s’est associée au poète Metastasio, dont les livrets ont contribué à cristalliser le genre de l’opera seria, qui est devenu la principale forme d’opéra italien jusqu’à la fin du XVIIIe siècle. Une fois l’idéal métastasien fermement établi, la comédie dans l’opéra de l’ère baroque était réservée à ce que l’on a appelé l’opera buffa. Avant que de tels éléments ne soient exclus de l’opera seria, de nombreux livrets comportaient une intrigue comique se déroulant séparément, une sorte d' »opéra dans l’opéra ». L’une des raisons de ce choix était la volonté d’attirer dans les salles d’opéra publiques les membres de la classe marchande en pleine expansion, nouvellement riche mais pas encore aussi cultivée que la noblesse. Ces intrigues distinctes ont presque immédiatement été ressuscitées dans une tradition se développant séparément et dérivant en partie de la commedia dell’arte, une tradition scénique d’improvisation longtemps florissante en Italie.

Tout comme les intermédiaires avaient autrefois été joués entre les actes des pièces de théâtre, les opéras du nouveau genre comique des « intermezzi », qui se sont largement développés à Naples dans les années 1710 et 20, étaient initialement mis en scène pendant les entractes de l’opera seria. Ils sont toutefois devenus si populaires qu’ils ont rapidement été proposés comme des productions distinctes.

L’opera seria était élevé dans son ton et très stylisé dans sa forme, consistant généralement en un récitatif secco entrecoupé de longues arias da capo. Celles-ci offraient de grandes possibilités de chant virtuose et, durant l’âge d’or de l’opera seria, le chanteur devenait vraiment la vedette. Le rôle du héros était généralement écrit pour la voix de castrat ; les castrats tels que Farinelli et Senesino, ainsi que les sopranos féminines comme Faustina Bordoni, étaient très demandés dans toute l’Europe, l’opera seria régnant sur la scène dans tous les pays sauf la France. En effet, Farinelli était l’un des chanteurs les plus célèbres du XVIIIe siècle. L’opéra italien a établi la norme baroque. Les livrets italiens étaient la norme, même lorsqu’un compositeur allemand comme Handelfound composait lui-même des œuvres comme Rinaldo et Giulio Cesare pour le public londonien. Les livrets italiens sont restés dominants à l’époque classique également, par exemple dans les opéras de Mozart, qui a écrit à Vienne vers la fin du siècle. Parmi les principaux compositeurs d’opera seria d’origine italienne figurent Alessandro Scarlatti, Vivaldi et Porpora.