La définition simple du théâtre et de l’art dramatique élisabéthains est qu’il s’agit de pièces écrites sous le règne d’Elizabeth I, mais c’est absurdement simpliste : le théâtre élisabéthain est bien plus que cela.
La reine Elizabeth I d’Angleterre et d’Irlande a régné de 1558 à 1603, à l’époque où les Européens commençaient à se libérer des contraintes culturelles imposées par l’Église médiévale. Les grands penseurs de toute l’Europe détournaient courageusement leur regard de la face de Dieu pour le tourner vers l’esprit, la forme et les idées des êtres humains dans un vaste mouvement humaniste. Au lieu d’accepter les hypothèses plates et bidimensionnelles sur la vie, Dieu, la planète et l’univers lui-même, véhiculées par l’Église, ils les remettaient en question. Cela a conduit à une floraison de nouvelles perceptions dans tous les domaines de l’activité humaine – art, musique, architecture, religion, science, philosophie, théâtre et littérature. Les artistes, les compositeurs, les scientifiques et les écrivains ont regardé au-delà des ténèbres de quatorze siècles et se sont inspirés des qualités humanistes de la culture gréco-romaine.
Un théâtre élisabéthain – domicile du drame élisabéthain
La Renaissance a fleuri dans toute l’Europe mais a eu des accents différents dans les différentes cultures européennes – c’était la religion et la philosophie en Allemagne, par exemple ; l’art, l’architecture et la sculpture en Italie. En Angleterre, c’était le théâtre élisabéthain. Tout au long du Moyen Âge, le théâtre anglais avait été religieux et didactique. Lorsqu’Elizabeth accède au trône, la plupart des pièces proposées au public sont des Miracle Plays, qui présentent sous forme de dialogues crus des histoires tirées de la Bible et de la vie des saints, et des Moralities, qui enseignent des leçons pour guider la vie par le biais d’une action allégorique. Il s’agissait principalement de drames sur Dieu, et non sur les gens.
A la fin du règne d’Elizabeth, il y avait plus de vingt théâtres à Londres, qui tournaient tous plusieurs pièces par semaine – des pièces séculaires par nature, et sur les gens. Cela représentait une révolution complète dans le théâtre, et rend le théâtre élisabéthain distinct. Ce qui a changé à cette époque, c’est que le théâtre est devenu un lieu où les gens allaient voir, non pas des conférences dramatisées sur la bonne conduite, mais un reflet de leur propre esprit et de leurs intérêts quotidiens. Ils voulaient rire et pleurer – être émus, non pas par une réflexion divine, mais par des êtres humains faisant de bonnes et de mauvaises choses tout comme eux – aimant et assassinant, volant, trichant, agissant de manière sacrificielle, s’attirant des ennuis et se comportant noblement : en bref, étant humains comme eux.
Cette nouvelle scène théâtrale élisabéthaine attirait des écrivains de grand calibre qui se considéraient simplement comme des artisans – de la même manière que les tonneliers ou les charrons, et non comme de » grands écrivains « , comme nous les considérons aujourd’hui. Mais même ainsi, la plupart des auteurs de théâtre de l’Angleterre élisabéthaine n’ont pas été égalés au cours des quatre siècles qui ont suivi. Il y avait beaucoup d’argent à gagner en alimentant ce nouvel appétit énorme pour les pièces de théâtre, et les bons dramaturges qui jouaient bien leurs cartes et établissaient de bons contacts – comme l’a fait Shakespeare – devenaient riches.
Alors, lorsque nous regardons le théâtre élisabéthain depuis le XXIe siècle, que voyons-nous ? Nous voyons, pour la première fois, des présentations scéniques de l’expérience humaine. Nous voyons des actes de grande noblesse par des héros imparfaits – un grand thème de la tragédie grecque – perfectionnés par Shakespeare dans des pièces telles que Hamlet, Macbeth, le Roi Lear, etc. Nous voyons des êtres humains à leur niveau le plus mesquin ; nous voyons des études psychologiques du caractère humain, comme le psychopathe Iago dans Othello ; nous voyons l’exploration des émotions humaines les plus profondes, comme l’amour dans Roméo et Juliette et Antoine et Cléopâtre. Bien que la plupart des pièces de la période élisabéthaine aient une hypothèse chrétienne sous-jacente, en raison de la culture de l’époque à laquelle elles ont été écrites, elles sont essentiellement humanistes – en phase avec l’esprit de la Renaissance de l’époque.
Dans le théâtre élisabéthain, parce qu’il s’agit de personnes plutôt que de Dieu, nous voyons beaucoup d’humour. Encore une fois, modelé sur les comédies grecques, l’humour est perfectionné par des gens comme Shakespeare et Ben Jonson avec leurs personnages comiques mémorables et leur regard satirique sur leur propre époque, ainsi que des comédies sociales légères. Dans les pièces de Shakespeare, l’humour est présent même dans les pièces les plus sombres, comme les fréquentes répliques de « rire » dans Hamlet. Shakespeare a plus ou moins inventé une forme de théâtre qui mélange tous les genres, de sorte que ses tragédies contiennent des éléments comiques, ses comédies des éléments tragiques et ses histoires les deux. Dans le cas de Shakespeare, le vent de la Renaissance lui a donné la liberté de refléter tous les aspects de l’être humain dans ses pièces, et il a écrit des pièces qui ont non seulement perduré pendant quatre cents ans, mais qui ont très rarement (voire pas du tout) été améliorées pendant cette période.
Vers la fin du règne d’Elizabeth, les dramaturges développaient de nouveaux thèmes et de nouvelles techniques qui ont conduit au théâtre jacobéen distinctif avec ses pièces plus croustillantes et violentes qui se concentraient sur la capacité de l’être humain à l’égoïsme, dramatisée dans des représentations approfondies de l’ambition et de ses effets.