1600 à 1750 : Bien que l’impulsion d’exploiter le pouvoir de la musique unifie une grande partie de la musique de l’ère baroque, les différences techniques de la période – en particulier entre les œuvres anciennes et tardives – sont frappantes. Dans son étude très utile de l’époque, le musicologue Claude Palisca suggère que la période soit comprise comme englobant plusieurs phases différentes. La première phase, dans laquelle le désir de trouver de nouveaux moyens d’expression musicale se renforce, se déroule de 1550 à 1640 environ. Entre 1640 et 1690, de nouvelles règles et réglementations commencent à régir cette expression musicale, notamment dans le domaine du rythme, de l’harmonie, des dispositifs expressifs et de la forme. De 1690 à 1740, les normes formelles élaborées au cours de la période précédente sont acceptées comme fixes.
allemande : une danse modérément lente et sérieuse en mètre quadruple et en forme binaire. L’allemande a commencé sa vie comme une danse à la Renaissance, et a ensuite été cultivée comme une pièce instrumentale indépendante. Au moment où elle est devenue l’une des quatre danses standard de la suite à la fin du XVIIe siècle, l’allemande privilégiait souvent une texture imitative et ornementée sur des rythmes de danse fortement profilés.
bourrée : une danse vive en mètre double et de forme binaire. C’était une danse populaire dans les opéras de Lully et à la cour de Louis XIV, et elle a conservé sa texture homophonique et ses rythmes simples en tant qu’œuvre instrumentale indépendante dans le baroque.
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courante (aussi It. corrente) : une danse bien connue au 16e siècle, la courante est devenue encore plus importante au 17e. Danse à triple mètre sous forme binaire, elle existait en deux versions : la courante française, généralement solennelle et majestueuse, écrite dans un triple mètre parfois ambigu, et la corrente italienne, qui était dans un triple mètre rapide. En Italie, la corrente était une danse de séduction vivante, tandis que la courante était l’une des principales danses des bals de la cour de Louis XIV. Comme la chorégraphie française de la courante ne survit qu’au XVIIIe siècle, nous savons très peu de choses sur sa relation avec la version italienne.
Aria da capo : la forme standard de l’aria à la fin du XVIIe siècle. L’aria da capo comportait deux sections principales : la section d’ouverture en » la » dans la tonalité principale, suivie d’une section contrastée en » si » dans d’autres tonalités. À la fin de la section « B », les mots « da capo » (littéralement « de la tête ») dirigeaient une répétition de la section « A », qui servait généralement d’occasion aux chanteurs de montrer leurs prouesses vocales par le biais d’ornementations improvisées élaborées.
fantasia (également Eng. fancy, fantasy ; Ger. Fantasie) : une composition instrumentale non structurée, souvent caractérisée par l’exagération, la distorsion et l’imprévisibilité. Tout au long de son utilisation, fantasia a souvent signifié improvisation libre, et a été utilisé pour décrire une œuvre qui donnait l’impression de jaillir spontanément de l’imagination d’un joueur. Le terme était parfois utilisé de manière interchangeable avec capriccio, volontaire, toccata et canzona, entre autres. œuvre de forme non structurée, à l’origine une improvisation.
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gavotte : une danse élégante en mètre double modéré et en forme binaire, souvent avec une texture homophonique et des rythmes simples. À la fin du 16e et au début du 17e siècle, la gavotte était un type de branle. Au milieu du XVIIe siècle, la gavotte est apparue comme une nouvelle danse aux caractéristiques musicales similaires, devenant populaire dans les opéras et les ballets de Lully et de Rameau. La gavotte (ou fréquemment une paire de gavottes) suivait souvent la sarabande dans une suite.
gigue (aussi Eng. jig, It. giga) : une danse rapide en mètre double et de forme binaire. Elle est née en Angleterre et en Irlande sous le nom de gigue, et était connue en France dans les années 1650. Dans la suite baroque et d’autres compositions, la gigue sert souvent de mouvement final. En tant que composition instrumentale indépendante, le caractère de la gigue variait beaucoup, mais conservait généralement son tempo rapide.
clavecin : principal instrument à cordes du clavier du XVIe au XVIIIe siècle et principal instrument de la basse continue ; les petits clavecins étaient appelés virginaux ou épinettes. Le clavecin ressemble à un piano, mais sa sonorité est basée sur des plumes qui pincent les cordes plutôt que sur des marteaux. Il a été supplanté par le piano au 19e siècle.
intermezzo : au 18e siècle, une œuvre comique jouée entre les actes d’un opera seria et l’ancêtre de l’opera buffa, qui est apparu comme un sous-genre important de l’opéra au début du 18e siècle à Naples. L’exemple le plus populaire est La Serva padrona (1733) de Pergolèse.
Luth : un instrument à cordes pincées du 14e au 17e siècle, similaire en apparence à la guitare, mais avec un corps oblong en forme de poire. Bien qu’il se soit épanoui à la Renaissance, le luth était encore un instrument important au début du baroque, et était utilisé pour accompagner les chansons et faire partie du groupe de continuo. Au cours du XVIIe siècle, il a été progressivement supplanté par le théorbe, le violon et le clavecin.
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Madrigal : mise en voix polyphonique, généralement sans accompagnement, de divers types de vers, extrêmement populaire du début du XVIe siècle au milieu du XVIIe siècle, notamment en Italie. Au milieu du XVIe siècle, le genre était utilisé comme un terrain fertile pour l’expérimentation musicale.
minuet : une danse gracieuse et extrêmement populaire en mètre triple, généralement sous forme binaire. Le menuet est apparu au milieu du XVIIe siècle, et est devenu follement populaire à la cour de Louis XIV ; le roi lui-même était réputé être un excellent danseur de menuet. Le menuet est la seule forme de danse baroque qui n’est pas tombée en désuétude à l’époque classique, car il concluait souvent une ouverture d’opéra et était ensuite intégré à la symphonie.
motet : l’un des principaux genres vocaux du Moyen Âge au XVIIIe siècle. À l’époque baroque, le terme désignait généralement une composition vocale sacrée destinée à l’église ou à la dévotion personnelle.
sarabande (aussi It. sarabanda, Sp. zarabanda) : une danse à triple mètre. En France et en Allemagne, la sarabande était lente et majestueuse. La danse était d’abord connue au Mexique et en Espagne au XVIe siècle sous le nom de zarabanda, une danse sauvage et extrêmement érotique. Bien qu’elle ait été interdite en Espagne en 1583, elle a survécu tout au long de l’ère baroque dans ce pays et en Italie en tant que danse rapide. Elle est finalement devenue l’une des quatre danses standard de la suite baroque, généralement sous sa forme plus lente.
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semi-opéra : à la fin du XVIIe et au début du XVIIIe siècle en Angleterre, œuvre dramatique dans laquelle les personnages principaux parlaient principalement, mais qui incorporait des sections substantielles de musique. The Fairy Queen (1692) de Purcell en est un exemple.
tragédie-lyrique (également tragédie en musique) : Opéra français des 17e et 18e siècles, basé sur des sujets sérieux normalement tirés de la mythologie classique. Généralement en cinq actes, la tragédie-lyrique incorpore des ballets et des chœurs avec les récitatifs et les airs typiques.
Violon : membre d’une famille d’instruments à cordes en usage du 16e à la majeure partie du 18e siècle, et précurseur du violon. Le terme viola da gamba désignait les instruments tenus sur le genou ou entre les jambes, tandis que viola da braccio désignait ceux qui étaient joués sur le bras. Les violes ont une touche frettée, un corps à dos plat, six cordes et sont jouées avec un archet courbé reposant généralement sur la jambe. Ils étaient les précurseurs de la famille des violons.
viola da gamba : de l’italien » viole pour la jambe « , le terme peut désigner n’importe quel membre de la famille des violes, mais désignait au XVIIe siècle une basse de viole dont la tessiture était similaire à celle du violoncelle.
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