Passa un po’ di tempo a lavorare tra designer professionisti e imparerai che equiparare l’arte al design è un modo infallibile per smuovere le acque e sentire dichiarazioni audaci come:

• “Il design non è arte. Il design deve funzionare.”
• “L’arte ha lo scopo di provocare pensieri ed emozioni, ma non risolve i problemi.”
• “Gli artisti lavorano principalmente sull’istinto, mentre i designer impiegano un processo metodico e basato sui dati.”

Purtroppo, la discussione designer vs. artista spesso degenera in sfuriate. Si tracciano le linee, si alzano le bandiere di battaglia e il dialogo produttivo diventa impossibile.

Cosa sta realmente succedendo qui? Perché l’arte e il design sono stati messi l’uno contro l’altro, e perché i designer sono così convinti che il design non possa essere arte? Queste domande sono il punto di partenza di una ponderata conversazione tra i designer di Toptal Micah Bowers e Miklos Philips.

Bowers è un brand designer e illustratore che crede che l’arte comprenda molte discipline creative, il design è una di queste, e quindi il design è arte.

Philips, un UX designer e lead editor del Toptal Design Blog, ritiene che l’arte e il design possano intersecarsi, ma sono campi nettamente diversi.

Con i nostri concorrenti sul ring, è ora che il dibattito abbia inizio. Signori, toccatevi i guanti e andate ai vostri angoli.

Il design è arte?

Micah: Il design è arte. L’arte è design. Nessuna eccezione.

Siamo chiari: sono consapevole di quanto sia impopolare la mia posizione, specialmente tra i miei colleghi del design. Sono stato a conferenze, ho letto libri, ho parlato con colleghi e ho seguito corsi determinati a stabilire le differenze inconciliabili tra arte e design. Ogni volta che condivido il mio punto di vista, il contraccolpo arriva rapido e feroce, ma rimango indifferente alle contro-argomentazioni (buona fortuna, Miklos).

L’insistenza su una distinzione tra arte e design è stata come una febbre costante e di basso grado che mi ha infastidito negli ultimi 15 anni, prima durante la mia formazione in design industriale, poi durante una laurea in belle arti, e poi nella mia carriera nel branding e nell’illustrazione.

La mia posizione è questa: Il grande design è prima di tutto arte. In cosa è radicata questa convinzione? Una comprensione filosofica dell’arte.

La ricerca della definizione di arte è intrisa di secoli di dibattito. Il filosofo greco Platone credeva che l’arte fosse essenzialmente un riflesso di un riflesso di ciò che è reale. Ma il suo punto di vista è ampiamente contestato, e poiché dobbiamo iniziare da qualche parte, dobbiamo puntare a una comprensione che riconosca la storia e la diversità del pensiero e della cultura globale.

Parafrasando la Stanford Encyclopedia of Philosophy ci porta qui:

L’arte esiste ed è esistita in ogni cultura umana conosciuta e consiste di oggetti, performance ed esperienze che sono intenzionalmente dotate dai loro creatori di un alto grado di interesse estetico.

In virtù di questa definizione, il design è innegabilmente arte. Si può trovare in ogni cultura umana. È usato per creare oggetti, performance ed esperienze. E i designer infondono intenzionalmente quantità significative di interesse estetico nel loro lavoro.

Qui si sente l’inevitabile grido: “Aspetta! Ti sei rovinato con una sola parola. Estetica!”

I designer amano fare supposizioni radicali riguardo all’estetica, quindi permettetemi di costruire una salvaguardia.

Molto come l’arte, il concetto di estetica è un campo complicato del pensiero filosofico e non può essere ridotto allo stereotipo del designer che significa “rendere le cose belle”. design”:

• “È possibile determinare un giudizio estetico da uno pratico?”
• “Qual è la base su cui giudichiamo tra utilità e bellezza?”
• E, “Come sono influenzate dal tempo, dalla cultura e dall’esperienza di vita le convinzioni fondamentali in base alle quali esprimiamo giudizi estetici?”

Ecco il mio punto: nel mondo del design contemporaneo, l’arte è stata definita in modo ristretto e ingiustamente ridotta a una patetica caricatura ad acquerello. I designer hanno gonfiato con leggerezza il significato delle loro discipline (che variano nella sostanza in modo comico) rispetto a secoli di pratica artistica, indagine filosofica e comprensione culturale. Il design è arte. L’arte è design. Senza eccezioni.

Miklos: Il design deve soddisfare una funzione. Non arte.

Prima di tutto, dobbiamo separare di che tipo di design stiamo parlando. Capisco che nel caso del design grafico, dell’illustrazione e del branding forse il design è in qualche modo “arte”, ma se stiamo parlando di design più funzionale – come il design digitale del prodotto o il design industriale – dobbiamo andare molto più in profondità, e diventa chiaro: il design non è “arte”. Andando oltre la superficie, un designer scopre inevitabilmente che il grande design consiste piuttosto nel fornire soluzioni ai problemi.

Il design è un processo, non arte.

Come UX designer, ho sempre bisogno di scavare più a fondo, oltre la facciata che si potrebbe chiamare un potenziale “design” e guardare il quadro generale in modo olistico: il pubblico target, gli scenari dei casi d’uso, il contesto e il dispositivo a cui il design è destinato: Dalla TV al mobile, dai desktop ai tablet, ai bancomat, ecc. E quando si tratta di design di prodotto, non dimentichiamo la validazione e i test di usabilità. Se il design fosse solo arte, come si potrebbe testarlo?

Se il design fosse solo arte, che dire delle euristiche di usabilità? I concetti di usabilità dell’UX come feedback, coerenza e standard, prevenzione degli errori, controllo dell’utente, flessibilità e prevedibilità sono fuori dalla finestra? Il design non è lì per servire le persone? Se vuoi essere un artista, fallo, ma non chiamarti designer. Sii un pittore o uno scultore.

“C’è bellezza quando qualcosa funziona e funziona intuitivamente”, dice Jonathan Ive.

La parte del “lavorare intuitivamente” da sola non può essere raggiunta dall'”arte”; è guidata dalla ricerca e dal test degli utenti. Un buon design è anche guidato dai dati. Inoltre, nel prossimo futuro, l’IA trasformerà il modo in cui il design viene fornito. Sarà super-personalizzato e anticipatore. Il design come “arte” sarà in grado di farlo? Non credo.

Non si può dire che progettare l’interfaccia di un distributore automatico di biglietti sia “arte”. Sicuramente l’estetica e il design emozionale entrano in gioco – come altri articoli del Toptal Design Blog hanno menzionato prima – perché l’estetica gioca un ruolo nel design nella misura in cui i design con un’estetica migliore fanno sembrare che un prodotto “funzioni meglio”. Ma comunque, la funzione del design e il contesto d’uso devono essere presi in considerazione.

Per esempio, nel seminale libro di Don Norman “The Design of Everyday Things”, egli parla di design e del concetto di affordance. (Il concetto di affordance è stato coniato dallo psicologo percettivo James J. Gibson nel suo rivoluzionario libro The Ecological Approach to Visual Perception). Norman scrive:

Le affordance forniscono forti indizi sulle operazioni delle cose. Le piastre servono per spingere. Le manopole servono per girare. Le fessure servono per inserire le cose. Le maniglie servono a sollevare. Le palle servono per lanciare o far rimbalzare. Quando le affordance sono sfruttate, l’utente sa cosa fare semplicemente guardando: non servono immagini, etichette o istruzioni.

Quindi, le affordance sono “proprietà percepite” di una funzione nel design, e devono essere segnalate all’utente con “significanti”, che forniscono indizi all’utente dell’esistenza di una possibile interazione. Non so come si potrebbe sposare i concetti di affordance e significanti con l'”arte”. Sono concetti essenziali del design dell’interazione nell’ambito dell’HCI (interazione uomo-computer). Non hanno niente a che fare con l’arte.

Come UX designer, rifiuto la nozione. Voglio dire, potete immaginare un distributore automatico di biglietti disegnato in stile cubista da Picasso? Non dico che non sarebbe interessante, ma non sarebbe molto efficace o funzionale.

Cosa è il buon design?

Micah: L’arte risolve i problemi. Il “buon design” è semplicemente un percorso verso una soluzione.

Un distributore automatico di biglietti nel cubismo di Picasso? Questo sì che sarebbe un buon design! Posso immaginare le mani di un artista capace di sfruttare la dissonanza stilistica del cubismo in una gerarchia visiva chiaramente definita che delizia gli utenti con punti di interazione inequivocabili. Finalmente, potremmo dire addio ai blandi e confusi santuari di pulsanti a cui siamo tutti abituati.

Interessante, una tale idea non è senza precedenti. Nelle città di tutto il mondo, installazioni di arte pubblica sono state usate per migliorare esperienze precedentemente trascurate o confuse dal design. Il sentiero di Van Gogh, creato dall’artista olandese Daan Roosegaarde, è un esempio perfetto.

Ispirato da La notte stellata di Van Gogh, il percorso attraversa Nuenen, NL (città dove l’artista visse nel 1880) ed è composto da migliaia di piccole rocce dipinte che catturano l’energia del sole durante il giorno e si illuminano di notte.

Se il progetto comprendesse solo questo, sarebbe poco più di un bell’effetto luminoso, ma la portata della visione artistica di Roosegaarde è molto più ampia. Van Gogh Path è una prova di concetto all’interno di un progetto più ampio chiamato SMART HIGHWAY, uno sforzo ambizioso che mira a reinventare il paesaggio olandese implementando un sistema sostenibile di strade luminose e interattive.

Il risultato? L’arte e gli artisti hanno la capacità di risolvere problemi sostanziali.

La soluzione dei problemi richiede conoscenza, esperienza, abilità, ricerca, rischio e comprensione del comportamento umano, ma sfortunatamente molti designer non riescono a riconoscere che gli artisti impiegano una metodologia di problem-solving nel loro lavoro – anche se gli artisti perseguono sistematicamente soluzioni creative da secoli, molto prima che la distinzione di “designer” andasse di moda.

Abbiamo bisogno di prove?

Ancora una volta, guardiamo a un artista olandese, il maestro della luce e pittore della Ragazza con l’orecchino di perla, Johannes Vermeer. Vermeer visse nella metà del XVII secolo, ebbe un successo modesto come pittore e morì sotto una montagna di debiti. Quasi due secoli dopo la sua morte, tuttavia, l’opera di Vermeer fu riscoperta e la sua posizione come uno dei grandi pittori di tutti i tempi fu cementata negli annali della storia dell’arte.

Ma accadde una cosa strana. Più la gente studiava Vermeer e il suo lavoro, più si rendeva conto che i suoi dipinti e il suo processo erano veramente diversi da quelli di qualsiasi altro artista. Come mai?

• Vermeer non ha avuto una formazione artistica formale e apparentemente non ha fatto un apprendistato come pittore.
• Il suo corpo di lavoro è piuttosto piccolo, composto da meno di 50 dipinti totali.
• Non ha mai avuto allievi o apprendisti propri.
• Quasi tutti i dipinti di Vermeer sono stati messi in scena in una delle due stanze della sua casa.
• Non ci sono disegni preparatori superstiti o schizzi attribuiti a Vermeer.
• I raggi X dei dipinti di Vermeer non rivelano alcun disegno o correzione compositiva.
• I suoi dipinti contengono distorsioni di luce e prospettiva che possono essere viste solo attraverso lenti artificiali.
• E infine, Vermeer era un amico intimo di Antonie van Leeuwenhoek, uno scienziato olandese noto per il suo lavoro pionieristico nel campo delle lenti e della microscopia.

Cosa significa tutto questo? Vermeer ha probabilmente usato una forma avanzata, e ancora sconosciuta, di camera oscura per creare i suoi capolavori. Questa è una teoria controversa, ma ci sono ampie prove da più fonti per sostenere tale affermazione.

Come è rilevante per il nostro dibattito? Vermeer ha inventato un apparato e un processo che è passato inosservato e non replicato per oltre 350 anni e gli ha permesso di creare alcuni dei dipinti più iconici e tecnicamente squisiti del mondo senza alcuna formazione formale. Questo è l’apice del problem solving.

Il design è una forma d’arte, un metodo di espressione umana che segue un sistema di procedure altamente sviluppate per dare significato a oggetti, performance ed esperienze. Come tutte le forme d’arte, il design ha il potenziale per risolvere i problemi, ma non c’è alcuna garanzia che lo farà.

Più di ogni altra cosa, voglio che i designer si rendano conto che l’arte non è una sottocultura asinina di rifiuti del design preoccupati di dipingere con le dita i loro sentimenti. Infatti, una visione bassa dell’arte è anche una visione bassa del design, della scienza, della storia e della cultura che limita fortemente il potenziale creativo e il progresso interdisciplinare.

Alla fine della giornata, l’arte risolve i problemi. Il “buon design” è semplicemente un percorso verso una soluzione.

Miklos: Un buon design è imparziale e fornisce ciò di cui la gente ha bisogno.

Nota che non ho detto “ciò che la gente vuole” come la canzone dei Rolling Stones che dice: “Non puoi sempre ottenere ciò che vuoi…ottieni ciò di cui hai bisogno”. La gente non sempre sa cosa vuole, sta ai designer capire esattamente di cosa hanno bisogno.

A proposito, come fanno i quadri a risolvere i problemi? Non riesco a capirlo.

Il buon design è soggettivo fino a un certo punto, ma a mio parere il “buon design” viene capito lungo la strada in un processo di design iterativo con un sacco di validazione/test. È il “design thinking”. Esiste da decenni. È qualcosa che funziona e basta, dove le cose si uniscono nel modo giusto, al momento giusto, nel momento giusto.

Il buon design non è sicuramente solo arte o estetica. Questa è solo la superficie. Un buon design dovrebbe essere giudicato da diversi fattori come la base di utenti prevista, l’ambiente, il contesto d’uso, il mezzo e il dispositivo su cui deve apparire. Per esempio, nel caso di un distributore automatico di biglietti, l’estetica può non essere così importante – le persone hanno bisogno di fare delle cose e le cose devono semplicemente funzionare per loro. Deve essere super funzionale, veloce ed efficiente.

Un buon design nella mia mente è un design che è bilanciato nel modo giusto tra estetica e design dell’interazione. Per continuare a usare l’esempio di un distributore automatico di biglietti, in quello scenario, l'”aspetto” è meno importante e dovrebbe prendere la parte appropriata in termini di importanza sulla scala di bilanciamento, e l’usabilità e l’interaction design (design funzionale) dovrebbero prendere la parte più grande.

Potremmo anche contrapporre il “buon design” al “cattivo design”. Il cattivo design è un pandemonio. È disordine. Può essere frustrante o fastidioso. Rallenta le persone e le prosciuga emotivamente. Può essere effettivamente brutto, o semplicemente irrilevante e quindi non degno dell’attenzione di nessuno. Per il tuo pubblico, un cattivo design è un impedimento invece che un potenziamento.

Il design è soggettivo o oggettivo?

Miklos: È un mix di entrambi in proporzioni variabili.

Arte e design sono inestricabilmente combinati. Considero il design come uno sforzo olistico che include “l’arte”. Il design è sia soggettivo che oggettivo, ma dovrebbe essere principalmente oggettivo. Un’adeguata oggettività del design si ottiene attraverso la ricerca dell’utente (definendo la base di utenti target, conoscendo gli utenti del prodotto, osservando il contesto d’uso), lavorando attraverso i passi essenziali di un processo di design centrato sull’utente (UCD) e il test dell’utente.

Un design può nascere dalla mente di un brillante designer, ma il suo uso pratico deve ancora essere convalidato. Se il design fosse solo soggettivo, non ci sarebbe bisogno di test di usabilità (che molto probabilmente farebbe arrabbiare il designer perché scoprirebbe che il design non funziona). Il design verrebbe da una sola persona che, per me, è un’idea ridicola e arretrata. I designer che sono soggettivi al 100% sono arroganti.

Tuttavia, una piccola percentuale di soggettività entra in gioco – l’estetica gioca un ruolo, ed è forse qui che avviene il design emozionale. Questo è il passo in cui la sensibilità, l'”arte” e la soggettività del designer vengono portate in primo piano. I grandi designer “vestono” o “mettono una facciata” sul design funzionale sottostante per creare qualcosa che funziona su tutti i livelli emotivi – viscerale, comportamentale e riflessivo – per fornire un prodotto con una UX sorprendente.

Alcuni designer credono che un buon design debba essere oggettivo. Io non ci credo. C’è un tocco di genio nel design di Starck o di Jonathan Ive. Portano un pizzico di soggettività nei loro design che ha a che fare con il gusto. Uno dei più grandi insulti di Steve Jobs è stato quello di accusare qualcuno di non avere gusto.

Micah: L’arte e tutte le sue discipline (design incluso) combinano oggettività e soggettività.

Non sono sicuro di come sia successo, Miklos, ma sembra che abbiamo trovato una sorta di terreno comune, e sono piacevolmente sorpreso.

L’arte e tutte le sue discipline, incluso il design, richiedono un mix di oggettività e soggettività. Certo, ci saranno designer che sgraneranno gli occhi e dichiareranno: “L’arte è puramente soggettiva. Può significare cose diverse per persone diverse”. L’ovvio contrappunto? “Lo stesso vale per il design!”

Ma guardiamo più da vicino.

Quando i designer affermano che l’arte deve essere soggettiva, di solito si riferiscono al modo in cui le persone giudicano il risultato degli sforzi di un artista. Questo modo di pensare l’arte pone un’enfasi suprema sui risultati. In altre parole, l’arte è uguale a oggetti, performance ed esperienze. L’arte è un dipinto. L’arte è una danza. L’arte è uno spettacolo di luci.

Vista in questo modo, l’arte è soggettiva. Io penso che l’American Gothic sia inquietante, ma tu lo trovi stimolante. Penso che una Eames Chair sia di classe, ma tu la trovi kitsch. Penso che l’interfaccia di WhatsApp sia confusa, ma non hai mai visto niente di più elegante. L’arte è un risultato, i risultati sono aperti all’interpretazione, e tutti hanno ragione!

Per fortuna, la definizione di arte che ho proposto all’inizio di questo dibattito è più sfumata, quindi rinfreschiamo la memoria:

L’arte esiste ed è esistita in ogni cultura umana conosciuta e consiste in oggetti, performance ed esperienze che sono intenzionalmente dotate dai loro creatori di un alto grado di interesse estetico.

Nota le parole in grassetto. Gli artisti “dotano intenzionalmente” il loro lavoro di un alto grado di significato. In altre parole, essi consapevolmente migliorano o arricchiscono intenzionalmente. C’è l’intento sposato all’azione.

Compreso più pienamente, l’arte non è un risultato. L’arte è un processo, e il processo dell’arte trabocca di oggettività.

Non siete d’accordo? Considerate i secoli di pratiche ripetibili, strumenti standardizzati, reazioni chimiche e scoperte scientifiche che si devono all’arte. Nella misura in cui possono esistere realtà indipendenti dalla mente (la definizione di oggettività), l’arte è oggettiva perché dipende dal processo.

Se un artista della ceramica inforna un piatto senza prima lasciarlo asciugare, esploderà.

Se un pianista mette le dita sui tasti giusti, suonerà l’accordo voluto.

Se un web designer sceglie i Dingbats per il corpo del testo, ampie porzioni del sito del suo cliente saranno illeggibili.

Il grande risultato, Miklos, è che sono quasi sempre d’accordo con te. L’arte, e quindi il design, è un miscuglio di oggettività e soggettività cosparso di abbastanza ambiguità da mantenere questo dibattito Arte vs. Design acceso per gli anni a venire.

Conclusione

Non è affatto chiaro che queste parole-‘Cos’è l’arte?’ – esprimano qualcosa di simile a un’unica domanda, a cui vengono date risposte concorrenti, o che i filosofi che propongono risposte siano addirittura impegnati nello stesso dibattito… La grande varietà di definizioni proposte dovrebbe farci riflettere. – Kendall Walton

Al loro livello più fondamentale, sia l’arte che il design cercano di comunicare qualcosa, e quali che siano le differenze, o se classificate come arte bella, commerciale o applicata, al loro meglio, entrambe le forme suscitano una risposta emotiva.

Si è sostenuto che la differenza tra arte bella e arte applicata è il contesto e ha più a che fare con i giudizi di valore espressi sul lavoro stesso che con qualsiasi distinzione indiscutibile tra le due discipline. Inoltre, paragonare “arte” e “design” è, sebbene sia un’impresa nobile, forse un quixotico, dato che nessuno dei due può essere definito in modo assoluto perché sono sempre in cambiamento – i confini sono costantemente spinti e si spera continueranno ad esserlo nel futuro. Questo dibattito, dopo tutto, è senza tempo.

Come decidiamo cosa è arte e cosa è design, e perché la relazione tra i due è così fratturata? È la differenza tra ciò che è funzionale (design) e ciò che non è funzionale (arte) che crea il dissenso? Un tavolino di Noguchi o una sedia di Rennie Mackintosh sono semplicemente oggetti funzionali o è arte che ha una funzione?

L’architetto, artista e designer Charles Rennie Mackintosh fu uno dei primi sostenitori dell’arte-architettura integrata. Credeva nella pura integrazione di forma e funzione e cercò per tutta la sua carriera di portare avanti la teoria della “stanza come opera d’arte”

Frank Lloyd Wright credeva così fortemente nell’unità di forma e funzione che cambiò l’assioma spesso frainteso “la forma segue la funzione” coniato dal suo mentore Louis Sullivan in “forma e funzione sono una cosa sola”. Il suo piano per il Guggenheim “…era di fare dell’edificio e dei dipinti una bella sinfonia come non era mai esistita prima nel mondo dell’arte.”

In conclusione, non è l’arte contro il design, ma l’unità dei due che è al centro di ogni design superiore. In altre parole, il buon design incorpora l’arte.