Forse il più grande sviluppo musicale del periodo barocco è la creazione di un nuovo genere di musica vocale: l’opera. Come la maggior parte dei generi di quest’epoca, l’opera subisce una significativa evoluzione stilistica dalle sue origini all’inizio del 1600 fino all’opera seria di Handel nel 1730. Si prega di prestare particolare attenzione ai seguenti termini (se volete saperne di più, seguite i link): libretto, recitativo (entrambe le forme: secco e accompagnato), e aria.

Introduzione

L’opera (plurale inglese: operas; plurale italiano: opere) è una forma d’arte in cui cantanti e musicisti eseguono un lavoro drammatico combinando un testo (chiamato libretto) e una partitura musicale, di solito in un ambiente teatrale. L’opera incorpora molti degli elementi del teatro parlato, come la recitazione, la scenografia e i costumi e talvolta include la danza. La performance è tipicamente data in un teatro d’opera, accompagnata da un’orchestra o da un piccolo ensemble musicale.

Figura 1. Il Palais Garnier dell’Opéra di Parigi, uno dei teatri d’opera più famosi del mondo

L’opera fa parte della tradizione della musica classica occidentale. Ha avuto inizio in Italia alla fine del XVI secolo (con la Dafne perduta di Jacopo Peri, prodotta a Firenze nel 1598) e si è presto diffusa nel resto d’Europa: Schütz in Germania, Lully in Francia e Purcell in Inghilterra hanno tutti contribuito a stabilire le loro tradizioni nazionali nel XVII secolo. Nel XVIII secolo, l’opera italiana continuò a dominare la maggior parte dell’Europa (eccetto la Francia), attirando compositori stranieri come Handel. L’opera seria era la forma più prestigiosa dell’opera italiana, finché Gluckreagì contro la sua artificiosità con le sue opere “di riforma” negli anni 1760. Oggi la figura più rinomata dell’opera del tardo 18° secolo è Mozart, che iniziò con l’opera seria ma è più famoso per le sue opere comiche italiane, specialmente Le nozze di Figaro (Le Nozze di Figaro), Don Giovanni e Così fan tutte, così come Il flauto magico (Die Zauberflöte), una pietra miliare nella tradizione tedesca.

Terminologia operistica

Le parole di un’opera sono note come libretto (letteralmente “piccolo libro”). Alcuni compositori, in particolare Richard Wagner, hanno scritto i propri libretti; altri hanno lavorato in stretta collaborazione con i loro librettisti, ad esempio Mozart con Lorenzo Da Ponte. L’opera tradizionale, spesso chiamata “opera numero”, consiste in due modi di cantare: recitativo, i passaggi che guidano la trama cantati in uno stile progettato per imitare ed enfatizzare le inflessioni del discorso, e aria (un'”aria” o canzone formale) in cui i personaggi esprimono le loro emozioni in uno stile melodico più strutturato. Duetti, trii e altri ensemble si verificano spesso, e i cori sono usati per commentare l’azione. In alcune forme di opera, come il Singspiel, l’opéra comique, l’operetta e la semi-opera, il recitativo è per lo più sostituito dal dialogo parlato. I passaggi melodici o semimelodici che si verificano nel mezzo di, o al posto del recitativo, sono anche chiamati ariosi. Durante il periodo barocco e classico, il recitativo poteva apparire in due forme fondamentali: recitativo secco, cantato con un ritmo libero dettato dall’accento delle parole, accompagnato solo dal continuo, che di solito era un clavicembalo e un violoncello; o accompagnato (noto anche come strumentato) in cui l’orchestra forniva l’accompagnamento. Nel diciannovesimo secolo, l’accompagnato aveva preso il sopravvento, l’orchestra giocava un ruolo molto più grande, e Richard Wagner rivoluzionò l’opera abolendo quasi tutte le distinzioni tra aria e recitativo nella sua ricerca di ciò che lui definì “melodia infinita”. I compositori successivi hanno avuto la tendenza a seguire l’esempio di Wagner, anche se alcuni, come Stravinsky nel suo The Rake’s Progress, si sono opposti alla tendenza. La terminologia dei vari tipi di voci operistiche è descritta in dettaglio qui sotto.

Origini

La parola italiana opera significa “lavoro”, sia nel senso del lavoro fatto che del risultato prodotto. La parola italiana deriva dal latino opera, un sostantivo singolare che significa “lavoro” e anche il plurale del sostantivo opus. Secondo l’Oxford English Dictionary, la parola italiana fu usata per la prima volta nel senso di “composizione in cui si combinano poesia, danza e musica” nel 1639; il primo uso inglese registrato in questo senso risale al 1648.

Dafne di Jacopo Peri fu la prima composizione considerata opera, come intesa oggi. Fu scritta intorno al 1597, in gran parte sotto l’ispirazione di un circolo elitario di letterati umanisti fiorentini che si riunivano come la “Camerata de’ Bardi”. Significativamente, Dafne era un tentativo di far rivivere il dramma greco classico, parte del più ampio revival dell’antichità caratteristico del Rinascimento. I membri della Camerata ritenevano che le parti del “coro” dei drammi greci fossero originariamente cantate, e forse anche l’intero testo di tutti i ruoli; l’opera fu quindi concepita come un modo per “ripristinare” questa situazione. Dafne è purtroppo perduta. Un lavoro successivo di Peri, Euridice, risalente al 1600, è la prima partitura d’opera sopravvissuta fino ai giorni nostri. L’onore di essere la prima opera ancora regolarmente rappresentata va però a L’Orfeo di Claudio Monteverdi, composto per la corte di Mantova nel 1607. La corte mantovana dei Gonzaga, datori di lavoro di Monteverdi, ha giocato un ruolo significativo nell’origine dell’opera impiegando non solo cantanti di corte del concerto delle donne (fino al 1598), ma anche una delle prime vere “cantanti d’opera”: Madama Europa.

L’era barocca

Figura 2. Teatro Argentina (Panini, 1747, Musée du Louvre)

L’opera non rimase a lungo confinata al pubblico di corte. Nel 1637, l’idea di una “stagione” (Carnevale) di opere pubbliche sostenute dalla vendita dei biglietti emerse a Venezia. Monteverdi si era trasferito in città da Mantova e compose le sue ultime opere, Il ritorno d’Ulisse in patria e L’incoronazione di Poppea, per il teatro veneziano negli anni 1640. Il suo più importante seguace, Francesco Cavalli, contribuì a diffondere l’opera in tutta Italia.

In queste opere del primo barocco, la commedia di ampio respiro si fondeva con elementi tragici in un mix che urtava alcune sensibilità colte, scatenando il primo dei molti movimenti di riforma dell’opera, promosso dall’Accademia dell’Arcadia, che venne associata al poeta Metastasio, i cui libretti aiutarono a cristallizzare il genere dell’opera seria, che divenne la forma principale dell’opera italiana fino alla fine del XVIII secolo. Una volta che l’ideale metastasiano fu saldamente stabilito, la commedia nell’opera dell’epoca barocca fu riservata a quella che venne chiamata opera buffa. Prima che tali elementi venissero esclusi dall’opera seria, molti libretti presentavano una trama comica che si svolgeva separatamente come una sorta di “opera nell’opera”. Una ragione per questo era un tentativo di attrarre i membri della crescente classe mercantile, recentemente ricca, ma non ancora colta come la nobiltà, nei teatri d’opera pubblici. Queste trame separate furono quasi immediatamente resuscitate in una tradizione che si stava sviluppando separatamente e che derivava in parte dalla commedia dell’arte, una tradizione teatrale improvvisata e fiorente in Italia.

Come una volta gli intermezzi venivano eseguiti tra un atto e l’altro dei drammi teatrali, le opere nel nuovo genere comico degli “intermezzi”, che si svilupparono in gran parte a Napoli negli anni 1710 e 20, furono inizialmente messe in scena durante gli intervalli dell’opera seria. Divennero così popolari, tuttavia, che presto vennero offerti come produzioni separate.

L’opera seria era elevata nel tono e altamente stilizzata nella forma, solitamente consistente in recitativi secchi intervallati da lunghe arie da capo. Queste offrivano grandi opportunità per il canto virtuosistico e durante il periodo d’oro dell’opera seria il cantante diventava davvero la star. Il ruolo dell’eroe era solitamente scritto per la voce del castrato; castrati come Farinelli e Senesino, così come soprani femminili come Faustina Bordoni, divennero molto richiesti in tutta Europa mentre l’opera seria dominava la scena in ogni paese eccetto la Francia. Infatti, Farinelli fu uno dei cantanti più famosi del XVIII secolo. L’opera italiana stabilì lo standard barocco. I libretti italiani erano la norma, anche quando un compositore tedesco come Handelfound componeva per il pubblico di Londra opere come Rinaldo e Giulio Cesare. I libretti italiani rimasero dominanti anche nel periodo classico, per esempio nelle opere di Mozart, che scrisse a Vienna verso la fine del secolo. I principali compositori di opera seria nati in Italia includono Alessandro Scarlatti, Vivaldi e Porpora.