Schiele’s portretkunst en narcisme
Schiele was geobsedeerd door zijn eigen gezicht (dubbele en drievoudige zelfportretten) en vooral door zijn lichaam, zoals hij dat ook was door dat van zijn modellen, die vaak erg jong waren. De behandeling is scherp en nerveus, met felle kleuren (Zittend mannelijk naakt, pen en gouache, 1910, Wenen, privé-verzameling; Naakte man met wijd gespreide benen, 1914, potlood en gouache, Albertina). Het accent ligt op de geslachtsdelen, de kadaverachtige gezichten, de wijd gespreide en gestrekte vingers, de poses van geliefden die in een laatste kramp aan elkaar zijn gelast (Zelfportret met gespreide vingers, 1911, Historisches Museum der Stadt, Wenen; Twee geliefden, 1913, privé-collectie).
Schiele’s schilderen was intens uniek en individueel. Het concentreert zich op fysiek intense onderwerpen, voornamelijk portretten (waaronder veel zelfportretten tegen het einde van zijn leven). Zijn figuren lijken geïsoleerd, hun lichamen verkrampt, hun gezichten afgestompt, in gedachten verzonken. Door zijn onderwerp te vervormen en gebruik te maken van verkorte technieken elimineerde hij vaak hun ledematen, wat een gevoel van onthutsing versterkt. De vrouwen zijn openlijk fysiek en confronterend, ze openen hun benen voor de kunstenaar en de toeschouwer. Zelfs vandaag de dag kan zijn werk behoorlijk schokkend overkomen – laat staan 100 jaar geleden!
Op authentieker wijze dan bij Edvard Munch (1863-1944) zijn liefde en dood in Schiele’s wereld met elkaar verbonden. Bepaalde gecompliceerde poses zijn ontleend aan beeldhouwers als Georges Minne (1866-1941) en Auguste Rodin (1840-1917), en sommige thema’s aan Munch (1863-1944) (Dode moeder I, 1910, Wenen, privé-collectie) en aan Van Gogh (1853-90) (Zonnebloemen; De kamer van de kunstenaar in Neulengbach, 1911, Historisches Museum der Stadt, Wenen), maar de tweedimensionale compositie en de toets, zowel frêle als strak, zijn enorm effectief.
evangenisstraf
Zoals het was, lokte het compromisloze karakter van zijn olieverfschilderij felle tegenstand uit en bezorgde de kunstenaar drie weken gevangenisstraf (april-mei 1912), wat een diepgaand effect op hem had (Zelfportret als gevangene, potlood en aquarel, 1912, Albertina). Zijn kunst werd echter erkend door andere kunstenaars en mensen uit progressieve kringen. Enkele van zijn andere portretschilderijen zijn Zwangere vrouw en de dood (1910, Narodni Galerie, Praag); Zelfportret met zwarte vaas (1911, Historiches Museum der Stadt, Wenen); Agony (1912, Pinakothek, München); Dood en meisje (1915, Osterreichisches Galerie, Wenen); en Zittende vrouw met opgetrokken benen (1917, Narodni Galerie, Praag).
Landschapsschilderijen
Sommige van Schiele’s landschapsschilderijen vertonen dezelfde spanning als zijn naakten (Herfstboom, 1909, Hessisches Landesmuseum, Darmstadt). Sommige, met een rustiger realisme (Vier bomen, 1917, Osterreichische Galerie), doen denken aan die van Ferdinand Hodler (1853-1918). Nogal wat schilderijen, geïnspireerd door de oude stad Krumau, hebben een geometrische compositie en een kleurstelling die vooruitlopen op de lyriek van Paul Klee (18791940) (Vensters, 1914, Osterreichische Galerie, Wenen; Landschap bij Krumau, 1916, Galerie voor Moderne Kunst, Linz).
Eindjaren: Huwelijk, commercieel succes
In 1915 trouwde Schiele en begon hij gevoelige portretten van zijn nieuwe vrouw te schilderen, die een meer naturalistische benadering vertonen. Deze stijl vond steeds meer bijval en in de daaropvolgende jaren kreeg hij steeds meer opdrachten voor portretkunst. Tegen 1918 begon hij een voorheen ongrijpbaar, commercieel succes te kennen. Hij werd uitgenodigd om deel te nemen aan de 49ste tentoonstelling van de Secession, die in Wenen werd gehouden en een triomfantelijk succes werd. Helaas was zijn geluk sneller op dan hij had kunnen wensen. Later dat jaar kregen hij en zijn zwangere vrouw de Spaanse griep en stierven binnen 3 dagen na elkaar (samen met 20 miljoen andere Europeanen die stierven in de griep-epidemie). Zijn laatste expressionistische portretten staan dicht bij Klimt in hun gevoel voor groter volume en hun zorg voor een minder misbruikte werkelijkheid (Portret van Albert Paris Von Gutersloh, 1918, Minneapolis Institute of Arts; De familie, 1918, Osterreichische Galerie, Wenen).
Reputatie als kunstenaar
Een belangrijke exponent van het Oostenrijkse expressionisme, samen met Klimt en Oskar Kokoschka (1886-1980) (wiens ‘psychologische portretten’, geschilderd in dezelfde tijd als de zijne, een minder indringende wreedheid laten zien), ging Schiele verder dan de erotiek van Die Brucke door zijn onverbiddelijke weigering om concessies te doen, en zijn heldere beoordeling van anderen en van zichzelf.
Geschaard onder de top 20ste eeuwse portretkunstenaars, is Schiele’s kunst tijdloos hedendaags. Hoewel hij slechts 28 jaar leefde, was hij enorm productief en schilderde hij meer dan 300 schilderijen en duizenden werken op papier. Juist de dingen die zijn kunst in zijn beginjaren impopulair maakten – de lelijke verwrongen lichamen, persoonlijke angst en onthulde erotiek – zijn precies de kwaliteiten die ervoor hebben gezorgd dat zijn kunst is blijven bestaan. Hij zag de menselijke figuur of geest eerder als een dier dan als een moreel mens, en drong aan op absolute vrijheid voor creatieve individualiteit en zelfbeschikking.
Als een maatstaf voor zijn status als een van de top moderne kunstenaars, bracht een van zijn mindere werken, verwelkte zonnebloemen, 10,7 miljoen dollar op bij Christie’s in 2006. Zie ook: Duurste schilderijen: Top 20.
Verzamelingen
Nu wordt hij beschouwd als een van de grootste van alle 20e-eeuwse schilders van het representatieve genre. Schiele’s unieke schilderijen en tekeningen hangen in de beste kunstmusea over de hele wereld. Als sleutelfiguur binnen de expressionistische beweging in Oostenrijk, is hij bijzonder goed vertegenwoordigd in Wenen, vooral in de Osterreichische Galerie en de Albertina, in Wenen.