De feitelijke textuur verwijst naar de tactiele kwaliteiten van het fysieke oppervlak van het object. Met andere woorden, hoe voelt het oppervlak van het werk aan als je het aanraakt?
Textuur in driedimensionale kunst
Textuur is een van de meest fundamentele elementen van driedimensionale kunst. Het is een element dat door beeldhouwers zorgvuldig moet worden overwogen. Textuur houdt verband met het gebruikte materiaal – marmer, hout, klei, brons, messing, ijzer, staal of gips bijvoorbeeld – en met het procédé: gieten, snijden, construeren of lassen. Naast het materiaal en het procédé biedt de uiteindelijke oppervlaktebehandeling nog meer textuurmogelijkheden. Deze omvatten patineren (chemisch veranderen van het oppervlak van metaal), schilderen, beitsen, bleken, vernissen, polijsten, in de was zetten, schuren, polijsten, schroeien, tikken op het oppervlak met verschillende gereedschappen om textuur toe te voegen, en het gebruik van een slijpmachine om ruwe texturen en lasnaden glad te maken, naast andere dingen.
Portret hoofden van Benin koningshuizen
Hoofd van een Oba, 16e eeuw (ca. 1550)
Nigeria; Edo-volkeren, hof van Benin
Messing H. 9 1/4 in. (23,5 cm)
Metropolitan Museum of Art The Michael C. Rockefeller Memorial Collection, Bequest of Nelson A. Rockefeller, 1979 (1979.206.86)
Bron: Head of an Oba (1979.206.86) | Heilbrunn Timeline of Art History | The Metropolitan Museum of Art
Deze sculptuur is een voorbeeld van metaalgieten. Er wordt een mal gemaakt en gesmolten metaal wordt erin gegoten, waarna men het laat afkoelen alvorens het te verwijderen. De meeste texturale elementen moeten in de mal worden gevormd voordat het metaal wordt gegoten. Vergelijk de decoratieve texturale elementen van dit portretkopje met het gladde oppervlak van de huid van de geportretteerde.
Deze portretkoppen vertegenwoordigen de lange lijn van een heersende dynastie in het 14e eeuwse Benin, in het huidige Nigeria. Hoewel de hoofden bedoeld zijn om individuele leiders te eren, zijn ze zeer gestileerd, dat wil zeggen, ze benadrukken de regalia die het koningschap symboliseren in plaats van onderscheidende kenmerken.
Power figures
Power Figure (Nkisi Nkondi) Kongo (Solongo of Woyo subgroep) eind 19e-begin 20ste eeuw
Hout, ijzer, glas, vezels, pigment, been 24 x 6 1/2 x 8 1/2 in. (61,5 x 17,0 x 21,5 cm)
Mogelijke plaatsen van vervaardiging: Kongo Centrale Provincie, Democratische Republiek Congo, Cabinda Provincie, Angola, Zaïre Provincie, Angola
Brooklyn Museum Arts of Africa Gift van Arturo en Paul Peralta-Ramos
Deze figuren werden gemaakt door de mensen van het koninkrijk Kongo, dat de jaren van ongeveer 1400 tot 1914 omspande. Het Kongo koninkrijk bevond zich in West Centraal Afrika in het gebied dat nu Noord Angola, Cabinda, de Republiek Kongo, en de Democratische Republiek Kongo (Congo-Kinshasa) omvat.
Een nkisi nkondi, of machtsfiguur werd uit hout gesneden. Het bevatte een holte waarin voorwerpen voor magie en geneeskunde konden worden opgeborgen. Nadat het was gemaakt en gevuld met bovennatuurlijke ingrediënten, werd erop geblazen om het tot leven te wekken en vervolgens verzegeld met een spiegel. Spijkers en messen werden toegevoegd om het kwaad te vernietigen. Het gebruik van textuur gaat hier verder dan esthetiek. De texturale elementen van de nkisi nkondi bevatten kracht en worden gebruikt om anderen te beschermen. De textuur is bedoeld om te verbieden en angst op te roepen.
Deborah Butterfield: portretten van paarden
Deborah Butterfield Woodrow 1988
brons 99 x 105 x 74 in.
Minneapolis Sculpture Garden Geschenk van Harriet en Edson W. Spencer, 1988
Deborah Butterfield Aluminium Paard #5 1982
Staal en gesmolten aluminium
Aankoop Museum van San Diego Museum of Art 1990:7 © San Diego Museum of Art
Deborah Butterfield kent paarden. Ze fokt ze, op een ranch. Ze is ook beeldhouwer. Deze sculpturen van paarden zijn levensgroot, en gemaakt van verschillende materialen. In deze twee voorbeelden, is een gemaakt van aluminium, en de andere van bronzen afgietsels van takken en stukken hout. Elk beeld vertegenwoordigt en portretteert een individueel paard, dat zij heeft grootgebracht.
Jackie Winsor: industriële elementen
Jacki Winsor Paul Walter’s Piece, 1975
koper, gecreosoteerd hout overall 24 x 32 x 32 in
Minneapolis Sculpture garden Gift of Paul F. Walter, 2000
Jackie Winsor staat bekend om het gebruik van industriële materialen om beelden van beeldende kunst te maken. Vaak is er een proces dat plaatsvindt tijdens de creatie dat duidelijk wordt in het afgewerkte stuk. Sommige hedendaagse beeldhouwers hebben ervoor gekozen om in hun werk niet langer gebruik te maken van traditionele materialen zoals brons, marmer en hout, maar van gewone bouwmaterialen of industriële materialen. Hoe beïnvloedt de keuze van niet-traditionele materialen de reactie van de kijker en de betekenis van het werk? Vergelijk de texturen in dit beeld met het volgende hoogglanzende bronzen beeld.
Henry Moore: geabstraheerde figuren met een vloeiend oppervlak
Henry Moore Reclining Mother and Child, 1960-1961
brons 90 x 35 1/2 x 52 in.
Minneapolis Sculpture garden Gift van de T. B. Walker Foundation, 1963
Henry Moore staat bekend om zijn grote, abstracte figuratieve werk. Dit beeld stelt een moeder en kind voor. Hoe weerspiegelen de rondingen van de vorm, de vloeiende lijnen en de gladde gepolijste afwerking de rondingen, lijnen, huid en spieren van het menselijk lichaam? Merk op hoe het “kind” wordt gewiegd door de “moeder”. Let ook op de plekken met veel glans op verschillende delen van het beeld. Dit zijn plekken waar mensen het beeld hebben aangeraakt en gewreven. De oliën in de menselijke huid reageren met het brons.
Magdalena Abakanowicz: sterk getextureerde geabstraheerde figuren
Magdalena Abakanowicz Sagacious Head 6 en Sagacious Head 7, 1989-1990
brons No. 6: 98 1/2 x 187 x 108 1/4 in. Nr. 7: 101 x 202 3/4 x 100 1/2 in.
Minneapolis Sculpture Garden Aangekocht met fondsen van de Frederick R. Weisman Collection of Art, 1992
Magdalena Abakanowicz’ sculpturale werk bestaat vaak uit groepen abstracte figuratieve vormen die op elkaar lijken en soms precies op elkaar lijken. Dit paar sculpturen zijn enorm en doen denken aan reusachtige mammoetachtige wezens. De “huid” is ruw gestructureerd, en doet denken aan de huid van olifanten.
Haim Steinbach: assemblage van industriële armaturen
Haim Steinbach Beep, honk, toot, #2
Verchroomde gelamineerde houten plank met chromen theeketels en chromen vuilnisbakken, 1989
Museum of Contemporary Art San Diego Museum aankoop, International and Contemporary Collectors Fund
2004.9.a-j
© Museum of Contemporary Art San Diego
In plaats van een sculptuur te construeren, te gieten of te snijden, heeft Steinbach in dit werk eenvoudigweg voorwerpen verzameld en gerangschikt op een plank. Dit soort werk vestigt de aandacht op de relaties tussen voorwerpen en de contextuele elementen van waar ze geplaatst zijn. In dit werk wordt ook gebruik gemaakt van herhaling, of van een veelvoud van specifieke voorwerpen, wat een extra betekenislaag toevoegt. Let op de heldere glans van de textuur van het chroom.
Meret Oppenheim: visuele woordspeling
Meret Oppenheim Object Parijs, 1936.
Bont bedekte kop, schotel, en lepel, kop 10,9 cm in diameter; schotel 23,7 cm in diameter; lepel 20,2 cm lang, totale hoogte 7,3 cm.
Aankoop Museum voor Moderne Kunst. © 2011 Artists Rights Society (ARS), New York / Pro Litteris, Zürich
Van de tekst op het galerie-etiket voor de tentoonstelling The Erotic Object: Surrealistische Sculptuur uit de Collectie (24 juni 2009 – 4 januari 2010): “Dit surrealistische object is geïnspireerd op een gesprek tussen Oppenheim en de kunstenaars Pablo Picasso en Dora Maar in een Parijs café. Picasso bewonderde Oppenheims met bont beklede armband en merkte op dat je alles met bont kunt bekleden, waarop zij antwoordde: “Zelfs deze kop en schotel.” Kort daarna, toen André Breton, de leider van het surrealisme, haar vroeg deel te nemen aan de eerste surrealistische tentoonstelling gewijd aan objecten, kocht Oppenheim een theekopje, een schotel en een lepel in een warenhuis en bekleedde ze met het bont van een Chinese gazelle. Daarmee veranderde ze deftige voorwerpen die traditioneel met vrouwelijk decorum werden geassocieerd in sensueel, seksueel getint serviesgoed”. bron http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=80997
De surrealistische beweging omvatte zowel beeldhouwkunst als schilderkunst. De term surrealisme is een verkorte versie van superrealisme. Surrealisten bieden toeschouwers het onverwachte. Door objecten en beelden te creëren die echt lijken, maar dat nooit kunnen zijn, vragen ze onze aandacht voor hoe we de werkelijkheid waarin we ons bevinden zien.
Textuur in tweedimensionale kunst
Zowel twee- als driedimensionale kunst kan een daadwerkelijke textuur hebben.
Vincent Van Gogh, textuur als expressie
Vincent Van Gogh Olijfbomen 1889
Olieverf op doek 29 x 36 1/2 in. (73,66 x 92,71 cm) (doek)
Minneapolis Institute of Arts The William Hood Dunwoody Fund
Vincent va Gogh gebruikte zeer dikke en expressieve penseelstreken die in zijn schilderijen een vloeiend patroon van textuur creëren. Stel je dit schilderij voor zonder textuur. De penseelstreken maken het schilderij interessant, maar ze geven het ook energie. Het is alsof ze ons een blik gunnen in de geest van de kunstenaar en de snelle beweging van zijn gedachten en gevoelens.
Robert Rauschenberg: Combineert
Robert Rauschenberg Bed 1955
Olieverf en potlood op kussen, dekbed en laken op houten steunen, 191,5 x 80 x 20,3 cm.1 x 80 x 20,3 cm).
Museum voor Moderne Kunst Geschenk van Leo Castelli ter ere van Alfred H. Barr, Jr. © 2011 Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg Canyon, 1959
Gezamenlijk schilderij: olieverf, potlood, papier, stof, metaal, kartonnen doos, bedrukt papier, gedrukte reproducties, foto, hout, verftube, en spiegel op doek, met olieverf op zeearend, touw en kussen; 86 3/4 x 70 x 24 in.
Sonnabend Collection, New York Art © /Licensed by VAGA, New York, NY
Robert Rauschenberg begon als een Abstract Expresionist, een stroming die de nadruk legde op formele elementen in plaats van op het onderwerp, het bewijs van de beweging (expressie) van de kunstenaar in ts stijl, en het experimenteren met de kwaliteiten van verf. Rauschenberg raakte geïnteresseerd in het overstijgen van de texturale kwaliteiten van verf zelf en het incorporeren van driedimensionale objecten met hun eigen textuur. Het was ook een combinatie van tweedimensionale en driedimensionale kunst binnen hetzelfde werk. Hij noemde deze werken “combines”.
Combines overbrugden de kloof tussen de opvatting van het abstract expressionisme over de kunstenaar als een geïsoleerd visonair en de echte, banale wereld. Rauschenberg zei over zijn werk: “Schilderen heeft betrekking op zowel kunst als het leven…. (Ik probeer te handelen in die kloof tussen die twee.)”, zoals geciteerd in de galerie-etikettekst bij Rauschenberg’s Bed in het Museum of Modern Art, New York. Bron: http://www.moma.org/collection/object.php?object_id=78712
Anselm Kiefer: mixed media als herinnering en symbool van het metafysische
Anselm Kiefer The Names 1983
Olie, schellak, emulsie en vezel op doek
draag: 4205 x 2805 x 60 mm
Van de tentoonstelling Anselm Kiefer at Baltic October 8, 2010-January 16, 2011
Baltic Centre for Contemporary Art, Gateshead Quays, Gateshead, Verenigd Koninkrijk
Verworven samen met de National Galleries of Scotland via The d’Offay Donation met steun van het National Heritage Memorial Fund en het Art Fund 2008.Baltic Centre for Contemporary Art Gateshead Quays
Anselm Kiefer, Zim Zum, 1990
acryl, emulsie, krijt, schellak, as en doek op lood,
National Gallery of Art, Washington, D. C.
bron: Art Tatttler International: A Visual Arts SurveyInitiative, Editor and Publisher, Mike Miller Consulting Editor, Peregrine Honig,Consulting Editor, David Ford Artists: Woorden & Werk http://arttattler.com/archivekiefer.html
Zoals Rauschenberg combineerde Anselm Kiefer twee- en driedimensionale elementen in zijn werk. Kiefer integreerde driedimensionale en texturale elementen als een esthetische en metaforische laag in zijn schilderijen, in plaats van als een contrasterend element, zoals in het werk van Rauschenberg. Vergelijk het effect van texturale en driedimensionale elementen in het werk van de twee kunstenaars. Hoe gebruikt elke kunstenaar die elementen, en wat is het doel erachter?
Kunst die bedoeld is om aangeraakt te worden
Zekere kunstwerken zijn gemaakt om aangeraakt te worden. Sommige kunstenaars maken hun kunst opzettelijk aanraakbaar, zodat de toeschouwer het beter kan ervaren. Dit geldt ook voor sommige driedimensionale werken en kunstenaarsboeken. Kunstenaars die toestaan dat hun werk wordt aangeraakt, begrijpen dat hun werk door menselijke aanraking wordt beïnvloed, door oliën in de huid, maar zij accepteren dit zodat zij een vollediger ervaring kunnen bieden.
Er bestaat ook bezorgdheid dat mensen met een visuele handicap beperkt worden of niet in staat zijn om beeldende kunst te ervaren. Sommige kunstenaars maken kunst die bedoeld is om aan te raken in plaats van te zien. Er zijn organisaties die mensen met een visuele handicap mogelijkheden bieden om van beeldende kunst te genieten, door middel van werken die kunnen worden aangeraakt en door middel van aanpassingshulpmiddelen voor werken die niet kunnen worden aangeraakt, om een gevoel te geven van de vorm van de kunst. Een van die organisaties is Blindart. Zij beschrijven zichzelf op hun website als “een liefdadigheidsorganisatie, gevestigd in het Verenigd Koninkrijk, die tot doel heeft de deelname en interactie van visueel gehandicapten in het ziende domein van de beeldende kunst aan te moedigen. BlindArt bevordert kunstenaars, zowel ziende als visueel gehandicapte, om hun werk te laten zien door middel van wedstrijden, tentoonstellingen, beurzen, shows en particuliere opdrachten”. Link naar hun website: http://www.blindart.net/home
Publieke gedenktekens worden vaak aangeraakt, en die aanraking is een belangrijk onderdeel van de ervaring van het bezoeken ervan. Het is alsof we door het aanraken van het gedenkteken op de een of andere manier degenen kunnen aanraken die zijn heengegaan.
Het Vietnamveteranenmonument: een helende reis
Een bezoeker raakt een naam aan op The Wall bij het Vietnam Veterans’ Memorial. Gefotografeerd door en:User:Skyring 26 januari 2005 2005-08-09 (eerste versie); 2005-08-10 (laatste versie) Overgenomen van en.wikipedia; overgebracht naar Commons door User:Estoymuybueno Oorspronkelijke uploader was Skyring bij en.wikipedia GFDL-WITH-DISCLAIMERS; Vrijgegeven onder de GNU Free Documentation License
Het Vietnam Veteran’s Memorial in Washington D.C. werd ontworpen door Maya Lin om een emotionele, cathartische ervaring te zijn die genezing mogelijk zou maken. Ze maakte het gedenkteken met opzet tot een bereikbare muur met namen van overledenen. Het is ontworpen als een reis waar de bezoeker doorheen beweegt in plaats van een groot monument dat alleen van een afstand kan worden ervaren. Het is een diep ontroerende en diepgaande ervaring voor zowel degenen die een geliefde in de oorlog hebben verloren als voor degenen die dat niet hebben gedaan, omdat de aard van het ontwerp fungeert als een gedenkteken voor iedereen die ooit iemand heeft verloren. Mensen maken wrijfsels met de naam van hun geliefde om mee naar huis te nemen. Ze laten ook voorwerpen achter op de plek, zozeer zelfs dat er een museum is opgericht om de vele voorwerpen die bij de Muur zijn achtergelaten te huisvesten.