MARY CASSATT (Amerikanerin, 1844-1926)

Mary Cassatt verbrachte ihr Erwachsenenleben in Frankreich, wo sie ein fester Bestandteil der Impressionistengruppe wurde. Cassatt wurde in eine wohlhabende Familie geboren, die sich zunächst gegen ihren Wunsch, Künstlerin zu werden, wehrte. Sie verließ schließlich die Kunstschule, nachdem sie von der Sonderbehandlung der weiblichen Studenten frustriert war – sie durften keine lebenden Modelle verwenden und mussten nach Abgüssen zeichnen.

Nachdem sie mit 22 Jahren nach Paris zog, suchte Cassatt eine private Lehrstelle und verbrachte ihre Freizeit mit dem Kopieren von Gemälden alter Meister im Louvre. Cassatts Karriere nahm bereits Fahrt auf, als sie sich den Impressionisten anschloss und eine lebenslange Freundschaft mit Degas schloss. Gleichzeitig äußerte sie ihren Unmut über das formale Kunstsystem, das ihrer Meinung nach von Künstlerinnen verlangte, mit männlichen Mäzenen zu flirten oder sich mit ihnen anzufreunden, um weiterzukommen. Sie schuf ihren eigenen Karriereweg mit den Impressionisten, indem sie Werke schuf, die oft Frauen in der Rolle der Hausmeisterin zeigten. Zeit ihres Lebens setzte sich Cassatt für die Gleichberechtigung der Frauen ein und nahm sogar an einer Ausstellung zur Unterstützung des Frauenwahlrechts teil.

Cassatt malte dieses Selbstporträt, eines von nur zwei bekannten, ein Jahr nachdem Edgar Degas sie eingeladen hatte, mit den Impressionisten auszustellen. Sein Einfluss zeigt sich in dem ungewöhnlichen salbeigrünen Hintergrund, der Aufmerksamkeit für kontrastierende Komplementärfarben und der gewagten und lässigen asymmetrischen Pose der Figur. Louisine Elder (später Mrs. H. O. Havemeyer), eine junge amerikanische Kunststudentin, die Cassatt 1874 in Paris kennenlernte, erwarb dieses Werk 1879. Havemeyer wurde Cassatts große Freundin und amerikanische Mäzenin und schenkte dem Metropolitan Museum of Art einen Großteil ihrer impressionistischen Sammlung.

BERTHE MORISOT (Französin, Bourges 1841-1895)

Berthe Morisot, die als eine der großen Impressionistinnen gilt, hatte Kunst in ihren Adern. Sie wurde in eine aristokratische französische Familie geboren und war die Großnichte des berühmten Rokoko-Malers Jean-Honoré Fragonard. Zunächst stellte sie ihre Werke im angesehenen Pariser Salon aus, bevor sie sich der ersten Impressionisten-Ausstellung mit Monet, Cézanne, Renoir und Degas anschloss. Morisot hatte eine besonders enge Beziehung zu Édouard Manet, der mehrere Porträts von ihr malte, und sie heiratete schließlich seinen Bruder.

Ihre Kunst konzentrierte sich oft auf häusliche Szenen und sie arbeitete bevorzugt mit Pastell, Aquarell und Kohle. Da sie hauptsächlich in kleinen Maßstäben arbeitete, wurde ihr leichtes und luftiges Werk oft als zu „feminin“ kritisiert. Morisot schrieb in ihrem Tagebuch über ihre Kämpfe, als weibliche Künstlerin ernst genommen zu werden: „Ich glaube nicht, dass es jemals einen Mann gegeben hat, der eine Frau als gleichwertig behandelt hat, und das ist alles, worum ich gebeten hätte, denn ich weiß, dass ich genauso viel wert bin wie sie.“

GEORGIA O’KEEFFE (Amerikanerin, 1887- 1986)

Als Künstlerin an der Spitze des amerikanischen Modernismus ist Georgia O’Keeffe eine der berühmtesten Künstlerinnen der Geschichte. Ihre frühen Zeichnungen und Gemälde führten zu kühnen Experimenten in der Abstraktion, und ihre Konzentration auf die Malerei, um ihre Gefühle auszudrücken, leitete eine Ära der „Kunst um der Kunst willen“ ein. Zu ihren Lebzeiten war ihre Karriere mit der ihres Mannes Alfred Stieglitz verflochten. Während der berühmte Fotograf die Idee vertrat, dass die amerikanische Kunst der europäischen ebenbürtig sein könnte und dass weibliche Maler genauso kraftvolle Kunst schaffen könnten wie Männer, behinderte er auch die Interpretation ihrer Arbeit.

Stieglitz betrachtete Kreativität als Ausdruck von Sexualität und diese Gedanken, gepaart mit seinen intimen Porträts von O’Keeffe, trieben die Idee voran, dass ihre Nahaufnahmen von Blumen Metaphern für weibliche Genitalien seien. Ein Konzept, das die Künstlerin immer bestritten hatte, obwohl ihr Werk zweifellos sinnlich ist. O’Keeffe verbrachte einen großen Teil ihrer Karriere damit, die Interpretation ihrer Kunst als reine Reflexion ihres Geschlechts zu bekämpfen. Ihr ganzes Leben lang weigerte sie sich, an reinen Frauenausstellungen teilzunehmen, da sie einfach als Künstlerin definiert werden wollte, frei von ihrem Geschlecht.

FIDELIA BRIDGES (Amerikanerin, 1834-1923)

Als eine der wenigen Frauen, die im späten 19. Jahrhundert eine erfolgreiche Kunstkarriere machten, war Fidelia Bridges für ihre fein detaillierten Gemälde bekannt, die Blumen, Pflanzen und Vögel in ihrer natürlichen Umgebung festhielten. Obwohl sie als Ölmalerin begann, erwarb sie sich später einen Ruf als Expertin für Aquarellmalerei. In den Anfangsjahren der American Watercolor Society war sie die einzige Frau unter einer Gruppe von sieben Künstlern. Einige ihrer Arbeiten wurden als Illustrationen in Büchern und Magazinen sowie auf Grußkarten veröffentlicht.

KATE GREENAWAY (Britin, 1846-1901)

Catherine Greenaway war eine englische Künstlerin und Schriftstellerin des viktorianischen Zeitalters, die für ihre Kinderbuchillustrationen bekannt war. Ihre Ausbildung in Grafikdesign und Kunst erhielt sie zwischen 1858 und 1871 an der South Kensington School of Art und der Royal Female School of Art sowie an der Slade School of Fine Art. Sie begann ihre Karriere mit der Gestaltung von Weihnachts- und Valentinskarten für den aufkeimenden Weihnachtskartenmarkt. Im Jahr 1879 druckte der Holzschneider und Drucker Edmund Evans Under the Window, ein sofortiger Bestseller, der ihren Ruf begründete. Ihre Zusammenarbeit mit Evans setzte sich in den 1880er und 1890er Jahren fort.

Die Darstellungen von Kindern in imaginären Kostümen des 18. Jahrhunderts im Queen Anne-Stil waren in England und international äußerst beliebt und begründeten den Kate Greenaway-Stil. Innerhalb weniger Jahre nach der Veröffentlichung von Under the Window wurde Greenaways Arbeit in England, Deutschland und den Vereinigten Staaten nachgeahmt.

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