Quizás el mayor desarrollo musical del período barroco sea la creación de un nuevo género de música vocal: la ópera. Como la mayoría de los géneros de esta época, la ópera sufre una importante evolución estilística desde sus orígenes a principios del 1600 hasta la ópera seria de Haendel en la década de 1730. Presta especial atención a los siguientes términos (si quieres saber más sobre ellos, sigue los enlaces): libreto, recitativo (en sus dos formas: secco y accompagnato) y aria.
Introducción
La ópera (plural inglés: operas; plural italiano: opere) es una forma de arte en la que cantantes y músicos interpretan una obra dramática que combina texto (llamado libreto) y partitura musical, normalmente en un escenario teatral. La ópera incorpora muchos de los elementos del teatro hablado, como la actuación, la escenografía y el vestuario, y a veces incluye la danza. La representación suele realizarse en un teatro de ópera, con el acompañamiento de una orquesta o un conjunto musical más pequeño.
Figura 1. El Palacio Garnier de la Ópera de París, uno de los teatros de ópera más famosos del mundo
La ópera forma parte de la tradición musical clásica occidental. Comenzó en Italia a finales del siglo XVI (con la Dafne perdida de Jacopo Peri, producida en Florencia en 1598) y pronto se extendió por el resto de Europa: Schütz en Alemania, Lully en Francia y Purcell en Inglaterra contribuyeron a establecer sus tradiciones nacionales en el siglo XVII. En el siglo XVIII, la ópera italiana siguió dominando la mayor parte de Europa (excepto Francia), atrayendo a compositores extranjeros como Haendel. La ópera seria era la forma más prestigiosa de la ópera italiana, hasta que Gluck reaccionó contra su artificialidad con sus óperas «de reforma» en la década de 1760. En la actualidad, la figura más conocida de la ópera de finales del siglo XVIII es Mozart, que comenzó con la ópera seria pero es más famoso por sus óperas cómicas italianas, especialmente Las bodas de Fígaro (Le Nozze Di Figaro), Don Giovanni y Così fan tutte, así como La flauta mágica (Die Zauberflöte), un hito en la tradición alemana.
Terminología operística
La letra de una ópera se conoce como libreto (literalmente «librito»). Algunos compositores, especialmente Richard Wagner, han escrito sus propios libretos; otros han trabajado en estrecha colaboración con sus libretistas, por ejemplo, Mozart con Lorenzo Da Ponte. La ópera tradicional, a menudo denominada «ópera numérica», consta de dos modos de canto: el recitativo, los pasajes que conducen la trama y que se cantan en un estilo diseñado para imitar y enfatizar las inflexiones del habla, y el aria (un «aire» o canto formal) en el que los personajes expresan sus emociones en un estilo melódico más estructurado. A menudo aparecen dúos, tríos y otros conjuntos, y se utilizan coros para comentar la acción. En algunas formas de ópera, como el Singspiel, la opéra comique, la opereta y la semi-opera, el recitativo se sustituye en la mayoría de los casos por el diálogo hablado. Los pasajes melódicos o semimelódicos que se producen en medio o en lugar del recitativo también se denominan arioso. Durante el Barroco y el Clasicismo, el recitativo podía presentarse de dos formas básicas: el recitativo seco, cantado con un ritmo libre dictado por el acento de las palabras, acompañado únicamente por el continuo, que solía ser un clavicémbalo y un violonchelo; o el accompagnato (también conocido como strumentato), en el que la orquesta proporcionaba el acompañamiento. En el siglo XIX, el accompagnato se impuso, la orquesta desempeñó un papel mucho más importante y Richard Wagner revolucionó la ópera al abolir casi toda distinción entre aria y recitativo en su búsqueda de lo que denominó «melodía infinita». Los compositores posteriores han tendido a seguir el ejemplo de Wagner, aunque algunos, como Stravinsky en su The Rake’s Progress, se han opuesto a la tendencia. La terminología de los distintos tipos de voces operísticas se describe en detalle a continuación.
Orígenes
La palabra italiana ópera significa «trabajo», tanto en el sentido de la labor realizada como del resultado producido. La palabra italiana deriva del latín opera, un sustantivo singular que significa «trabajo» y también el plural del sustantivo opus. Según el Oxford English Dictionary, la palabra italiana se utilizó por primera vez en el sentido de «composición en la que se combinan la poesía, la danza y la música» en 1639; el primer uso registrado en inglés en este sentido data de 1648.
Dafne, de Jacopo Peri, fue la primera composición considerada ópera, tal y como se entiende hoy. Fue escrita alrededor de 1597, en gran parte bajo la inspiración de un círculo de élite de humanistas florentinos letrados que se reunían como la «Camerata de’ Bardi». Significativamente, Dafne fue un intento de revivir el drama griego clásico, parte del renacimiento más amplio de la antigüedad característico del Renacimiento. Los miembros de la Camerata consideraban que las partes del «coro» de los dramas griegos eran originalmente cantadas, y posiblemente incluso el texto completo de todos los papeles; la ópera se concibió así como una forma de «restaurar» esta situación. Desgraciadamente, Dafne se ha perdido. Una obra posterior de Peri, Euridice, de 1600, es la primera partitura de ópera que ha llegado hasta nuestros días. Sin embargo, el honor de ser la primera ópera que se sigue representando regularmente corresponde a L’Orfeo, de Claudio Monteverdi, compuesta para la corte de Mantua en 1607. La corte mantuana de los Gonzaga, patrones de Monteverdi, desempeñó un papel importante en el origen de la ópera empleando no sólo cantantes de la corte del concerto delle donne (hasta 1598), sino también una de las primeras «cantantes de ópera» reales: Madama Europa.
La época barroca
Figura 2. Teatro Argentina (Panini, 1747, Musée du Louvre)
La ópera no se limitó al público de la corte durante mucho tiempo. En 1637, surgió en Venecia la idea de una «temporada» (Carnaval) de óperas con asistencia de público y sostenida por la venta de entradas. Monteverdi se había trasladado a la ciudad desde Mantua y compuso sus últimas óperas, Il ritorno d’Ulisse in patria y L’incoronazione di Poppea, para el teatro veneciano en la década de 1640. Su seguidor más importante, Francesco Cavalli, ayudó a difundir la ópera por toda Italia.
En estas óperas del primer Barroco, la comedia amplia se mezcló con elementos trágicos en una mezcla que sacudió algunas sensibilidades educadas, provocando el primero de los muchos movimientos de reforma de la ópera, patrocinado por la Academia Arcadia, que llegó a asociarse con el poeta Metastasio, cuyos libretos ayudaron a cristalizar el género de la ópera seria, que se convirtió en la forma principal de la ópera italiana hasta finales del siglo XVIII. Una vez establecido el ideal metastasiano, la comedia en la ópera del Barroco quedó reservada a lo que se denominó ópera buffa. Antes de que estos elementos fueran expulsados de la ópera seria, muchos libretos presentaban una trama cómica que se desarrollaba por separado, como una especie de «ópera dentro de la ópera». Una de las razones era el intento de atraer a los teatros de ópera públicos a los miembros de la creciente clase mercantil, recién enriquecida, pero aún no tan culta como la nobleza. Estas tramas separadas resurgieron casi inmediatamente en una tradición que se desarrolló por separado y que derivó en parte de la commedia dell’arte, una tradición escénica improvisada de Italia que había florecido durante mucho tiempo.
Al igual que los intermedios se representaban entre los actos de las obras de teatro, las óperas del nuevo género cómico de los «intermezzi», que se desarrollaron en gran medida en Nápoles en los años 1710 y 20, se representaban inicialmente durante los intermedios de la ópera seria. Sin embargo, se hicieron tan populares que pronto se ofrecieron como producciones separadas.
La ópera seria tenía un tono elevado y una forma muy estilizada, que solía consistir en recitativos secco intercalados con largas arias da capo. Esto ofrecía una gran oportunidad para el canto virtuoso y, durante la época dorada de la ópera seria, el cantante se convertía en la estrella. El papel del héroe se escribía normalmente para la voz del castrato; castrati como Farinelli y Senesino, así como sopranos femeninas como Faustina Bordoni, fueron muy solicitados en toda Europa, ya que la ópera seria dominaba los escenarios de todos los países excepto Francia. De hecho, Farinelli fue uno de los cantantes más famosos del siglo XVIII. La ópera italiana marcó la pauta del Barroco. Los libretos italianos eran la norma, incluso cuando un compositor alemán como Handelfound componía para el público londinense obras como Rinaldo y Giulio Cesare. Los libretos italianos siguieron siendo dominantes también en el periodo clásico, por ejemplo en las óperas de Mozart, que escribió en Viena cerca del final del siglo. Entre los principales compositores de ópera seria nacidos en Italia se encuentran Alessandro Scarlatti, Vivaldi y Porpora.