Per molti, è facile dare per scontata la profondità spaziale che un dipinto o un disegno può rappresentare. Tuttavia, l’arte non è sempre stata così rappresentativa del mondo che ci circonda. Per esempio, le figure nei disegni e nei dipinti dell’antico Egitto sono spesso mostrate di profilo, mentre i loro occhi sono rivolti verso lo spettatore. Questo perché solo nel XIV secolo la prospettiva lineare ha cominciato ad essere usata con successo dagli artisti, permettendo loro di trasformare una superficie bidimensionale in una rappresentazione realistica del nostro mondo tridimensionale.

Le leggi matematiche che circondano la prospettiva lineare furono stabilite per la prima volta dagli antichi greci e romani, ma furono poi perse durante il Medioevo in Europa. Il primo tentativo registrato di usare la prospettiva lineare fu fatto da Filippo Brunelleschi, padre dell’architettura rinascimentale italiana. Intorno al 1415, il famoso architetto italiano dimostrò il suo uso della prospettiva lineare creando due pannelli dipinti che rappresentavano le strade e gli edifici di Firenze. Sebbene questi pannelli siano andati perduti, il tentativo fu documentato dall’architetto e scrittore di biografie Leon Batista Alberti.

Che cos’è la prospettiva lineare?

La prospettiva lineare è una tecnica usata dagli artisti per creare l’illusione della profondità e dello spazio usando le dimensioni relative e la posizione di un gruppo di oggetti. Per ottenere questo effetto, ci sono tre componenti essenziali necessari per creare un dipinto o un disegno usando la prospettiva lineare:

1. Ortogonali (conosciuti anche come linee parallele)
2. Punto di fuga
3. Linea dell’orizzonte

Utilizzando questi componenti, è possibile organizzare la composizione di un’opera d’arte in un modo simile a come l’occhio umano vede il mondo. Il principio guida di questa tecnica è che gli oggetti che sono più vicini all’osservatore sembrano essere più grandi, mentre gli oggetti che sono più lontani sembrano essere più piccoli. Per ottenere questo, l’artista pone una linea orizzontale attraverso la superficie dell’immagine, che è conosciuta come la “linea dell’orizzonte”. Le linee parallele o ortogonali convergono quando si allontanano e si incontrano nel punto di fuga sulla linea dell’orizzonte.

Maestri della prospettiva lineare

Questa capacità di aggiungere profondità e spazio a una superficie bidimensionale piaceva ai pittori rinascimentali del XV secolo che apprezzavano le nuove tecniche artistiche e i progressi della matematica – così, ha senso che alcuni dei più noti artisti rinascimentali fossero anche maestri della prospettiva lineare. Uno di questi artisti è Leonardo da Vinci, che si sforzò di creare dipinti che assomigliassero accuratamente al mondo reale. Nei suoi scritti, da Vinci sosteneva che “la prospettiva non è altro che la visione di una scena dietro un vetro piatto e chiaro…” Come i suoi contemporanei, da Vinci vedeva i suoi dipinti non semplicemente come una rappresentazione del nostro mondo, ma come una finestra aperta attraverso la quale i suoi spettatori potevano guardare.

La padronanza della prospettiva lineare non era limitata al Rinascimento italiano. Anche Jan van Eyck, pittore olandese e figura chiave del primo Rinascimento settentrionale, è noto per il suo abile uso della prospettiva lineare. La prospettiva atmosferica di Van Eyck (dettagliata di seguito) precede quella di da Vinci di quasi 50 anni.

Tipi di prospettiva

Ci sono molti tipi di prospettiva usati dagli artisti per trasmettere un senso di spazio all’interno della composizione di un’opera, compresa la prospettiva lineare, la prospettiva a un punto, la prospettiva a due punti e la prospettiva atmosferica. Qui, abbiamo analizzato gli elementi chiave di ciascuna, ed esplorato come differiscono l’una dall’altra.

Prospettiva a un punto

La prospettiva di un punto contiene un punto di fuga lungo la linea dell’orizzonte. Questo tipo di prospettiva può essere facilmente usato per ritrarre cose come ferrovie, corridoi o interni di stanze.

Prospettiva a due punti

La prospettiva a due punti, chiamata anche prospettiva a tre quarti o prospettiva angolare, contiene due punti di fuga sulla linea dell’orizzonte. Questo è spesso usato per mostrare qualcosa come l’angolo di un edificio su una strada. Un lato dell’edificio svanirà verso sinistra, mentre l’altro lato svanirà verso destra, creando due punti di fuga separati.

Perspettiva atmosferica

Che cos’è la prospettiva atmosferica? Come la prospettiva lineare, anche la prospettiva atmosferica (a volte chiamata prospettiva aerea) crea l’illusione della profondità su una superficie bidimensionale. Ma invece di usare linee d’orizzonte e punti di fuga, la prospettiva atmosferica usa principalmente il colore. Il termine fu coniato per la prima volta da Vinci, che osservò nel suo Trattato sulla pittura che i colori “diventano più deboli in proporzione alla loro distanza dalla persona che li sta guardando”. In altre parole, gli oggetti che sono più lontani hanno i bordi sfocati e appaiono più chiari nel colore. Un maestro della prospettiva atmosferica fu William Turner, che la incorporò audacemente nei suoi dipinti di paesaggio. La prospettiva atmosferica fu anche padroneggiata dai pittori di paesaggi cinesi dall’VIII secolo in poi.

Rottura delle regole

L’incorporazione della prospettiva lineare e il desiderio di creare profondità spaziale nei dipinti e nei disegni hanno influenzato gli artisti di molti movimenti artistici futuri, tra cui l’arte barocca, l’arte neoclassica, l’impressionismo e il post-impressionismo.

Alla fine del XIX secolo, gli artisti cercavano modi per sfidare lo status quo, e molti si chiedevano perché l’arte dovesse essere vista solo come una precisa rappresentazione del mondo. Con artisti come Paul Cézanne che forniscono nuovi approcci alla composizione, così come la popolarità dei movimenti d’avanguardia come il cubismo all’inizio del 1900, la fine del XIX secolo segnò anche l’inizio della fine delle regole stabilite della prospettiva.