1600 do 1750: Chociaż impuls do okiełznania mocy muzyki jednoczy większość muzyki epoki baroku, różnice techniczne w tym okresie – szczególnie pomiędzy wczesnymi i późnymi dziełami – są uderzające. W swoim pomocnym przeglądzie epoki muzykolog Claude Palisca sugeruje, że okres ten należy rozumieć jako obejmujący kilka różnych faz. Pierwsza faza, w której wzmacnia się pragnienie znalezienia nowych sposobów muzycznej ekspresji, ma miejsce od około 1550 do 1640 roku. Od 1640 do 1690 r. ekspresję muzyczną zaczynają regulować nowe zasady i przepisy, zwłaszcza w zakresie rytmu, harmonii, środków wyrazu i formy. Od 1690 do 1740 roku normy formalne wypracowane w poprzednim okresie są uznawane za stałe.

Allemanda: umiarkowanie powolny, poważny taniec w metrum poczwórnym i formie binarnej. Allemande rozpoczęła życie jako taniec w renesansie, a następnie była kultywowana jako samodzielny utwór instrumentalny. Do czasu, gdy stał się jednym z czterech standardowych tańców suity w końcu 17 wieku, allemande często preferowane imitacyjne, ornamenty faktury nad silnie profilowane rytmy taneczne.

bourrée: żywy taniec w duple metr i formy binarnej. Był popularnym tańcem w operach Lully’ego i na dworze Ludwika XIV, a w baroku zachował homofoniczną fakturę i proste rytmy jako samodzielny utwór instrumentalny.

Back to Top

courante (także. corrente): taniec dobrze znany w XVI wieku, w XVII wieku zyskał jeszcze większe znaczenie. Taniec w metrum trójdzielnym w formie binarnej, istniał w dwóch wersjach: francuskiej courante, która była ogólnie uroczysta i dostojna i napisana w okazjonalnie niejednoznacznym metrum trójdzielnym; i włoskiej corrente, która była w szybkim metrum trójdzielnym. We Włoszech corrente był żywym tańcem zalotnym, podczas gdy courante był jednym z najważniejszych tańców na balach na dworze Ludwika XIV. Ponieważ francuska choreografia courante zachowała się dopiero z XVIII wieku, niewiele wiemy o jej związku z wersją włoską.

Aria da capo: standardowa forma arii do końca XVII wieku. Aria da capo miała dwie główne części: otwierającą sekcję „A” w głównej tonacji, po której następowała kontrastująca sekcja „B” w innych tonacjach. Na końcu części „B”, słowa „da capo” (dosłownie „z głowy”) kierowały powtórzenie części „A”, która zwykle służyła śpiewakom jako okazja do popisania się swoją sprawnością wokalną poprzez wyszukane, improwizowane ornamenty.

fantazja (także eng. fancy, fantasy; niem. Fantasie): nieuporządkowana kompozycja instrumentalna, często charakteryzująca się przesadą, zniekształceniem i nieprzewidywalnością. W całym okresie swojego użycia fantazja często oznaczała swobodną improwizację i była używana do określenia utworu, który sprawiał wrażenie spontanicznie wypływającego z wyobraźni grającego. Termin ten był czasem używany zamiennie m.in. z capriccio, woluntariatem, toccatą i canzoną. utwór o nieuporządkowanej formie, pierwotnie improwizacja.

Back to Top

Gavotte: elegancki taniec w umiarkowanym metrum dwójkowym i w formie dwójkowej, często o fakturze homofonicznej i prostych rytmach. W końcu XVI i na początku XVII wieku gawot był rodzajem branle. W połowie XVII wieku gawot pojawił się jako nowy taniec o podobnych cechach muzycznych, stając się popularnym w operach i baletach Lully’ego i Rameau. Gavotte (lub często para gavottes) często następował po sarabandzie w suicie.

gigue (także Eng. jig, It. giga): szybki taniec w metrum dupleksowym i formie dwójkowej. Wywodzi się z Anglii i Irlandii jako jig, a we Francji znany był już w latach 50. XVI wieku. W suicie barokowej i innych kompozycjach gigue często pełnił rolę części finałowej. Jako samodzielna kompozycja instrumentalna, charakter gigue był bardzo zróżnicowany, ale zazwyczaj zachowywał szybkie tempo.

Harpsichord: główny strunowy instrument klawiszowy od XVI do XVIII wieku i główny instrument basso continuo; małe klawesyny nazywano wirginałami lub szpinetami. Klawesyn przypomina fortepian, ale jego brzmienie opiera się na dudkach, które skubią struny, a nie na młotkach. W XIX wieku został wyparty przez fortepian.

intermezzo: w XVIII wieku utwór komiczny wykonywany między aktami opery seria i prekursor opery buffa, który pojawił się jako ważny podgatunek opery na początku XVIII wieku w Neapolu. Najpopularniejszym przykładem jest La Serva padrona Pergolesiego (1733).

Lutnia: szarpany instrument strunowy z XIV-XVII wieku, podobny wyglądem do gitary, ale z podłużnym, gruszkowatym korpusem. Mimo rozkwitu w renesansie, lutnia była ważnym instrumentem we wczesnym baroku, używanym do akompaniowania pieśniom i jako część grupy continuo. W ciągu XVII wieku była stopniowo wypierana przez teorbę, skrzypce i klawesyn.

Back to Top

madrygał: polifoniczny utwór wokalny, zwykle bez akompaniamentu, o różnych rodzajach wierszy, który był niezwykle popularny od początku XVI wieku do połowy XVII wieku, szczególnie we Włoszech. W połowie XVI wieku gatunek ten wykorzystywano jako żyzny grunt dla eksperymentów muzycznych.

Minuet: wdzięczny i niezwykle popularny taniec w metrum trójdzielnym, zwykle w formie dwójkowej. Menuet pojawił się po raz pierwszy w połowie XVII wieku i stał się szalenie popularny na dworze Ludwika XIV; sam król był podobno doskonałym tancerzem menueta. Menuet był jedyną barokową formą tańca, która nie straciła na aktualności w okresie klasycznym, ponieważ często kończył uwerturę operową, a następnie został włączony do symfonii.

Motet: jeden z głównych gatunków wokalnych od średniowiecza do XVIII wieku. W epoce baroku termin ten odnosił się ogólnie do sakralnej kompozycji wokalnej przeznaczonej do użytku w kościele lub do osobistej pobożności.

sarabanda (także It. sarabanda, Sp. zarabanda): taniec o potrójnym metrum. We Francji i Niemczech sarabanda była wolna i dostojna. W Meksyku i Hiszpanii taniec ten znany był po raz pierwszy w XVI wieku jako zarabanda, jednak był to taniec dziki i niezwykle erotyczny. Choć w Hiszpanii został zakazany w 1583 roku, przetrwał przez całą epokę baroku tam i we Włoszech jako taniec szybki. Ostatecznie stał się jednym z czterech standardowych tańców suity barokowej, zwykle w wolniejszej wersji.

Back to Top

semi-opera: w Anglii końca XVII i początku XVIII wieku, utwór dramatyczny, w którym główni bohaterowie głównie mówili, ale który zawierał znaczące sekcje muzyki. The Fairy Queen Purcella (1692) jest jednym z przykładów.

tragédie-lyrique (także tragédie en musique): Francuska opera z XVII i XVIII wieku, oparta na poważnych tematach, zazwyczaj zaczerpniętych z klasycznej mitologii. Zazwyczaj w pięciu aktach, tragédie-lyrique zawiera balet i chóry z typowymi recytatywami i ariami.

Wiola: członek rodziny instrumentów strunowych w użyciu od 16 do większości 18 wieku, i prekursor skrzypiec. Termin viola da gamba odnosił się do instrumentów trzymanych na kolanie lub między nogami, podczas gdy viola da braccio oznaczała te, które były grane na ramieniu. Altówki posiadają podstrunnicę, płaski korpus, sześć strun i gra się na nich za pomocą zakrzywionego smyczka, który zazwyczaj spoczywa na nodze. Były one prekursorami rodziny skrzypiec.

viola da gamba: z włoskiego „viol na nogę”, termin ten może odnosić się do każdego członka rodziny viol, ale w XVII wieku oznaczał altówki basowe o zakresie podobnym do wiolonczeli.

Back to Top